La Guerra fría fue un hecho que sin duda marco la vida de los habitantes de este mundo. Sin embargo, los países directamente involucrados en esta situación posguerra tuvo fuertes consecuencias, sobre todo en cuanto a ideología se refiere.

Después de la Primera Guerra Mundial, el socialismo impregnó los círculos de intelectuales como la Escuela Documental de Nueva York, por ejemplo, el ruso Sergei Eisenstein, sirvió a muchos documentalistas, de esta escuela, como modelo a seguir. En esa época el principal problema era atacar era el fascismo y no el socialismo, por lo que la ideología creció entre los intelectuales y la población estadounidense sin ningún problema aparente.

El problema llegó cuando termino la Segunda Guerra Mundial y se formaron los dos bloques antagónicos. Hollywood contaba con cierto número de actores, directores y escritores que compartían una ideología comunista, entre ellos el guionista Dalton Trumbo.

Para conocer más sobre esta época oscura conocida por muchos como “la cacería de brujas” emprendida por el senador republicano Joseph McCarthy (recomiendo ver Good Night, and Good Luck (2005) de George Clooney), en contra de todo aquel simpatizante comunista, pues eran considerados un riesgo para Estados Unidos.

Así cualquiera que mostrará una ideología contraria a la de la Constitución de Estados Unidos, era investigado por el Comité de Actividades Antiestadounidenses. Esto afecto a los actores, directores y guionistas de Hollywood, por lo que la caza de brujas inició con el apoyo de los principales estudios.

Los diez de Hollywood (como se conocen) se negaron a declarar por lo que fueron encarcelados y despedidos indefinidamente hasta que declarasen y demostrasen no ser comunistas, además se les vetó y se les obstaculizó su actividad cinematográfica. Este hecho es muy bien representado desde el punto de vista de Dalton Trumbo, un guionista prolífico y ganador del premio Óscar dos veces. Debido a estos hechos, cambió su identidad para poder seguir trabajando en Hollywood.

Es una película bien lograda y entretenida que no se pueden perder los amantes del cine, pues es un hecho histórico que muestra que no basta con ser talentoso, sino que hay otros intereses, no solo económicos, en la mayor maquinaria de propaganda de los Estados Unidos.

La narco cultura es algo que se vive y que impregna las industrias culturales como la televisión y el cine en México. En todos los casos se expone la crueldad y la miseria humano para tener el control del paso de la droga al país del norte. Sin embargo, el antihéroe es una constante en el imaginario de esta cultural del tráfico de drogas, con lo cual justifican dicha “profesión”.

La cultura del narco empezó a tomar auge en las producciones audiovisuales del video home de los años ochenta. Sin embargo, desde el sexenio calderonista, se comenzó con la, comúnmente llamada, “Guerra contra el narcotráfico”. El cine mexicano ha retratado las crueldades de este fenómeno social en películas mundialmente premiadas como Miss Bala (Gerardo Naranjo, 2011) y Heli  (Amat Escalante, 2013). Se podría decir que no exponen nada nuevo, solamente hacen énfasis de la corrupción en el país.

Por otro lado, tenemos la visión estadounidense de el tráfico de drogas y la corrupción que existe en el sistema policiaco. Recordemos Infiltrados (Martin Scorsese, 2006) en donde un infórmate del FBI es hijo de un líder mafioso. Más recientemente tenemos la multinominada película Sicario (Denis Villeneuve, 2015), la cual recurre a un antihéroe para explicar la corrupción de los agentes secretos y sus entradas ilegales para hacer justicia por su propia mano en México.

Sicario es una película que expone los huecos de ley existentes en nuestro país y cómo pueden pasar los agentes estadounidenses a matar, a secuestrar a los narcotraficantes mexicanos y desaparecerlos sin que nadie se entere de que salieron del país. Entonces ante este hecho, retratado en este filme ¿qué podemos especular? Primero: México es un país que carece de seguridad en sus fronteras, los Estados Unidos tiene el control total de quién entra y quién sale; segundo el país del norte puede extraer ciudadanos mexicanos a la hora que ellos quieran, y literal ¡A plena luz del día!; tercero, conocen los narco túneles y quiénes operan en estos, además los ocupan para que agentes especiales antidrogas pasen a nuestro país.

