Más allá de la reflexión y del abuso de teorías sobre lo que es el mexicano

Temas inolvidables formarán parte de los dos conciertos

Autores tan representativos como Violeta Parra y Jaime Sabines

Teatro de la Ciudad Esperanza Iris: 22 y 23 de julio

  “  Más allá de la reflexión, del abuso de teorías sobre lo que es el mexicano, del regodeo medio turístico en nuestra aparente necrofilia; más  allá, está una espontánea aceptación, familiaridad, amistad con la inevitable. Esa vena asiática que heredamos de nuestra más amada mitad, la indígena, nos hace ver la eternidad con ojos más sabios, la vida efímera con bravura y sentimentalismo”, escribió en alguna ocasión Emilio Carballido, respecto al intérprete mexicano.

Considerado por muchos como el máximo exponente de la trova en México, Óscar Chávez, Premio Nacional de Ciencias y Artes 2011, se presenta en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris para interpretar las canciones que han marcado, no solo su trayectoria musical, sino a toda Latinoamérica. La tesitura de su voz, caliente y amorosa, que canta a la muerte, al amor y a la libertad, hará eco en este recinto cultural los días 22 y 23 de julio.

El repertorio estará formado por algunas de las piezas más representativas del amplio catálogo musical del autor de Por ti, así como por sorpresas como algunas parodias y temas de autores tan representativos como Violeta Parra y Jaime Sabines.

Chávez estará acompañado en la dirección musical por Héctor Morales y por Jorge García, ambos músicos que han acompañado al llamado “Caifán Mayor” en otras ocasiones y que cuentan con sobrado reconocimiento por cuenta propia en el mundo artístico.

Con una amplia carrera artística, el intérprete, compositor y actor se ha presentado en ciudades de Argentina, Chile, Cuba, Ecuador, España y Holanda, entre otras, y por 19 años consecutivos en el  Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Óscar Chávez en concierto tendrá dos presentaciones en julio: el sábado 22 a las 19:00 horas y el domingo 23 a las 18:00 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, colonia Centro Histórico, cerca del Metro Allende).

Boletos en el sistema Ticketmaster y en la taquilla del recinto. Localidades: 1100, 1000, 850, 600 y 350 pesos con descuentos del 50%, sujetos a disponibilidad y limitados a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. Aplica restricciones.

El Juan Villoro músico

En su charla “Acordes vitales: Juan Villoro, el testigo del rock”, el escritor compartió sus memorias roqueras y habló de sus breves incursiones en el terreno interpretativo

El escritor, intentó formar la banda Los Renault

  J  uan Villoro es periodista, narrador, ensayista, autor de libros infantiles y traductor de obras en alemán y en inglés, facetas que lo convierten en uno de los principales escritores latinoamericanos contemporáneos.

Sin embargo, también es amante de la música, a tal grado que ha llegado a crear grupos y escribir canciones. Esta faceta fue abordada por el literato en la charla “Acordes vitales: Juan Villoro, el testigo del rock”.    

La Sala Murray Schafer de la Fonoteca Nacional fue sede de esta platica conducida por el periodista, sociólogo, etnomusicólogo, productor y DJ, Bruno Bartra.

En la charla, Villoro rememoró que su madre fue quién le dijo y convenció que fuera fan del rock & roll desde los dos años, por lo que este género fue su primer contacto con la música.

“Vivíamos en la ciudad de Guadalajara y ella me llevaba en una carriola al Parque Alcalde. Ahí había una rocola en donde se ponía rock & roll. Era el momento de Elvis Presley como la gran figura mundial, después empezaron los Beatles y algunos grupos mexicanos como los Rebeldes del Rock y Los Locos del Ritmo”.

El autor de El disparo de argón y Materia dispuesta añadió que los primeros discos que escuchó, fue en su casa, y eran de Los Beatles y de Bossa nova, ya que su madre fue novia de un baterista de la música popular brasileña.

