El arte debería ser como “un buen sillón” en el que el espectador se sienta a descansar: Henri Matisse

  A  ndalucía, España.-   El Centre Pompidou Málaga presenta una selección de obras de Matisse. Un conjunto de 48 obras entre pinturas, esculturas y dibujos fechadas entre 1900 y 1952. Las creaciones  que destacan son: El violinista en la ventana (1918) y Bailarín (1937).

Serge Lasvignes, presidente del Centre Pompidou, indicó en conferencia de prensa, que la exposición Un país nuevo. Henri Matisse (1869-1954) es el inicio de la celebración del 150  Aniversario del nacimiento del artista francés Henri Matisse.

“Esta exposición traza la trayectoria del artista gracias a una selección de obras icónicas que hacen dialogar la pintura, escultura y dibujo. Seis secuencias cronológicas que rastrean el recorrido de este artista fundamental de la modernidad, desde sus inicios hacia 1900 hasta sus últimas obras de principios de la década de 1950, en una evocación de los interiores de Vence y de su última obra para la Capilla del Rosario”.

Aurèlie Verdier curadora de la exposición explica que “No abundan los pintores como Matisse, capaces de llevar a cabo un minucioso análisis del proceso de elaboración de su propia obra. Hay que volver una y otra vez a la famosa frase del artista en 1908, según la cual el arte debería ser como “un buen sillón” en el que el espectador se sienta a descansar.

Ciertamente de su obra emana una forma de dicha, pero el precio que paga consistió siempre en un arduo trabajo que perseguía ocultar ese esfuerzo. El arte hecho de “equilibrio, pureza y serenidad” al que Matisse aspiraba era en realidad el fruto de un forcejeo; un arte luminoso y simple de contemplar, pero complejo en su génesis.

Un año antes, en 1907, enfrentado a la incomprensión del público y aún a la de otros artistas, Matisse libró una encarnizada batalla por su obra, que le sirvió sobre todo para esforzarse en tomar plena conciencia de su recorrido pictórico: “Creo que la personalidad del artista se desenvuelve, se afirma, a través de las muchas luchas que tiene que librar […]. Sí el combate le es fatal, […} ese y no otro era su destino.”

Los visitantes al Centre Pompidou Málaga pueden conocer la posición de un artista que revolucionó la mirada moderna con una producción artística que se extiende a lo largo de más de sesenta años y lo sitúa entre los artistas más destacados del siglo XX.

La muestra, con obras fechadas entre 1900 y 1952 es amplia y destacan piezas como: El violinista en la ventana (1918) realizada durante su primera estancia en Niza, el Desnudo sentado rosa (1935-1936) que muestra la simplificación radical abordada por el artista desde sus inicios, o uno de sus primeros papeles recortados, Bailarín (1937).

Son seis secciones que forman la exposición: Con y contra  los maestros, inicios y rupturas; “Medios más simples” El periplo fauve y “ primitivo” (1905-1909),La apuesta por la radicalidad. Retratos y figuras (1909-1917),Niza, interiores, figuras (1917-1929), Modernidades, los años 1930 y Una habitación propia, vence . Los últimos interiores.

“El último período de Matisse, definitivamente instalado en Vence durante la guerra, fue testigo de un excepcional brote de creatividad. Su reinstalación en el Hotel Régina, en 1949, le permitió abordar proyectos de gran formato a los que destinó una técnica que ya había ensayado en los años 1930, pero cuyo desarrollo a plenitud se produjo en el ocaso de su vida: los recortes de papel pintado con gouache. Esta técnica facilitaba el establecimiento de correspondencias entre el color, el dibujo y el espacio con la aparente simplicidad que Matisse busco a lo largo de su vida”, indica Verdier.