Entonces ven como no es lo mismo estar jodido que joder al más jodido. Los puntos de vista sobre el narcotráfico cambian de un país a otro. México retrata la opulencia en la miseria y sus reinas de belleza, de una forma exótica y corrupta y los Estados Unidos se deshacen del problema con agentes encubiertos y toda la tecnología militar para acabar con lo que le haga daño en el momento que ellos lo requieran sin importar quién sea el líder del cártel o quién sea el presidente en turno, simplemente erradican el problema.

Y con esta reflexión termino: tenemos mucho que repensar, por ejemplo, están el Centro de Detención de Inmigrantes en los Estados Unidos algo que no ha sido filmado, hasta ahora, ni por nuestros cineastas ni por los del país del norte.

Todo el mal de este país se lo debemos a la corrupción y a nuestra falta de educación (sin duda la primera existe por falta de la segunda). Como habría de esperarse, el cine en nuestro país no puede despuntar por estos dos hechos. Recordemos un antecedente que sin duda involucra la mala fe de Estados Unidos y la corrupción de nuestro país.

En el 2002 el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) promovió ante el Congreso lo que se conoció como “el peso en taquilla”, es decir los exhibidores (los cines) tenían que recaudar un peso por cada boleto vendido en salas cinematográficas del país, con esto se esperaba recaudar entre 130 y 150 millones de pesos anuales. Tal iniciativa fue aprobada, sin embargo el 9 de diciembre la Cámara Nacional de la Industria

Cinematográfica (Canacine) apoyada por la Confederación Nacional de Cámaras Industriales (Concamin), en defensa de los intereses de las grandes distribuidores estadounidenses y de las más importantes cadenas de exhibición, publicaron un desplegado en el que rechazaban dicha iniciativa.

La iniciativa fue apelada por una comisión encabezada por el panista Fauzi Hamdan, en donde argumentaba un dictamen negativo sobre dicha iniciativa, con la cual consiguió el voto de ochenta senadores rechazando la propuesta. Sin embargo, el senador Javier Corral consiguió que la Cámara de Diputados (adonde ya se había enviado el rechazo) regresara la minuta para volver a ser sometida a votación. Finalmente la iniciativa fue aprobada.

Ahora el problema no era la falta de recaudación o la falta de ley, era las grandes cadenas de exhibición y las distribuidoras estadounidenses. El 8 de enero del 2003 el presidente Vicente Fox recibió una carta de Jack Valenti, el presidente de Motion Pictures Association of America (MPAA) en donde le advertía que de seguir con esta recaudación “se cancelaría la inversión extranjera en la producción de nuevas películas en México, además […] de que este impuesto causaría un mal servicio a un importante sector cultural”.

La situación no quedó en amenazas: “tres semanas después Steve Solot, el vicepresidente de la MPAA para América Latina, se presentó, acompañado de un abogado, en la oficina de la presidenta de Conaculta para anunciarle que todas las empresas distribuidoras estadounidenses con oficinas en México iniciarían procesos de amparo en contra del “peso en taquilla”, porque era una medida que favorecía al cine mexicano, lo que iba en contra de los principios de libre mercado”. ¿Qué tendría de malo favorecer a nuestro cine? ¿Acaso en Estados Unidos no se ven favorecidos por su país?

Después de una largo proceso legal, la Suprema Corte de Justicia de la Nación, en diciembre del 2004, anuló por unanimidad la recaudación del peso en taquilla, ¿pueden creerlo? Pudo más el abuso de las distribuidoras estadounidenses y el de los exhibidores que un proyecto nacional de cine y no sólo del cine, sino de la cultura.

