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El 1 de mayo de 1786, a tres años de la Revolución francesa, se estrenó en Viena una de las óperas más controvertidas de la historia musical: Le nozze di Figaro. Inspirada en una obra de teatro prohibida y compuesta en secreto, Mozart concibió una ópera magistral, de una gran profundidad psicológica. A través de un argumento trepidante y las distintas personalidades de los personajes, pintadas a la perfección en toda su complejidad, se traza una audaz crítica de la aristocracia de finales del Antiguo Régimen.

Una ópera escrita en secreto

Le mariage de Figaro, pieza teatral de Beaumarchais en la que se inspiró W. A. Mozart (1756-1791), provocó desde su estreno en París el 27 de abril de 1784 una sonada polémica, hasta tal punto que su autor fue encarcelado por ello. Se trataba de una auténtica bomba de relojería, al denunciar los abusos de poder de un conde que actuaba de rival amoroso de su propio sirviente, perdiendo el juego. Sin embargo, esta obra se popularizó al poco tiempo y las traducciones al alemán no tardaron en llegar. Fue así como Mozart, que tenía un ejemplar en su biblioteca, quedó fascinado por esta segunda parte de El barbero de Sevilla y encontró la historia que tanto tiempo llevaba buscando para su nueva ópera buffa cuyo libreto fue realizado por su amigo Lorenzo da Ponte. Se inició así una fructuosa colaboración entre los dos, que continuaría con la ópera Don Giovanni al año siguiente y después con Così fan tutte en 1790.

Pero el compositor y el libretista no contaban con un imprevisto de primer orden: el emperador José II, hermano de la reina María Antonieta, había prohibido representar en Austria la obra teatral de Beaumarchais, por haber provocado un gran revuelo en Francia con la crítica mordaz que se hacía de los valores decadentes de la aristocracia de la época. No obstante, decidieron emprender la composición con gran entusiasmo y en absoluto secreto durante el verano de 1785.

Da Ponte tuvo la astucia de suprimir los pasajes más polémicos de la obra original, lo que se tradujo en el beneplácito de José II para su representación en Viena. Las bodas de Fígaro se estrenó en 1786 y en ella participaron los mejores cantantes italianos, consiguiendo una gran popularidad desde su presentación en Praga. El propio Mozart se encargó de acudir a los ensayos de los mismos, obsesionado con que cada cantante comprendiera la psicología de su rol hasta las últimas consecuencias.

Ópera World

Ópera bufa en cuatro actos, con música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) sobre un libreto en italiano de Lorenzo da Ponte (1749-1838), basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais (1732-1799), Le mariage de Figaro ou la folle journée.

Duración: 3 horas.

Comedia de enredos que se desarrolla en Sevilla, España, donde Fígaro y Susana – siervos del conde Almaviva – están por unirse en matrimonio. Antes de otorgar su permiso para el enlace, el conde planea seducir a Susana, ejerciendo el abolido “derecho de pernada”. La pareja de enamorados, en complicidad con la dolida condesa Almaviva, se preparan para impedirlo a toda costa. Por su parte, Marcelina, ayudada por Bartolo, hará lo posible porque Fígaro cumpla un antiguo contrato que lo obliga a casarse con ella, para regocijo del conde. El embrollo generalizado que priva en el palacio irá en aumento, hasta llegar a un clímax en cuya resolución intervendrán una serie de hechos inesperados.

Solistas

Fígaro: Denis Sedov
Conde Almaviva: Armando Piña
Condesa Almaviva: Narine Yeghiyan
Susana, prometida de Fígaro: Letitia Vitelaru
Cherubino, paje del Conde: Jacinta Barbachano
Marcelina: Gabriela Thierry
Bartolo, médico y antiguo tutor de la Condesa: Arturo López
Basilio, maestro de música: Juan Carlos López
Don Curzio, notario: Luis Alberto Sánchez
Barbarina, hija de Antonio: Dora Garcidueñas
Antonio, jardinero y tío de Susana: Antonio Azpiri