Reúne a millones de visitantes nacionales y extranjeros

  A  ndalucía, España.-  El Domingo de Ramos da el inicio a las Semana Santa y sinduda alguna las ciudades como: Granada, Sevilla, Jaén, Málaga y Huelva sedesbordan con miles de visitantes y locales que salen a ocupar un lugar en lasbanquetas de las principales calles del Centro de la ciudad.Sevilla destaca por los centenares de nazarenos que acompañan a  sus tronosque son llevados por costaleros sobre la cerviz, hombres que van debajo del trono;mientras que en  Málaga los llevan los hombres de trono que meten su hombrodebajo de los varales que son las piezas de metales de varios metros de longitud que sobresalen por delante y detrás de la estructura del trono. Son de grantamaño y con diversos pasos llevan.
Son 44  cofradías  en Málaga que procesan desde el Domingo de Ramos  por elrecorrido oficial, Una de las cofradías que tiene gran cariño de los malagueños esla de Lágrimas y Favores. En ella participa el actor Antonio Banderas y pertenecena la Cofradía personalidades ilustres de la cultura, como  la baronesa Carmen Thyssen.Este año Málaga cambió el recorrido oficial lo cual permitió que por primera vezesta Cofradía entrará a la Catedral y su recorrido se extendiera hasta la noche.Cabe destacar que el sábado anterior al Domingo de Ramos, Málaga madruga.miles asisten a los alrededores de la iglesia y el recorrido que cada año tiene la imagen del Cautivo acompañado de la Virgen vestida de blanco y azul.Mientras hace el recorrido a su casa de Hermandad donde se encuentran lostronos y los visten para Semana Santa, se les lanza claveles rojos que serán usados en el trono  que lucirá el lunes Santo.

El Domingo de Ramos salen nueve cofradías, la primera se conoce como la Pollinica que muestra a Jesús a su entrada a Jerusalén y María Santísima del Amparo, en está procesión van centenares de niños y es la primera en procesionar.
Cada cofradía sale con colores distintos lo que es una forma de distinguirlas. Aunque hay localidades que cuestan dinero y tiene abonados, los visitantes pueden verlas recorriendo las calles y buscando sitios abiertos. La Semana Santa se vuelve un maratón si se quiere ver las procesiones y observar cada detalle. Por cierto que los nazarenos usan capirotes y van vestidos de túnicas largas y llevan un cirio entre las manos.
La Semana Santa en Andalucía hace que aumente nuestra visión cultural. No sólo por observar las hermosas imágenes talladas, los bordados de sus vestidos y tronos como  las tallas de madera. Los arreglos florales que llevan en distintos colores.
El Domingo de Ramos cierra Prendimiento que luce en su trono un Olivo natural y la virgen luce un manto de más de cinco metros de largo y bellamente bordado.
Esto es el inicio de la Semana Santa..

  M  álaga, España.- La ciudad de Málaga se caracteriza por el cuidado de sus jardines y especialmente resalta el trabajo que ha realizado el Ayuntamiento  desde 1990 con el Jardín Botánico Histórico La Concepción. En el encontramos grandes colecciones entre las que se encuentran las plantas acuáticas, prehistóricas, palmeras, olivos, frutales y la conocida como la vuelta al mundo en 80 árboles.

La Propiedad ubicada en la ladera de una pequeña montaña  ocupa 3.5 hectáreas, resguarda cascadas, riachuelos, fuentes, escalinatas, invernaderos, grandes árboles nominados plátanos y una variedad de palmeras de cien especies  que forman una de las mejores colecciones que existenten en Europa.

El espacio data del año 1855 cuando inició con los cuidados de los Marqueses de Casa Loring y fue ampliado años después por la familia Echevarría- Echevarrieta segundos propietarios desde 1911.Se declaró jardín histórico-artístico  en 1943.

El espacio está dividido en histórico y botánico en ésta ocasión dedicamos este espacio al botánico donde la arboleda monumental con ejemplares  centenarios se cuentan con un promedio de tres mil.

Desde la entrada nos encontramos con instrucciones y explicaciones de cada una de las plantas que se encuentran a nuestra vista en sus laderas se cultivan limoneros, almendros, olivos, cereales y vides hasta la fecha permanecen como testimonio de lo que fuera la productividad de la finca que fue visitada por familias de la aristocracia española como europeas. Entre los visitantes destaca la estancia de la emperatriz Sissi.

Especialistas en botánica destacan que “los cítricos se originaron en el sudeste asiático hace unos 20 millones de años y fueron los árabes que los introdujeron – en la zona malagueña- alrededor del siglo X.