1 Carlos, Taibo, Manual básico de producción cinematográfica, México, IMCINE, 2011, p. 73.
2 Op. cit.

Todo comienza aquí, ¿el amor vale el dolor que nos causa por el placer que nos encanta?, así lo plasman las películas de comedia romántica. Basta ver Una Eva y dos Adanes (Some like it hot, 1959) de Billy Wilder y Una dama es una dama (Une femme est une femme, 1961) de Jean-Luc Godard. Ambas, aunque muy diferentes en narración y estilo, reflejan dos formas de sentir el enamoramiento: sincero y divertido.

En realidad, los individuos siempre estamos buscando la fórmula científica para que nos salga el amor tal como lo vemos en las películas, pues algo tiene el romance que nos molesta sobremanera: la incertidumbre.

Así, todos protagonizamos nuestra propia película; y lo divertido es que en nuestra vivencia del día a día, pareciera actuamos siguiendo las reglas de los diferentes géneros cinematográficos. El cine es un reflejo de nuestra realidad social y cada quien se apropia del estilo que va más con su personalidad.
Cabe aclarar que la comedia romántica no es de los géneros más taquilleros en el cine. Las marquesinas son dominadas por las cintas de aventura, los dramas, las películas animadas o de acción. Con todo, las comedias románticas cumplen un papel fundamental en el imaginario del quehacer amoroso.

En febrero (“mes de los enamorados”), en el mejor de los casos encontramos en cartelera películas que reflejan historias entretenidas y románticas; en el peor, temáticas incoherentes, sostenidas por las mismas fórmulas clichosas, en las siempre se sabe qué pasará. En ambos casos impera una cantaleta moral, quizá por ello caen de mi preferencia, por incoherentes, pues se les olvida algo: el amor carece de moral y de prejuicios. Así lo vemos en Una Eva y dos Adanes y en Una dama es una dama.

Si tomamos en cuenta que en México el cine es un artículo de lujo cuyo acceso equivale al salario mínimo de un obrero, inmediatamente colocamos la condicional: si va uno al cine, va a divertirse. Sin embargo, el cine es también un producto de consumo, y debemos exigir estándares mínimos de calidad.

No sé si las grandes productoras crean que los temas están agotados o que estamos atrapados en la tendencia existencialista o dramática de ver al amor como algo muy interno que carece de entendimiento, diversión y espontaneidad.

En Una Eva y dos Adanes se habla de la liberación sexual de la mujer y de la homosexualidad, no como un tema, sino como un hecho que sucede. Sugar (Marilyn Monroe) se muestra libre y natural ante sus múltiples fracasos amorosos, deja de lado los hechos del pasado e incluso cede ante su consciencia planificada y termina enamorándose de un saxofonista, Joe (Tony Curtis). Lo importante es saber vivir la vida, porque todo llega de la forma más inesperada posible, como el amor de un millonario a un músico, Jerry (Jack Lemmon).

Por otro lado, Jean-Luc Godard, quien en sus primeros trabajos explora la relación de pareja hombre y mujer, plasma de una forma filosófica y didáctica los roles de la mujer y el hombre en una correlación amorosa.

En Una dama es una dama, Godard muestra a una pareja que sigue unida, quizá por la frescura de su sentimiento, en donde el hombre impone, la mujer se encapricha y la negación es el peor enemigo de quien se cree enamorado; y aunque ambos (Émile y Angela) se enfrentan, hay una fuerza extraña con la que ninguno de los dos puede luchar.
¿Qué se mira? ¿Una comedia o una tragedia? Pues como el amor encierra odio, placer, sueños y un sinnúmero de sentimientos contradictorios, no nos queda más que pensar que la comedia romántica va más allá de un juicio moral. El placer de sentirse amado, la confusión más extraña de nuestro ser.

Takashi Miike es un director japonés de cine, teatro y televisión, quien ha dirigido –entre cine, televisión y video– 89 producciones, lo cual es impresionante si tomamos en cuenta que tiene 52 años.

