Invención, improvisación y participación como caminos posibles en el cine expandido

Los relatos, especialmente los que involucran la explicación del origen, la causa o la culpa de toda clase de fenómenos sociales, son algo más que una referencia de los eventos que atestiguamos o heredamos: son una máquina que atribuye responsabilidades y culpas, que enmarca simpatías y odios y que define, por tanto, nuestras acciones, tanto las más fructíferas como las más destructivas.

El saber médico no está exento de definirse a partir de la propagación de historias. El relato de cómo estalla una epidemia distribuye toda una gama de acusaciones, terrores, afinidades, identificaciones e ilusiones.

En Cosmic Call [Llamada cósmica] (2019), video monocanal que se presenta en la Sala10 del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) del 1 al 14 de junio, Angela Su intenta elaborar relatos de estallidos epidemiológicos para mostrar el grado en que nuestras reacciones sobre la enfermedad están enmarcadas en distintos órdenes de ficción. El relato que nos ofrece tiene la densidad de un laberinto. La artista hila datos y argumentos de una variedad prodigiosa de fuentes históricas e imaginarias, registrados en un aparente documental que culmina con una acción de transformación gótica por la deliberada exposición a una serie de virus.

Esta investigación, comisionada y apoyada por el Wellcome Institute, el principal acervo de la historia de la medicina en el mundo, está firmemente anclada en la importancia que la historia de las epidemias tiene para las experiencias de China y Hong Kong en los últimos años.

A la luz de la pandemia por COVID-19 en el año 2020, este trabajo —producido en el marco del proyecto Contagious Cities [Ciudades Contagiosas] del Wellcome Institute, Reino Unido, que tuvo lugar en Ginebra, Nueva York, Hong Kong y Berlín en 2018 y 2019— ha adquirido una intensidad casi profética.

El origen

En una conversación que sostuvo Cuauhtémoc Medina con Angela Su y que puede consultarse completa en nuestra página web, la artista comparte cómo se interesó por el fenómeno de las “narrativas de brotes epidémicos” y cómo decidió embarcarse en este proyecto.

“Uno de los mayores desafíos de Contagious Cities —comenta la artista— fue tener que lidiar con la gran cantidad de información sobre las epidemias. Fue una tarea tremenda limitar mi investigación. ¿Debo investigar un germen o brote epidémico en particular? ¿Debería investigar las posibles causas de un brote… la deforestación, el rápido desarrollo urbano, la distribución desigual de la población, la agricultura industrial y la sanidad animal? ¿Y qué hay del uso excesivo de antibióticos, el cambio climático y el desarrollo de armas biológicas? ¿Debería hablar también sobre la condición humana… el miedo y la compasión, la discriminación, la paranoia, la muerte y la supervivencia? ¿Qué pasa con las políticas de control de enfermedades, vigilancia y el control fronterizo? Quería cubrir todo, porque veo que todos estos temas están relacionados entre sí. Es difícil hablar de uno sin mencionar los otros […] Así que quería descubrir qué significa realmente ser “contagioso” […] Decidí embarcarme en crear mi propia narrativa, con la esperanza de revelar las complejidades detrás de un brote epidémico.”

La historia toma forma

El curador en jefe del MUAC también le cuestiona a Angela Su cómo llegó a la idea “de una trama tan retorcida” y si está relacionada con la débil condición de la verdad en la sociedad contemporánea o tiene que ver con sus inclinaciones estéticas, en términos de un programa artístico, a lo que la artista responde:

“Antes del proyecto Contagious Cities me encontré con algunas imágenes fascinantes de cometas en El libro de los milagros de Augsburgo, una colección de manuscritos ilustrados del siglo XVI. Todo el tiempo supe que quería incorporar esas imágenes. Luego leí sobre la teoría de la panspermia en un libro sobre epidemias… una cosa llevó a la otra, y gradualmente la historia tomó forma.

Las ideas surgieron naturalmente. Cuanto más leo sobre un tema, más fácil se vuelve conectar los puntos […] Por otro lado, también soy consciente de que, si deseas establecer conexiones, siempre las encontrarás. La coincidencia existe en detalles mínimos y, desafortunadamente, la coincidencia alimenta la conspiración.”

La importancia de Cosmic Call es el resultado de su oportunidad

Para Angela Su, Cosmic Call se siente “como una profecía autocumplida”. Si algo es profético o no, señala, sólo se puede decir en retrospectiva. Si no hubiera COVID-19, Cosmic Call sería sólo un trabajo que cuestiona la narrativa dominante, un video común basado en la investigación.