En La Concepción el limón era comercializado y enviado a Inglaterra. La variedad Real, muy antigua y actualmente en regresión está entre ellos. Este limón, conocido como limón cascarúo es muy típico de Málaga y se consume echándole un poco de sal en sus gajos, adquiriéndolo sobre todo en puestos callejeros durante las procesiones en Semana Santa.”

En un espacio  amplio se encuentran flora de cada continente, en un largo paseo se  disfruta de las diversas formas, tamaños y adaptaciones. Se empieza por América del Norte y termina en Europa por el lado derecho y a la izquierda está Asia y Oceanía.

El paseo por el jardín es una experiencia muy enriquecedora. Se conoce gran variedad de vegetación de diversas partes del mundo y se disfruta de espacios tranquilos donde se puede degustar bocadillos, leer o simplemente dejar que la imaginación vuele.

El Jardín botánico ofrece visitas guiadas de día y de noche para visitantes nacionales y extranjeros.

La voz de Picasso se escucha en la Museo Picasso Málaga

  M  álaga, España.- El Museo Picasso Málaga presenta la exposición  El sur de Picasso. Referencias andaluzas. El público disfruta de un recorrido sintético por la historia del arte español destacando las obras de Pablo Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros del arte español.

El recorrido comienza con una muestras del arte íbero, pasando por la antigüedad clásica.La contribución e influencia de Picasso en la historia del arte occidental del siglo xx es indiscutible.

Todo comenzó en la marítima ciudad de Málaga, donde nació a finales del siglo xix, iniciando con precocidad una prolongada carrera artística de ocho décadas que asimismo finalizó junto al mar Mediterráneo en la costa azul francesa, con similar exuberancia creativa, indica José Lebrero Stals, curador  general de la exposición.

“Varias son las premisas que esta exposición plantea para defender la idea de que Picasso nunca dejó de interesarse por los orígenes y tradiciones de la pintura, del mismo modo que su condición migrante lo mantuvo emocionalmente afianzado a su país, sin despojarse de la lealtad a su filiación cultural: Málaga, Andalucía y España forman parte de su ser meridional, no solo artístico.

Así, la influencia del Mediterráneo, la mirada mágica, el retrato en la historia, lo clásico, la representación de la vida y la muerte en el Barroco, las dolorosas, los arquetipos y los rituales son algunos de los argumentos que permiten una aproximación a temas que forman parte de la iconografía del artista malagueño como son la tauromaquia, el bodegón, la vanitas, la maternidad, los ritos o su filiación pictórica con los maestros barrocos españoles, permitiendo desvelar diversos aspectos su notable identificación y novedosa interpretación del legado artístico español.

La llamada del sur también queda reflejada en los textos poéticos de Picasso, una escritura libre y espontánea en la que trabajó durante dos décadas a partir de 1935, con abundantes referencias a ese sur, y que también forman parte de la muestra mediante una cuidada selección que de una manera relevante dan fe de la identidad española de Pablo Picasso”.

Un plus que tiene esta exposición es poder escuchar la voz de Picasso, gracias a las grabaciones de dos entrevistas que un periodista español le realizó para Radio Paris en Vallauris con motivo de su 80 cumpleaños.

Un total de 204 piezas componen la exposición  que muestra pinturas, esculturas dibujos y obra gráfica de Pablo Picasso junto a un grupo relevante de vestigios arqueológicos de las culturas íbera y fenicia y de época greco-romana, así como pinturas, grabados y esculturas polícromas de reconocidos maestros de nuestra historia del arte: Juan Sánchez Cotán, Juan van der Hamen, Francisco de Zurbarán, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Alonso Cano, Antonio de Pereda, Bartolomé E. Murillo, Pedro de Camprobín, Juan de Zurbarán, Pedro de Mena, Luis E. Meléndez y Francisco de Goya, María Blanchard, Juan Gris, Moreno Villa, Manuel Ángeles Ortiz e Ismael González de la Serna.