“Después me puse a juntar el poco dinero que me daban los domingos para comprar discos de esos que tenían una o dos canciones de cada lado. Recuerdo haber adquirido The Last Time de The Rolling Stones y Help!  de The Beatles”.

El también profesor de literatura pormenorizó que lo que más le gustó de la música “es que era una narrativa para mi vida y un mundo de mensajes encriptados y extraordinarios”.

El miembro de El Colegio Nacional también abordó la creación de El lado obscuro de la luna (programa para el cual escribía los guiones) que inició su transmisión en Radio Educación el 1 de agosto de 1978 y concluyó el 12 de noviembre de 1981.

“Nosotros le pusimos The dark side of the moon porque es un título muy poético y me parece extraordinario, aunque también alude al reverso de las cosas, a lo que no puedes conocer o no has visto del todo.

“Y en cierta forma, la música rock en esa época era una zona desconocida para la mayoría de personas ya que existían algunos programas de rock muy buenos que eran pequeños oasis dentro de la radio como La respuesta está en el aire y Vibraciones, un programa bastante mafufo pero que transmitía buena música”.

El ganador del Premio Internacional de Periodismo Vázquez Montalbán (2006) y Premio Iberoamericano de Letras José Donoso (2012) explicó que para él el rock es un género que tiene un sentido de comunidad y que es por este motivo que a lo largo de los años siempre ha tenido éxito.

“Grupos como Caifanes, Café Tacuba, Molotov y tantos otros pudieron prosperar gracias a que establecieron un contacto directo con su gente. Si algo caracteriza al rock es que tiene ese sentido de comunidad, ya que cada grupo responde a un medio especifico que los hizo cantar y soñar de una manera y no de otra”.

El autor de los libros de cuentos La noche navegable, La casa pierde y Los culpables también habló de su colaboración con el grupo Café Tacuba en la escritura de las canciones Sashimi Corte Fino y Laberinto que formaron parte de la banda sonora de la cinta Vivir mata, cuyo guión fue escritor por él.

“Sashimi Corte Fino es algo que difícilmente califica como rock, es como una balada atmosférica. Se llama así porque uno de los personajes de la película es artista plástico porque hace dedos, orejas y cosas de plástico. Entonces está canción aparece cuando él le está contando a la chica que le gusta que se dedica a hacer estas cosas de plástico.

“Mientras que Laberinto habla un poco de qué es Vivir mata: una cinta que tiene que ver con la Ciudad de México y la imposibilidad de encontrarse ahí, habla de una historia de amor”.    

Juan Villoro también comentó que intentó formar grupos de música como Los Renault, junto con Óscar Sarquiz. “El título era porque todos teníamos un coche Renault. Ahí yo escribí muchas letras y nos reuníamos, pero en realidad era una gran oportunidad para estar con amigos extraordinarios que sabían mucho de música”.

El periodista reveló que su próximo libro será El vértigo horizontal un texto que trata de la Ciudad de México. Además platicó de Mientras nos dure el veinte, espectáculo roquero-literario que presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris con el músico y productor Diego Herrera.

“Este espectáculo ha sido una gran experiencia, pero claramente, y en todo momento, yo supe que estaba haciendo algo excepcional para mí, es decir, no es lo que me corresponde ni lo que hago.

“Nos fue bastante bien y quedé muy contento, pero dije yo me corto la coleta y esperaré un tiempo para ver si regresamos o no, porque me siento como pez fuera del agua”. 

Finalmente, Juan Villoro comentó que se ha quedado atascado en los discos de David Bowie, Bruce Springsteen, Joni Mitchell y, principalmente de Lou Reed, pero eso no lo limita a escuchar música actual como la indie, del grupo Sleeping with sirens o de Tino El Pingüino, “un rapero que me parece extraordinario y me gusta muchísimo”.    