Clavecinista: Ricardo Magnus

Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes

Director concertador: Srba Dinić
Director de escena: Mauricio García Lozano
Diseño de escenografía: Jorge Ballina
Diseño de iluminación: Víctor Zapatero
Diseño de coreografía: Vivian Cruz
Diseño de vestuario: Jerildy Bosch
Diseño de maquillaje: Maricela Estrada
Director huésped del Coro: Stefano Ragusini

Momma, el cuarteto originario de Los Ángeles liderado por las cantantes/guitarristas/autoras Etta Friedman y Allegra Weingarten estrena el día de hoy su nuevo álbum, Two of Me via Danger Collective Records. Se trata de un ambicioso álbum conceptual compuesto por distintas ficciones lidiando con la moral, la juventud y el castigo, pobladas por héroes trágicos atrapadas en un purgatorio llamado The Bug House.

Como banda, Momma siempre se ha apoyado en el estilo simbiótico de escribir y la intuición creativa de Friedman (21) y Weingarten (22). «Recuerdo que el título Two of Me originalmente vino de un día creativo que estaba teniendo con Etta,» recuerda Weingarten. «Etta dijo algo como ‘qué loco que estar sola contigo es como estar sola conmigo misma.’ Eso encapsula cómo escribimos juntas: es una forma de comunicación donde constantemente cambiamos quién está tocando la guitarra principal y quién está tocando la rítmica en la misma canción.» Inspiradas por cantautores como Kim Deal, Liz Phair, y Elliott Smith, ambas han desarrollado una habilidad para estructurar canciones dinámicas y letras que te atrapan, con una sensibilidad al pop.

«The Bug House representa una especie de purgatorio o infierno bajo tierra donde se envía a la gente como castigo,» explica Weingarten. «Las canciones de Two of Me tratan sobre lidiar con el lado de ti que es capaz de cosas más oscuras.» El segundo disco de Momma se desenvuelve como un drama de pueblo, donde los personajes viven justicia poética en un fondo carnavalesco, detallado a través de las ilustrativas letras de Friedman y Weingarten. «Es cool tener este mundo que solo nos pertenece a Allegra y a mi, en el que ambas podemos trabajar y volver a visitar mientras estamos separadas,» dice Friedman.

Two of Me se grabó en Los Angeles con el productor/ingeniero Aron Kobayashi Ritch, quién alentó el deseo de experimentar de las chicas con sonidos distorsionados, junto con el baterista Zach CapittiFenton y el bajista Sebastian Jones, quien compuso las secciones rítmicas de la mayoría del disco.

]]> https://www.cronopio.mx/cartelera/momma-presenta-su-nuevo-album-two-of-me/feed/ 0 https://www.cronopio.mx/cartelera/mene-presenta-su-ep-la-luz/ https://www.cronopio.mx/cartelera/mene-presenta-su-ep-la-luz/#respond Thu, 25 Jun 2020 00:36:15 +0000 https://www.cronopio.mx/?p=7200

Luis Barragán, mejor conocido como Méne, es un artista multidisciplinario, cantante y compositor de Monterrey. Su nuevo EP La Luz, está compuesto por 4 canciones muy diferentes pero con algo en común, la necesidad de luz en muchos aspectos. La Luz ya está disponible en todas las plataformas digitales.

«Mi EP debut nace de la etapa más difícil de mi vida. Días que duele cantar y bailar.  El título “La Luz” nace al tener el proyecto terminado y hacer un retrospección hacia esa etapa, en donde simbólicamente como en la muerte, tanto en la vida, es lo que se sigue. Los días oscuros y la dificultad de medicarse esos 21 miligramos necesitaban luz, la Piedad y la dependencia amorosa que emite necesitaba ver la luz, una historia triste en un club en donde Nunca Pasa Nada también necesitaba luz, Todo como un corazón roto, necesitaba luz.» explica Méne. «Hoy es un regalo para quien necesita y olvida que hay que honrar esos momentos tan oscuros. Fueron parte de mí, de mi equipo y de mi familia y de mi alma, y gracias a los mismos hoy estoy bien y La Luz verá La Luz.»