“Me recuerda la delgada línea entre la profecía y la paranoia. Diría que la importancia de Cosmic Call es el resultado de su oportunidad (probablemente por eso no hay profecías con un marco de tiempo claro para el cumplimiento) y que la ‘profecía’ es en realidad una deducción lógica basada en mi investigación.

Cosmic Call nunca tuvo la intención de profetizar una futura epidemia originada en China (ni presuponer otras amenazas desde China), es más como una advertencia sobre la alta posibilidad de brotes de enfermedades, dado que Hong Kong es un puerto internacional densamente poblado vecino a China, un país con regulaciones de salud pública cuestionables. Y sabiendo que todo lo que nos une como civilización (interacciones humanas, progreso, migración y globalización) es lo que nos hace vulnerables a los brotes epidémicos, era muy seguro deducir que, tarde o temprano, habría una pandemia”, concluye la artista.

Angela Su, Cosmic Call [Llamada cósmica], 2019. Video monocanal, 12’ 43”

Del 1 al 14 de junio

www.muac.unam.mx

Para conocer más sobre el proyecto en voz de la artista, visita el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=pRSBkScZSlE

Mariana Yampolsky capturó en su obra, como pocos fotógrafos lo han hecho, la diversidad de la vida cotidiana en México: las tradiciones indígenas y populares, las identidades de individuos y colectividades, los sitios más apartados de nuestro país que nadie antes había tomado, así como rituales y costumbres a través de una mirada personal y original que han quedado en la memoria visual de nuestra nación.

Estudió la licenciatura en Ciencias Sociales en la Universidad de Chicago, de 1941 a 1944; al año siguiente llegó a México, donde ingresó en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Nació el 6 de septiembre de 1925 en Estados Unidos, optó por la nacionalidad mexicana y obtuvo su naturalización en 1958.

Realizó grabados de 1945 a 1960, fue la primera mujer en formar parte del Comité Ejecutivo del Taller de Gráfica Popular (TGP), en el cual conoció y trabajó con Leopoldo Méndez y Pablo O’Higgins, entre otros creadores. Este colectivo defendió los intereses progresistas y democráticos del pueblo mexicano por medio de las artes al alcance de todas y todos.

Fue en 1948 cuando empezó a experimentar con la fotografía como registro personal de su obra gráfica y de sus viajes a lo largo de México, material que le permitió exponer en 1960. Su obra fotográfica se ha exhibido en más de 200 muestras individuales y colectivas, en recintos como los museos de Arte Moderno, Mural Diego Rivera y de Arte Popular, y en la Galería José María Velasco, en nuestro país; así como en Alemania, Canadá, China, España, Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Japón, Portugal, Suecia y Suiza.

Sus fotografías y grabados forman parte de colecciones internacionales, públicas y privadas, entre ellas las de los museos de Arte Moderno, Nacional de la Estampa y de Arte Carrillo Gil del INBAL.

Fue reconocida por sus aportaciones a las artes visuales y a la cultura de nuestro país por el Sistema Nacional de Creadores de Arte y galardonada con el Premio Miguel Othón de Mendizábal por el Instituto Nacional de Antropología e Historia. Murió el 3 de mayo de 2002 en la Ciudad de México.

Yampolsky retrató con abundantes signos y la manera única en que éstos se relacionan con el mundo. Su conocimiento de la arquitectura popular mexicana fue único. Sus principales influencias en la fotografía fueron Tina Modotti, Manuel y Lola Álvarez Bravo, Nacho López y Héctor García.

El MUSA nace por el interés de destacar la importancia de contar con dos obras magníficas del Mtro. José Clemente Orozco como parte del patrimonio cultural del Estado y de dar a la comunidad jalisciense un espacio de proyección cultural. El entonces Rector de la Universidad —Lic. Raúl Padilla López— promueve destinar la planta baja del Edificio de Rectoría General al Museo de las Artes.

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En 1994 se habilitó como museo con 950 m² y una programación de exposiciones de arte contemporáneo nacional e internacional. Desde sus inicios, varios artistas nacionales e internacionales han expuesto su obra. Además de esto, el museo ha integrado una colección de arte propia con el paso del tiempo

El Museo Tamayo presenta una selección de trabajos previos de 20 murales en los que participó el artista oaxaqueño

Pequeños bocetos de líneas claras y difusas o figuras geométricas que fueron el trabajo previo de emblemáticos murales que hoy se pueden admirar en diferentes recintos del país conforman la muestra En apariencia otro México. Bocetos para murales de Rufino Tamayo.