La muestra cierra con música, la de Manuel de Falla y Le tricorne, ballet ambientado en España que el compositor estrenó en Londres en 1919 con la colaboración de Pablo Picasso, quien diseñó la decoración y el vestuario, cuyos bocetos están también presentes en esta exposición.

  A  ndalucía, España.-  El Museo Carmen Thyssen Málaga presenta medio centenar de obras en  la exposición La furia del color. Francisco Iturrino (1864-1924). Artista español  renovador singular de la plástica española de la primera década del siglo XX, introdujo una nueva manera de interpretar la figura femenina  en relación con la Naturaleza, coherente con la corriente internacional.

“Aportó una visión distinta de los temas tradicionales, con una pintura gozosa y vitalista, y lo hizo desde un tratamiento técnico que mostraba recursos novedosos, con una pincelada líquida, alargada y gestual y una cromática intensa y exaltada su obra supuso la fusión de elementos heredados de maestros del postimpresionismo con la aventura regionalista.

En la temática escogida, mostró un paralelismo con su tiempo. Cuando Iturrino comenzó a pintar, hacia 1982, confluye en el ámbito internacional un gusto por este asunto. En otros aspectos tuvo una estrecha vecindad con el fauvismo, llegando a ser considerado un precursor del mismo, pero Iturrino, nómada de espìritu viajero incansable realizó su obra en soledad”, explica la curadora de la exposición Lourdes Moreno.

Agrega que nacido en Santander en 1864, pero vasco de adopción, a pesar del gusto artístico de la burguesía local de Bilbao no optó por la temática realista y rural en torno al caserío o de arrantzales y remeros, a la manera Anselmo Guinea o Manuel Lozada; tampoco se vinculó al compromiso social de autores como Adolfo Guiard. Su aportación fue otra, desde una perspectiva más radical e innovadora.

Recibió una formación cosmopolita e internacional. Estudió en Bélgica y trabajó en París y recorrió de forma intensa toda la geografía española, expuso con Picasso y pintó mano a mano con Matisse y fue uno de los artistas españoles de su tiempo que trabajo con mayor libertad en sus obras. Rindió culto al color y estuvo cercano a miembros del grupo fauvista, pero Iturrino fue un creador que mantuvo una clara independencia estilística y vital. Un autor de compleja clasificación, entonces y ahora.

Sin duda alguna, la exposición revisa  una perspectiva inédita, la pintura de Iturrino. La muestra ahonda en la reivindicación de su arte, destacando el carácter  marcadamente personal de su obra, pero sobre todo las numerosas influencias e intercambios con el poliédrico contexto nacional y europeo de su tiempo, que le sitúa en una renovadora corriente internacional de exaltación del color como elemento expresivo y compositivo.

Junto con los mejores lienzos de Iturrino se muestran obras de otros doce artistas, entre los que se encuentran Matisse, Derain, Maurice de Vlaminck, Zuloaga, Anglada- Camarasa, Regoyos, Nonell, Juan de Echevarría, Vázquez Díaz, Ismael Smith, Fernando de América y Manuel Ortiz de Zárate.

Se  exhibe un retrato que le hizo en 1914 su amigo André Derain, uno de los iniciadores del fauvismo, abre la exposición La furia del color, ilustrando las conexiones que Iturrino estableció en París con los protagonistas de las corrientes renovadoras del arte de su tiempo, y que en esta muestra se presentan como fundamentales para su pintura.

Moreno enfatiza que todas las amistades del pintor entre las que se incluyen los principales protagonistas de las vanguardias de comienzos del siglo XX o literatos como Unamuno y Gómez de la Serna, y sus puntos de encuentro muestran, en definitiva, que Iturrino, pese a su absoluta singularidad den la España de su tiempo, no fue un artista aislado o al margen de las grandes corrientes pictóricas.

En la inauguración de la exposición se contó con familiares del artista entre los que se encuentra su nieto.

La mentira tema principal

En la de gira por diversas ciudades de España

  A  ndalucía, España.-   La actriz Carmen Machi roba escena en Cronología de las bestias,  comedia negra donde el tema principal es la mentira. Lautaro Perotti es el responsable de la dirección y es el escritor. Una obra que entretiene y no deja distracción alguna.