No alcanzaría este espacio para escribir sobre su trabajo entero, por lo que me limitaré a contarles sobre tres de sus películas que me impresionaron: Audition (1999), Ichi the killer (2001) y Sukiyaki western Django (2007).

Miike, para mí, es adictivo. No he podido parar de ver su trabajo desde que vi Sukiyaki western Django. Las razones pueden ser muchas, pero la más poderosa que encuentro, hablando sólo del estilo, es que perturba y sobrepasa los límites de la realidad. El simbolismo de sus colores e imágenes hace que sea una experiencia sensorial y emocional, lo suficientemente fuerte como para querer comprender la profundidad de su obra. Por otro lado, la ralentización de los cuadros, en los momentos de violencia, que comúnmente pasan en tiempo real, crea un impacto a la máxima potencia; es la violencia a detalle, es la estetización de la tortura, es donde Takashi advierte: “Pon sentimiento, dar dolor es un asunto serio”.

La creación del superhéroe, en este caso, el antihéroe, en una realidad trascendental, devuelve a sus personajes los instintos más primitivos y exacerba los deseos humanos por la venganza; en ésta se encuentra un camino tortuoso, lleno de sentimiento y de indiferencia por el dolor ajeno, la premisa es “el mundo y tú me lastimaron, tendrán que pagar con sangre y dolor todo lo que me hicieron sufrir”.

En Audition, Ryo es un hombre viudo que castra sus deseos sexuales y los intercambia por un estatus económico, sumergido en un mundo irreal. Cree que es tiempo de conocer a la mujer perfecta, por lo que su amigo, productor de cine, le sugiere que hagan una audición para que encuentre a su “futura”. Al revisar las fotos encuentra a una bailarina de ballet clásico, Eihi, quien llama su atención. No obstante, los traumas de Eihi de su niñez, un accidente y la vida de maltrato por parte de su padrastro, la llevan a una situación de inseguridad emocional y de temor al abandono que, al menor rastro de indolencia por parte Ryo, Eihi es capaz de matar para hacer pagar a quien se atreva a lastimarla. Sin embargo, muestra la historia de amor en la que Ryo le dice, cuando ella está a punto de morir: “Algún día sentirás que la vida es maravillosa”.

La oración, la religión y los buenos actos no son la redención, es la vida misma. El sufrimiento comienza desde que nacemos, y nos arrebatan lo que más queremos, a nuestra madre o a nuestro padre, a los dos o al amor de nuestra vida, son ellos los que crean las murallas ante la realidad exterior, pero cuando el amor más puro y sincero desaparece, es como si volviéramos a nacer en un mundo de manipulación.

Ichi no desarrolló el derecho a elegir, le impusieron una realidad, lo hipnotizaron para ser asesino con el fin de liberar los traumas de su niñez, y con ese pretexto mata, aunque no quiera.

Por otro lado, Takashi deja en claro que sus personajes gozan del maltrato y maltratando, con torturar y ser torturados; es decir, son sádicos y masoquistas, incluso Ichi, quien es 100% sadista.

Lo que es curioso es cómo en pleno siglo XXI se habla de una revolución en las relaciones de pareja y la familia; revolución falsa, cuestionada en 1960 por Jean Luc Godard en Sin aliento (Breathless), Michelangelo Antonioni, Ingmar Bergman y Takashi Miike, quien lo utiliza como el origen del trauma de sus personajes; pero ni la revolución sexual y su múltiple verborrea, nos quita la incomodidad de la existencia, y nos hace pensar que los caminos para la redención son la tortura, la sangre, la guerra, la venganza y la miseria. ¿Será la condición del ser humano para alcanzar la muerte? ¿La familia sigue siendo el eje de las realidades de los seres humanos? ¿Algún día sentiré que la vida es maravillosa, aunque sea en mi lecho de muerte? No lo sé mon ami, de lo que sí tengo la certeza, es de la vida y la muerte.