En un ritmo vertiginoso transcurre esta farsa que cuenta con la participación de seis jóvenes actores (Luis Arturo García, Mireya González, Marco Guagnelli, Adrián Ladrón, Tania María Muñoz y Patricia Yáñez) que se multiplican en 36 personajes, los cuales se caracterizan con media máscaras diseñadas por Raúl Castillo, trabajo interpretativo que les exige una gran agilidad corporal, además del cambio en sus voces y gestos. Todos ellos forman un gran equipo y de seguro darán mucho de qué hablar en un futuro próximo.

Las escenas se van sucediendo con gran rapidez, y en torno al asalto al banco se tejen otras subtramas, como la del director de películas pornográficas; la chica que no encuentra los antidepresivos en su bolso, la monja que cobra los trámites de divorcio a mitad de precio, así como la mujer policía dispuesta a cumplir su deber además de la simpática botarga de Perla, la almeja, quien tiene el sueño de llegar a ser gran actriz de teatro.

Es buena la dramaturgia de Vives, el problema es que quiso abarcar demasiados personajes e historias a lo largo de cien minutos, lo que provoca que la obra se disperse alrededor del minuto cincuenta; aunque está a su favor que Asalto al banco es una puesta en escena divertida, que apuesta por el minimalismo y sólo hace juego con unos spots y una sencilla escalinata, el resto lo deja a la imaginación del espectador.

Al mismo tiempo su texto maneja una coherente crítica social en cuanto a la violencia y las injusticias que se viven en México y el porqué muchos de los habitantes se encuentran plenamente desorientados.

Lo que sí resulta artificioso es que esta obra, producida por Búho Grande Teatro, se autodenomine “teatro optativo” y en momentos haga participar al público para que éste dé soluciones a los personajes. Esto, en definitiva, no funciona, y si se eliminara no afectaría al desarrollo de la puesta en escena.

Asalto al banco se presenta los martes a las 20:30 en el Teatro Helénico y termina temporada el 6 de octubre.

• Círculo Teatral

Hay obras que con el paso del tiempo no envejecen; obras que forman parte de una memoria colectiva debido a la universalidad que las conforman y una de ellas es Esperando a Godot (1952) escrita por el dramaturgo irlandés Samuel Beckett. Ésta es la obra de la espera inútil, del texto que se centra en ese tiempo suspendido en que nada pasa, pero que señala la necesidad imperiosa de proseguir pese a todo.

Esperando a Godot tiene temporada en El Círculo Teatral, los miércoles, bajo una pulcra concepción escénica de José Luis Cruz, quien apuesta por el desempeño actoral de su elenco, conformado por David Ostrotsky como Estragón, el cual en su indolencia es impulsado por la vitalidad casi perdida de Vladimir, brillantemente caracterizado por Josafat Luna.

Ambos son acompañados en su travesía hacia la nada por Sergio Acosta como Pozzo, Evaristo Valverde, dando vida a Lucky y, en una breve participación, Andrea Acosta como el niño.

Dicho texto de Beckett, que participa del existencialismo y el absurdo, fue trasladado a una paupérrima realidad mexicana donde el desaliento y la impunidad tienen un gran peso frente a la imposibilidad del resurgimiento ante una desalmada explotación social, ante un creciente desamparo.

La atmósfera de la puesta en escena es sórdida, mas no conmiserada. Se da reflejo de una sociedad cada vez más desmembrada, en la cual escasea la solidaridad humana.

José Luis Cruz muestra un trazo firme en un texto que ha resistido el paso del tiempo y que nos da una gran metáfora de la época en que estamos viviendo, donde la brújula se ha desorbitado. La obra transcurre en buen ritmo, y podemos afirmar que estamos ante un montaje redondo, mismo que permanecerá en cartelera hasta finales de septiembre y que es producido por Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro.

Sin lugar a dudas, Esperando a Godot es una tragicomedia paradigmática en torno al tedio y la carencia de significado de la vida, y es altamente recomendable para ser vista.