Se presenta en diversas ciudades de España obteniendo la ovación del público por varios minutos.

“Cronología de las bestias nace de la necesidad de indagar hasta dónde es capaz el ser humano de mentir, de mentirse. Y de la sospecha de que una mentira fundacional, requiere de un gran tejido de otros (pequeños o grandes) engaños y auto convencimientos indispensables para sostenerla. Y de que rápidamente se puede ir la vida en ello.

En definitiva me inquietaba averiguar hasta dónde puede llegar el ser humano en su compromiso con la mentira. Así nace la necesidad de esta comedia negra de suspense”, explica el director Lautaro Perotti en el programa de mano.

Por más de una hora Perotti mantiene una línea importante de suspenso y en unos minutos nos explica lo que realmente sucede en una magnifica dirección de escena. El escenario es  el interior de una casa de campo donde se teje un  alcance de la mentira en el núcleo familiar, en la “construcción del entretejido de engaños y falsedades y el indispensable compromiso para sostenerlo”.

El elenco está encabezado por: Carmen Machi, Pilar Castro, Santi Marín, Patrick Criado y Álvaro Lavín para esta “cronología del dolor” que se despliega en una casa en el campo, en el marco de una familia que esconde un drama durante años de silencio, oscuridad y embustes.

La historia nos lleva a una familia destrozada debido la desaparición de su hijo hace más de diez años, que debe enfrentarse a sus propias oscuridades ante su repentino regreso. Un reencuentro inesperado que los obliga a defenderse, hasta las últimas consecuencias. Van a descubrir que la mentira requiere de mucho compromiso.

Una familia incapacitada de soportar el dolor que les causa lo que les pasó, lo que hicieron y lo que no pudieron hacer, decide evadir la realidad mintiéndose y engañándose. Con palabras, acciones, recuerdos. Va a descubrir hasta dónde llega su compromiso para evadir la dolorosa verdad.

Es una manera de ver el dolor que puede tener una madre de perder a su hijo y la impotencia ante la mentira que deja al público boquiabierto al descubrir la verdad.

“Una crónica que, de alguna manera, incomode al espectador sacándolo de ideas preconcebidas y suposiciones sobre los acontecimientos narrados, aprovechando idas y vueltas en su cronología y mostrándole distintas miradas sobre los mismos, convenciéndolo sobre la verdad de relaciones de madres e hijos que a medida que avanza la historia son imposibles de seguir sosteniendo, pero que cuenta con personajes capaces de seguir adelante obstinadamente, que mienten y se mienten y así construyen un mundo, su mundo, hasta el punto de no saber ellos mismos, cuál es la verdad .

El público ve a seres con códigos para sobrevivir a lo inimaginable y que prefieren (o les conviene) no conocer, y mucho menos mirar así atrás, y que se aprovechan de este entretejido para provecho personal. En fin, ahondar en historias y personas que construyeron su identidad a partir del engaño y dependen desesperadamente de él, para sostener su existencia”, indica Perotti.

Una obra que deja pensando al público y deja muchas interrogantes sobre el poder de la mentira y hasta donde puede ser usada.

Exposición

Una reflexión sobre el machismo y discriminación

  C  iudad de México.- En el Museo de las Culturas de Iztapalapa da la bienvenida a los visitantes nacionales y extranjeros para ver las obras del artista mexicano, Erik Rivera. Diez obras al óleo de formato mayor con un desafiante título: Maricones, propone una reflexión sobre el machismo y discriminación.

La obra de Erik Rivera ha sido siempre especial y tiene su sello particular. Son niños de grandes ojos y su paleta tiene diferentes tonalidades. Su trayectoria es extensa y sus personajes han viajado por diversos lugares de México, España, Francia y otras ciudades. Encontramos personajes históricos, religiosos, cantantes y en muchas ocasiones no duda en tocar temas sociales.

Cada obra ofrece tener una reflexión sobre su misma existencia. El que la observa, puede sorprenderle la ternura, la rabia o la soledad de los personajes y en muchas ocasiones encontrar dudas sobre la misma existencia o desarrollar aspectos de la sociedad.