En esta selección del pintor oaxaqueño se despliegan algunos trazos originales de los 20 murales que realizó y actualizó para dar vigencia al movimiento más importante de la historia del arte mexicano, la cual se encuentra en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) hasta el próximo 28 de junio.

Desde el vestíbulo del recinto se ve un rótulo en el que se lee el nombre del artista y bajando se accede a una pequeña sala donde se encuentra el trabajo previo. Entre los bocetos realizados por Tamayo destacan Nacimiento de nuestra nacionalidad y México de hoy, ambos realizados por encargo del entonces director del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), Carlos Chávez, los cuales se exhiben en el Palacio de Bellas Artes.

En Nacimiento de nuestra nacionalidad se aprecia en la parte superior la figura del conquistador vestido con su armadura mientras que, bajo los restos de la civilización conquistada, nace un niño, la nueva raza.

Los trazos de México de hoy apenas muestran en lo que se convertiría, ya con color y con las figuras más definidas, la fusión de elementos arquitectónicos europeos y prehispánicos.

Espectacular es la palabra que podría definir El día y la noche en las pirámides del Sol y de la Luna, mural que comisionó a Tamayo el grupo Sanborns Hermanos, colocado primero en la sucursal Lafragua y actualmente en el Museo Soumaya.

En esta obra, Rufino Tamayo presenta una visión de la cosmovisión prehispánica, con formas y colores modernos, tomando como base el día y la noche; también se hace alusión a lo masculino-femenino, la dualidad que existe en casi todo. En el boceto, colores que no son los definitivos, se ven los trazos en forma de figuras geométricas que se transformarán en un paisaje de 2.1 por 11.9 metros.

Arte prehispánico de exportación

La otrora Secretaría de Industria y Comercio mostró en el Pabellón mexicano de la Exposición Mundial en Montreal, Canadá, en 1967, el mural portable El mexicano y su mundo, donde Tamayo nuevamente toma elementos de la cultura prehispánica.

En los trazos se observa una espiral que se convertirá en la serpiente de fauces abiertas que representa al dios Huitzilopochtli, mientras que una figura con manchas es el tigre centauro que representa a Tezcatlipoca; cuyas garras tratan de atrapar a un hombre que, desnudo, de espaldas, salta hacia la libertad de los mitos y su influencia.

Cabe señalar que Tamayo se desligó de los tres grandes muralistas Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco; sin embargo, este último fue inspiración para la creación de Revolución, mural pintado por Tamayo en 1938.

En la sala del Museo Tamayo se exhiben otros bocetos que no vieron su culminación, como los dibujos que realizó para Conquista, obra que no se concretó.

Asimismo, los ocho bocetos que formarían el mural para el Kings County Hospital de Nueva York, también se encuentran expuestos en el museo capitalino. Este mural le fue cancelado al conocerse su situación migratoria en Estados Unidos.

La naturaleza y el artista: La obra de arte y el espectador, Prometeo entregando el fuego a los hombres, El tragacañas y Dualidad, son otros proyectos del artista oaxaqueño que se podrán apreciar hasta el 28 de junio en el recinto del INBAL, donde también se exhiben fotografías y documentos en vitrina.

Los desafíos del presente, bajo la mirada de nuevos creadores

El Museo de Arte Carrillo Gil muestra la obra de los 10 artistas seleccionados del programa BBVA-MACG
La exposición permanecerá hasta el 3 de mayo

  R  eflexiones sobre el cambio climático, la tecnología, la identidad, la memoria, el lenguaje, el cuerpo, son algunos de los temas que aborda la exposición Parasitage. RUIDOS NEGROS que presenta el trabajo de los 10 artistas seleccionados del programa BBVA-MACG, la cual estará abierta al público en el Museo de Arte Carrillo Gil a partir del 1 de febrero.

Con las salas llenas de público que esperaba conocer la propuesta artística del arte contemporáneo hecho por jóvenes, la directora del recinto, Tatiana Cuevas, indicó que el Programa BBVA continúa afirmándose como laboratorio formativo que impulsa no sólo la profesionalización de las jóvenes generaciones de artistas, sino la apertura de campos de reflexión y crítica.