Invención, improvisación y participación como caminos posibles en el cine expandido

• Participan Shari Mason, concertino de la OSN, y el violinista israelí Vadim Gluzman
• Viernes 12 de junio a las 20:00 horas a través de la plataforma Contigo en la distancia

Con un programa que incluye la obra de tres grandes compositores: Bach, Brahms y Mozart, la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto, ofrecerá concierto virtual el viernes 12 de junio a las 20:00 horas, a través de la plataforma Contigo en la distancia y en el canal del INBAL: https://bit.ly/OSNshari.

La joven violinista Shari Mason, concertino de la OSN, y Vadim Gluzman, virtuoso violinista invitado, llevarán a cabo la interpretación del Concierto para dos violines y cuerdas en Re menor, BWV 1043 de Johann Sebastián Bach (1685-1750), acompañados por la agrupación musical del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Complementan el programa el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms y la Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart.

Este concierto se presentó en vivo el viernes 4 y domingo 6 de mayo de 2018 y fue dedicado al violinista polaco Henryk Szeryng quien durante la Segunda Guerra Mundial emigró a América Latina y se estableció en la Ciudad de México en 1943. Henryk Szeryng, músico, diplomático, pedagogo y filántropo, falleció repentinamente durante una gira por Alemania. El programa de su última actuación fue el mismo de su primer concierto 55 años antes: el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, opus 77 de Brahms.

La unidad de los dos violines

En 1717, el príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen contrató a Bach como Kapellmeister (maestro de capilla). Durante su estancia en esta ciudad, Bach compuso sus principales obras orquestales, gracias a que el príncipe era un apasionado de la música orquestal y mantenía en su Corte un sólido conjunto de 18 músicos. Bach escribió entonces el Concierto para dos violines BWV 1043. Como referencia al vasto catálogo del compositor alemán, vale la pena mencionar que en él existe un Concierto para dos claves BWV 1062, en Do menor, que es una transcripción del propio Bach sobre su Concierto para dos violines.

Con sus tres movimientos Vivace, Largo ma non tanto y Allegro, en este concierto el diálogo no se establece, como pudiera pensarse, entre los dos solistas, sino entre ellos como unidad y la orquesta.      

La maestría de Johannes Brahms

Bach fue para el Barroco lo que Brahms para el Romanticismo. El concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms (1833-1897) es el mejor ejemplo de colaboración entre el compositor y el ejecutante, escrito para y con el gran violinista Joseph Joachim (1831-1907), quien años más tarde se convertiría en su amigo personal y musical. El Concierto para violín fue escrito por Brahms durante 1878 en el pequeño pueblo de Pörtschach, a orillas del lago Wörth. En parte debido a la maestría de Brahms y en parte a la calidad de Joachim como intérprete, el concierto resultó un reto musical de primera magnitud, sobre todo por las limitaciones técnicas de los violinistas de aquella época.

Al respecto, el pianista y director de orquesta Hans von Bülow comentó en una ocasión que mientras Max Bruch (1838-1920) componía conciertos para violín, Brahms componía conciertos contra el violín. El Concierto para violín y orquesta de Brahms fue estrenado el día de Año Nuevo de 1879 en Leipzig, con la famosa Orquesta de la Gewandhaus. El solista fue Joachim y al frente de la orquesta estuvo el propio Brahms.

Júpiter, obra fundamental del repertorio sinfónico   

La Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart será parte del banquete musical. Como ocurre con numerosas obras musicales, el nombre de Júpiter con el que hoy se conoce a esta sinfonía mozartiana no le fue dado por el compositor, sino por otra persona. En este caso, la historia registra que el nombre se debe al empresario Johann Peter Salomon, el mismo que promovió las exitosas visitas de Franz Joseph Haydn (1732-1809) a Londres. Ésta fue la última sinfonía que compuso Mozart y es considerada, hasta nuestros días, una de las obras maestras indiscutibles del repertorio sinfónico.

Acerca de la participación de la violinista Shari Mason, concertino de las orquestas Sinfónica Nacional y Sinfónica de Minería, es considerada una de las intérpretes mexicanas más destacadas de su generación. Colegas y críticos suelen elogiar de sus ejecuciones la determinación, madurez, solidez técnica y profundo conocimiento con el que se acerca a cada obra.