Sobre Maricones Rivera  comenta que es parte de la serie Maricón, Desafío al desafío, que se ha presentado en diversas sedes de la Ciudad de México. La inauguración de la exposición se celebró el 31 de agosto. 

Los hombres retratados por Erik Rivera, el “niño terrible”, son maricones en ese sentido, y no se avergüenzan de serlo. Se arriesgan a exhibir sus sentimientos.

“No temen transgredir las normas de género. Incluso, pareciera que lo disfrutan. Sin duda, no les asusta ser objetos de deseo, papel normalmente asignado a las mujeres. Nos miran descaradamente, con sus ojos enormes, como retándonos a insultarlos o a burlarnos de ellos.

Nos desafían y nos seducen. Tienen diversas actitudes, distintos tonos de piel, diferentes clases sociales, pero todos son coquetos, son frágiles, son traviesos. Y nos vuelven cómplices de su travesura. Exhiben sin pudor su vulnerabilidad y, al hacerlo, nos hacen enfrentarnos con la nuestra. Por eso, también son incómodos.

Paradójicamente, al renunciar al privilegio de la masculinidad tradicional, estos maricones no pierden poder. Al contrario: ejercen sobre el espectador que se atreve a sostener la mirada una especie peculiar de dominación, sutil pero implacable.

La obra de Rivera nos invita (mejor dicho: nos obliga) a cuestionar nuestras nociones sobre lo masculino y lo femenino, sobre la fuerza y la debilidad, sobre la seguridad y el peligro.

Sus personajes, que como él, son niños terribles, pueden enamorarnos, pueden incomodarnos, incluso pueden repugnarnos, pero difícilmente pueden dejarnos indiferentes”, indica Luis de Pablo Hammeken, historiador.

Sin duda la obra de Rivera nos impone deleitarnos con su estética, pero también puede causarnos mover muchas ideas.

Conocido como el Niño terrible, Erik lucha y pinta con gran vocación y sigue abriendo espacios para que sus obras sean vista por todos los interesados por el arte.

Exposición

Arte dramático, Naturaleza y la mujer son

elementos que concurrentes en la pintura de Gómez Lozada

Después del verano regresan nuevas exposiciones al CAC

  M  álaga, España.-  Se va el verano y las exposiciones temporales de los museos en la Costa del Sol se renuevan. Y el primero es el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC).

Este recinto presenta la primera exposición individual  del pintor cordobés, Miguel Gómez Lozada. Con el título Romanza exposición en la que se exhibe una veintena de obras de diferentes formatos.

La curaduría estuvo a cargo de Fernando Francés quien expresa:“Gómez Losada es un actor que interpreta un papel ante el lienzo, en un arte eterno, no como una obra de teatro que se desvanece. El artista revive a través de sus pinturas el recuerdo de épocas, momentos, sitios o presencias ya pasadas.

A través de su obra, del recuerdo, recupera todo lo acontecido, por eso entiende la pintura como un elemento atemporal, pero que a su vez, recupera el tiempo que se puede considerar perdido, concibiendo así a la propia obra como un relato inacabado”.

En su exposición -agrega Francés- pinturas de época con una clara predilección por lo pastoral y por los  personajes abstraídos, intimistas y silenciosos conforman su peculiar mundo, que al igual que una romanza, desprende un marcado carácter sentimental además de un estilo a su vez melódico y expresivo. Y será la mujer quien cobre  un papel imprescindible, pues es la encarnación del romanticismo, entendido como un amor en soledad, una autofilia, una época de autocontemplación, autodescubrimiento donde es vital encontrarse con uno mismo mediante la esperanza y la nostalgia.

Mientras que para el pintor indica que Romanza “responde a la idea de una fantasía y algo que me motiva es el antiacademicismo de la fantasía, de la ensoñación, ya que desde las academias o universidades se suele entender que la fantasía no tiene rigor y no se puede aprehender, es algo etéreo que no se puede abarcar”

En breve charla señaló que la Naturaleza es importante en su obra. Debido que considera que el hombre no puede olvidarse de ella y él no lo hace observamos en su obra: el sol, la luna, algunos animales, montañas y vegetación.