En el acto inaugural, la directora de la Fundación BBVA, Sofía Ize, indicó que este programa refleja parte de lo que hacen; son muchos años de colaboración y este es el resultado que se puede lograr cuando hay entendimiento. Asimismo, manifestó: “Estamos abiertos a trabajar en conjunto por el talento en México”.
Una de las plataformas más importantes para jóvenes artistas

Es una generación de artistas que va caminando; cada uno diferenciado en su camino artístico, pero aprendiendo los unos de los otros, dijo la Directora General del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), Dra. Lucina Jiménez, al precisar además que “estamos ante una de las plataformas más importantes que existen hoy en día para el apoyo al trabajo de los jóvenes artistas de México”.

Acompañada por el curador Michel Blancsubé, la titular del INBAL celebró el espíritu de colaboración que “la Fundación tiene como compromiso desde hace 12 años para generar no sólo apoyo, sino crear una plataforma colaborativa de exploración, de consolidación, de posibilidades, de autodefinición en la producción de arte”.

Al destacar el trabajo conjunto de la Secretaría de Cultura, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, y de la Fundación BBVA con el Museo de Arte Carrillo Gil, refirió que “es una posibilidad de dar la palabra, las paredes, los espacios a la creación contemporánea, a generaciones que tienen mucho que decirnos”.

Reconoció que el MACG, al mismo tiempo que alberga una de las colecciones más importantes de arte, lleva esta relación con una Fundación comprometida con el arte mexicano para dar paso a nuevas generaciones, y ese es precisamente el compromiso del INBAL.

Finalmente, el curador Michel Blancsubé mencionó que fue un placer trabajar en este proyecto y dialogar con los 10 artistas. “Fue un gran reto, nos involucramos 18 meses en esta gran experiencia”.
Los artistas están conectados con el presente

Refirió que lo que une el trabajo de estos artistas nóveles, seis hombres y cuatro mujeres, es el presente. Los artistas ya no viven en su burbuja imaginando, sino que están conectados con el acontecer cotidiano.

“Los temas que abordan los artistas —todos menores de 35 años— son actuales, aunque tienen horizontes y formación diferente. En Parasitage se busca conectar a los espectadores, quienes ante el bombardeo de imágenes y noticias quedan envueltos en un proceso de simbiosis, al igual que los organismos parasitarios que se alimentan de otro organismo”.

Añadió que los dos elementos del título tienen una connotación negativa: un parásito es un bicho que intentamos evacuar; RUIDOS NEGROS nos hace pensar en aguas negras, algo que no nos gustaría cruzar. El mundo está frente a situaciones y retos sobre los cuales reflexionan los artistas con el fin de sacar algo positivo de lo negativo”.

Sobre la selección de los artistas como parte del programa y el trabajo que presentan en la exposición, subrayó que fue producto de una práctica desarrollada desde años anteriores.

Este año se registraron 443 propuestas de 29 estados de la República, de las cuales 300 concluyeron de forma adecuada y sólo se eligieron 10 artistas, a quienes les fueron asignados dos tutores, recibieron seminarios, talleres, encuentros, estudios de especialización, asesorías curatoriales, residencias y viajes de estudio y recorridos en diversas instancias museísticas.

Finalmente, Gabriela Velásquez Robinson, de Fomento Cultural de la Fundación BBVA, destacó que uno de los propósitos del programa es profesionalizar el quehacer de los artistas jóvenes del país, impulsar todas las disciplinas artísticas y enriquecer el patrimonio cultural de México.

Entre los proyectos que forman parte de esta muestra se encuentran Jamyajtsëm, obra de Octavio Aguilar, quien realiza una reflexión sobre la preservación del lenguaje y la cosmogonía de la cultura Ayuuk. Rolando Jacobo presenta Condominios 72 (2020), instalación que entrelaza la arquitectura funcionalista con ideales sociales. Tania Ximena presenta un video que cuenta de forma antropomorfizada la historia del río Jamapa, que nace en el Pico de Orizaba y desemboca en Boca del Río, en el Golfo de México. La pieza se acompaña de una escultura de resina y un temple sobre lino.

Anni Garza Lau presenta Simbiosis programada: el cuerpo post-internet, con la que cuestiona el papel de la tecnología en la vida cotidiana, al mismo tiempo que vislumbra el posible futuro que pueda derivar de esa situación. Elsa-Louise Manceaux trabajó la instalación La manada del rebaño, conformada por una serie de pinturas al fresco. La obra de Erik Tlaseca, Algún día llegará la noche, alude a la figura de Xipe Tótec, deidad mexica cuyo nombre en náhuatl significa “Nuestro señor desollado”.