“Mi pintura es un ritual del paso del tiempo, y por tanto una celebración de la vida, lo mejor de una obra es no saber qué está pasando”.

Una de las  obras en las que encontramos estos elementos es El Rito (2018) Las imponentes figuras de las mujeres son atemporales y eternas, dentro de una frecuencia baja, muestran leves giros de cabeza o del cuerpo, casi imperceptibles. Elementos de la Naturaleza colores en contraste y de un gran formato.

Campesina (2018) representa a una mujer colosal, de casi dos metros de altura, que gira su rostro hacía un lado, ajena a la mirada del espectador, o quizás avergonzada por su atenta mirada. Su vestido negro parece jugar en su pecho con líneas blancas formando una disimulada hoja. Bajo sus manos, un girasol abierto si está de frente al espectador. Coral (2018), dos figuras sobre un fondo verde bastante plano, es interrumpido por las diferentes direcciones que ha tomado el pincel del artista. Las dos hieráticas mujeres parecen ser la misma persona pero en diferentes posturas, aunque este motivo no sea realmente relevante para la obra. 

Las obras de este artista atrapan por los roles que representan en sus cuadros. En  Romanza el artista ha querido realizar una pintura teatral, Gómez Losada se siente como un actor que interpreta un papel ante el lienzo. Para él, existe una similitud de las dos disciplinas, tanto el teatro como la pintura son una cuestión corporal.

Suceden sin un intermediario, además, el teatro y la pintura dan la oportunidad de abordar al ser humano y de usarlo como protagonista. Al igual que un escenógrafo, elige a los modelos y también sus ropajes, los ilumina y los fotografía, esas fotografías le ayudan a conseguir la veracidad teatral que quiere para su pintura.

Gómez Losada pretende realizar un teatro callado, ya que la pintura es una mímica que permanece, explica Francés.

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  M  álaga, España.-  En el marco de  Terral 2018, que se realiza este verano en el Teatro Cervantes de Málaga, se presentó la cantante malagueña Paula Domínguez acompañada de estupendos músicos que  forman parte de la Banda del corazón, para ofrecer un espectáculo poético-musical en homenaje al cantautor canadiense Leonard Cohen.

Flamencohen espectáculo donde la buena ejecución musical impera bajo la ejecución de los artistas  flamencos: Alexandru Bublitchi; el bajista, Carlos Ródenas; el guitarrista, Francisco Guisado ‘Rubio’; los percusionistas, Jordi Rallo (tablas y udu) y Josema Martín (cajón y batería) y el propio Alberto Manzano en el rol de rapsoda.

“Flamencohen, subtitulado Homenaje flamenco a Leonard Cohen, es un espectáculo que rinde tributo al legendario cantautor y poeta y al mismo tiempo a los artistas flamencos que lo han versionado a partir de mis adaptaciones al castellano”, explica Alberto Manzano.

Manzano, a quien conocemos al recoger las entradas, expresa la admiración que tiene por Cohen, a quien denomina como ‘genio’. Sencillo y carismático comenta que tuvo la experiencia de conocerlo así como trabajar en conjunto con Enrique Morente durante la producción  de su legendario álbum Omega, en el que Enrique Morente y Lagartija Nick fundieron flamenco y rock industrial sobre textos de Lorca.

Por más de una hora escuchamos temas de Cohen en español en la voz de Paula Domínguez, quien atrapa la atención del público y a los cinco minutos de escucharla uno se queda atrapado por su entonación y dulce voz con toque flamenco. Su figura en el centro del escenario luce acompañada de muy buenos músicos que dan un toque especial a cada tema. La iluminación es suave predominando los tonos azules.

El viaje por la creación de Cohen es cautivadora,  Manzano va marcando el camino con cada tema informa y descubre aspectos que sólo puede conocer quien compartió tiempo con el creador y con algunos de los artistas que han llevado por buen puerto los éxitos del canadiense.

Empezando por Enrique Morente y continuando por Mayte Martín, Duquende, Argentina, Pasión Vega, Son de la Frontera o Rocío Segura.

Por más de varios minutos al término de la velada el público ovacionó a todos los participantes que mostraron la calidad que hay en tierras andaluzas.