Néstor Jiménez enfoca su trabajo La sombra de las banderas (2019) en la actividad y estética de los movimientos populares de izquierda de los años noventa; Ulises Matamoros vincula en Chasen Thajni: La casa de todos una estructura arquitectónica con un dispositivo sonoro que transmite en tiempo real lo que sucede en la casa.

Víctor Del (M)Oral Rivera, en Caída libre de la letra A (Lecto _escultura No. A), transita entre el performance y la escultura para reflexionar sobre la identidad entre lenguaje y paisaje, y Yanieb Fabre, en Cómo devenir en animal en diez pasos, explora el erotismo, el deseo, el paisaje y la memoria en diferentes formatos.

La muestra, que finalizará el 3 de mayo de 2020, contará con un programa de actividades paralelas, en el cual artistas, curadores y expertos profundizarán en los contenidos y contextos de varias de las piezas. Tras concluir su exhibición en la Ciudad de México comenzará una itinerancia por diversas ciudades de la República.

MUAC

cuestiona los límites entre el objeto y el sujeto, entre lo humano y lo animal

Mazatlanica, exposición que se inaugura el jueves 27 de junio en el MUAC, propone un espacio —un lugar, una especie, una identidad— donde el material “precioso” sirve de hilo conductor para reunir una serie de obras en las que la artista aborda críticamente lo preciado

La muestra reúne una serie de obras en las que la artista aborda críticamente la dependencia entre lo precioso y lo preciado, entre el propio material y la cons-trucción de su valor

La artista parte del objeto para cuestionar las jerarquías y buscar poéticas de la existencia más allá de la supremacía de lo humano
Podrá verse en el MUAC hasta 5 de enero del 2020

  ¿  En función de qué otorgamos valor a ciertos materiales? ¿Qué permanencia tiene la valía y cuál es su relación con la historia? Fritzia Irízar (Culiacán, 1977) investiga sobre el valor de materiales como el oro, los diamantes y las perlas, desde su correlato con los procesos de trabajo, explotación y consumo.

Mazatlanica, exposición que se inauguró el jueves 27 de junio a las 19:00 horas, en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), propone un espacio —un lugar, una especie, una identidad— donde el material “precioso” sirve de hilo conductor para reunir una serie de obras en las que la artista aborda críticamente lo preciado. Irízar evidencia con su trabajo la resistencia física y conceptual del material al diluirlo, desgastarlo, deshacerlo, disolverlo o injertarlo, y da forma así a nuevas corporalidades.

Dependencia entre lo precioso y lo preciado

El escarabajo decorado es el tema del trabajo de la última pieza de la artista Fritzia Irízar y sirve de introducción a la expo¬sición Mazatlanica. El makech concentra los ejes conceptuales que convergen en su obra: la tensión entre lo animal y lo humano (la palabra makech se refiere al insecto pero significa “eres hombre”), y a la vez la relación entre el concepto de valor y la fisicidad de materiales preciosos como oro, diamante o perlas.

La producción de Irízar ha transitado entre el material y la valía que se le atribuye socialmente. Sus obras abordan la dependencia entre lo precioso y lo preciado, entre el propio material y la cons¬trucción de su valor. En esa búsqueda, Irízar explora el intersticio entre el objeto en sí mismo y la creación de deseo: ese espacio abstracto en el que reside el concepto de valor; el rastro que dejan tanto la impronta del material como la huella del anhelo.

Reinterpretando la transformación física

Virginia Roy, curadora de esta exposición junto con Helena Chávez, señala que un núcleo importante de la muestra es el trabajo que Irízar ha hecho en los últimos cuatro años en torno al acontecimiento de la perla. Las piezas de la artista, comenta, ahondan en la tensión que se crea en este fenómeno biológico, reinterpretando la transformación física del material y analizando la construcción social de valor que viene ligada a su comercialización y explotación.

“Las piezas de Fritzia nos sumergen en esa transformación y fas¬cinación del material precioso y convierten al espectador de la exposición en un pescador que extrae y captura sentido. Su bús¬queda es la de un valor fosilizado que la artista ha cuestionado y desgranado en diferentes proyectos. Un ciclo de vida, que, ligado a la ruina del tiempo, vuelve a tomar forma de nuevo.

“La producción de Irízar explora esos urphänomene o fenó¬menos originarios, desde donde cristaliza lo precioso y lo pre¬ciado. Como la crisálida, ese estado equisciente de los insectos antes de ser adultos, esa fase intermedia de la metamorfosis del animal en cuyo proceso se guarecen en una envoltura y cápsula protectora. Y cuya etimología significativamente proviene de la palabra oro. La investigación de Irízar es la de la fragilidad y contingencia: la de la transmutación de la materia y a la vez la relación con el valor que surge de la tensión entre lo histórico, lo animal y lo social. Pura alquimia y metamorfosis iridiscente”, asevera la curadora.

En cuestión, los límites entre el objeto y el sujeto, entre lo humano y lo animal
En el texto que Helena Chávez escribió para el Folio de esta exposición menciona que Fritzia Irízar ha trabajado en los últimos años el problema del valor de materiales preciosos como los diamantes y el oro para pensar formas de trabajo, así como la explotación, producción y consumo que suponen.

Su más reciente investigación, dice, se detiene en un objeto que ha cautivado a la humanidad: la perla. Estos moluscos, señala, han sido el eje que ha permitido a la artista trabajar en una investigación que pone en cuestión los límites entre el objeto y el sujeto, pero también entre lo humano y lo animal, explorando las tensiones sobre el valor a partir de una serie de intervenciones en la ostra, la piel y la historia.

“La artista de Culiacán insiste en una práctica artística crítica. Su trabajo, si bien se ha relacionado con la creación de espacios en su comunidad como lo fue Cuadrante Creativo, no renuncia a la experiencia estética que producen sus delicados y sutiles objetos. En los procesos y las obras que resultan de ellos, Irízar invita al espectador a participar de un proceso de desentrañamiento. La belleza del objeto en su obra es la entrada para revisar la historia del valor, de lo que lo sustenta y produce. En su desgaste, lo que va apareciendo es la posibilidad de una historia del trabajo, en la que se anudan tanto las personas como los materiales.

“En un tiempo de crisis y de transición como el que vivimos, tanto en el ámbito mundial como en el nacional, el trabajo de Irízar pone en cuestión los paradigmas de nuestra expe¬riencia sensible. Si bien se ha insistido en el sujeto como forma privilegiada de lo vivo, la artista parte del objeto para cuestionar las jerarquías y buscar poéticas de la existencia más allá de la supremacía de lo humano.”

]]> https://www.cronopio.mx/noticiacultural/mazatlanica-fritzia-irizar/feed/ 0 https://www.cronopio.mx/cartelera/leo-nunez-coincidencias-narrativas/ https://www.cronopio.mx/cartelera/leo-nunez-coincidencias-narrativas/#respond Fri, 02 Aug 2019 17:35:26 +0000 https://www.cronopio.mx/?p=6327

La producción de Nuñez se caracteriza por ser resultado de una reflexión puntual sobre el contexto social en el que se desarrolla; la constante en su obra es una apuesta por hacer partícipe al visitante de un ejercicio de memoria, que si bien tiene su origen en el escenario argentino no deja de tener profundas coincidencias con el ámbito mexicano. Integrada por las piezas «Desequilibrios» (2018) y «Desilusiones ópticas» (2013), la muestra es un gesto que nos acerca a la tecnología como un elemento más para narrar nuestro propio acontecer y nos reitera la fragilidad de nuestra condición humana como ente social.

Realizada en colaboración con los estudiantes del taller Aproximaciones a la Museografía Actual.

HORARIOS Y PRECIOS:

 04 de agosto de 2019
De martes a domingo , 09:00 – 17:00 hrs.
$35.00

Laboratorio Arte Alameda – Sala E Doctor Mora 7 Col. Centro (Área 5), C.P. 6050, Deleg. Cuauhtémoc México, Ciudad de México

HORARIOS Y PRECIOS:

del 08 al 13 de marzo de 2019
lunes, martes, miércoles, viernes, sábado y domingo , 10:00 – 18:00 hrs.
Entrada libre

Palacio de Bellas Artes – Sala Adamo Boari. Av. Juárez S/N, Esquina con Eje Central Lázaro Cárdenas Col. Centro (Área 5), C.P. 6050, Deleg. Cuauhtémoc México, Ciudad de México

HORARIOS Y PRECIOS:

Hasta el  03 de marzo de 2019
De martes a domingo , 10:00 – 18:00 hrs.
$50.00 niños, estudiantes, maestros, adultos mayores con credencial vigente entran gratis. Domingos entrada libre.

Museo Nacional de San Carlos. Puente de Alvarado 50 Col. Tabacalera, C.P. 6030, Deleg. Cuauhtémoc México, Ciudad de México.