Este espectáculo se estrenó el verano pasado en el festival Pirineos Sur con extraordinarias críticas. La prensa destacó los “arreglos imaginativos” de una diferente y “espléndida” celebración flamenca. “El salmo se hizo flamenco y habitó entre nosotros. Al gran Leonardo le habría gustado el homenaje”, escribió Javier Losilla en El Periódico de Aragón.

Manzano quien publicó  en la editorial Planeta el libro Leonard Cohen y el zen ya preparada la traducción del poemario inédito del canadiense, que editará Salamandra próximamente.

El teatro español renace con esta obra

  A  ndalucía, España.–  La versión de Luces de bohemia de Teatro Clásico de Sevilla se encuentra de gira por las principales ciudades de España con gran éxito y cargada de premios, entre los que se encuentran los ocho galardones obtenidos en los VI Premios Lorca del Teatro Andaluz 2018 y con la recién anunciada candidatura al Max a la Mejor Dirección de Escena  por el trabajo del director de Alfonso Zurro.

“Está obra revolucionó el teatro. Se inaugura con ella un género nuevo: el esperpento, que rompe  con las convenciones escénicas anteriores. Valle Inclán vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, sin ética. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, es desmoronamiento irremediable. Está obra arremete contra toda una sociedad. Luces de Bohemia es un viaje a la muerte… Una época que se descompone … Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición.. Esperpento como expresionismo hispano. Realismo borracho de tinto peleón. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos,o acuchillados, caricias, lametones, aullidos..”

Acompañan a Quintana en este montaje de Luces de bohemia Manuel Monteagudo en el  papel (su ‘Don Latino’ mereció el Lorca al mejor Intérprete Masculino), Juan Motilla (‘Simón’, ‘Zaratrustra’, ‘Valle Inclán’), Antonio Campos (‘Pica Lagartos’, ‘Don Gay’, ‘Clarinito’), Juanfra Juárez (‘Rey Portugal’, ‘Serafín’, ‘Filiberto’), José Luis Bustillo (‘Dorio De Gadex’, ‘Borracho’, ‘Preso’), Amparo Marín (‘Madame Collet’, ‘Ministra’, ‘Vieja’), Rebeca Torres (‘Pisa Bien’, ‘Vecina’, ‘Guardia’, ‘Ujier’) y Silvia Beaterio (‘Claudinita’, ‘Chica’, ‘Chico’, ‘Clarinito’).

Luces de bohemia, piedra fundacional del esperpento, rompió con las convenciones escénicas anteriores con su mezcla del mundo bohemio y literario y de la realidad revolucionaria de su tiempo. Según Teatro Clásico de Sevilla, Luces de bohemia “es un viaje a la muerte” que representa mejor que nadie la problemática del artista moderno y su trágica lucidez. La obra teatral más influyente de Valle es modernidad en estado puro. En ella convergen la ‘deshumanización’ vanguardista con reveladores anticipos de la teoría sobre el ‘distanciamiento’ del teatro de Bertolt Brecht y del teatro del absurdo de postguerra. La alienación del hombre moderno se refleja en un texto que también plantea un ataque feroz contra la España de su época, una obra de teatro que integra el expresionismo y arremete contra toda una sociedad.

“Luces de bohemia es Max Estrella, el visionario poeta ciego que en su propio viacrucis se arrastra hasta el último aliento. Unos personajes cuya única ética parece ser la de la subsistencia. Sobrevivir. Un mundo en descomposición. Un espacio en descomposición. La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos, o cuchilladas, caricias, lamentos, aullidos…

El autor vuelve su mirada a una España caduca, sin aliento, perdida. Una España que era la caricatura de sí misma. Una España sorprendida en trance de ruina, en desmoronamiento irremediable”.

Es una obra cuya producción es sencilla y el peso lo llevan los actores quienes escenifican personajes que muestran una sociedad que no pasa a la historia. Hombres y mujeres que tienen que enfrentarse a la mala política y a la pobreza. Y con ello todo lo que conlleva.

Es sin duda una obra clásica que conquista y reconquista al público.