Paralela a su actividad orquestal, participa como músico de cámara. Estudió en las escuelas Vida y Movimiento del Centro Cultural Ollin Yoliztli y Nacional de Música de la UNAM con Natalia Gvozdestskaya. En Bloomington acudió a la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana, con Henryk Kowalski. En 2012, con motivo del centenario del natalicio de José Pablo Moncayo participó en la grabación de su integral de cámara para violín.

Vadim Gluzman, violinista invitado de origen israelí, ha actuado con orquestas de renombre, como la Filarmónica de Londres, Sinfónica de Chicago, Filarmónica de Israel, las sinfónicas de San Francisco, Cincinnati, Detroit, Houston, Vancouver y Seattle, la real Orquesta Nacional Escocesa, la Sinfónica Alemana de Berlín, la Orquesta de Minnesota, las filarmónicas de Munich, Dresde y Checa, la Orquesta de la Radio de Stuttgart, las orquestas de la NHK y la KBS, entre muchas otras.

El instrumento actual de Vadim Gluzman es un violín Stradivari ex – Leopold Auer de 1690, que tiene a préstamo indefinido gracias a la Sociedad Stradivari de Chicago.

La poesía y la ilustración se encuentran en el camino de la piel, hacemos cuerpo y tacto con el trazo de la palabra en busca de una caricia durante el distanciamiento social por el COVID-19. Por eso, les 5 poetas que construyeron Cápsulas de tacto con un trago de agua, han inspirado al público para realizar un cadáver exquisito, el cual será ilustrado por la diseñadora Sādhak Monica. En Letras y goce compartimos el avance de dicha obra, que proyecta ser un pequeño cuadernillo digital de respiro para todes en esta temporada y siempre.

15/06/2020 de 08:00 p.m. a 09:00 p.m.
22/06/2020 de 08:00 p.m. a 09:00 p.m.
29/06/2020 de 08:00 p.m. a 09:00 p.m.

Los relatos, especialmente los que involucran la explicación del origen, la causa o la culpa de toda clase de fenómenos sociales, son algo más que una referencia de los eventos que atestiguamos o heredamos: son una máquina que atribuye responsabilidades y culpas, que enmarca simpatías y odios y que define, por tanto, nuestras acciones, tanto las más fructíferas como las más destructivas.

El saber médico no está exento de definirse a partir de la propagación de historias. El relato de cómo estalla una epidemia distribuye toda una gama de acusaciones, terrores, afinidades, identificaciones e ilusiones.

En Cosmic Call [Llamada cósmica] (2019), video monocanal que se presenta en la Sala10 del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) del 1 al 14 de junio, Angela Su intenta elaborar relatos de estallidos epidemiológicos para mostrar el grado en que nuestras reacciones sobre la enfermedad están enmarcadas en distintos órdenes de ficción. El relato que nos ofrece tiene la densidad de un laberinto. La artista hila datos y argumentos de una variedad prodigiosa de fuentes históricas e imaginarias, registrados en un aparente documental que culmina con una acción de transformación gótica por la deliberada exposición a una serie de virus.

Esta investigación, comisionada y apoyada por el Wellcome Institute, el principal acervo de la historia de la medicina en el mundo, está firmemente anclada en la importancia que la historia de las epidemias tiene para las experiencias de China y Hong Kong en los últimos años.

A la luz de la pandemia por COVID-19 en el año 2020, este trabajo —producido en el marco del proyecto Contagious Cities [Ciudades Contagiosas] del Wellcome Institute, Reino Unido, que tuvo lugar en Ginebra, Nueva York, Hong Kong y Berlín en 2018 y 2019— ha adquirido una intensidad casi profética.

El origen

En una conversación que sostuvo Cuauhtémoc Medina con Angela Su y que puede consultarse completa en nuestra página web, la artista comparte cómo se interesó por el fenómeno de las “narrativas de brotes epidémicos” y cómo decidió embarcarse en este proyecto.

“Uno de los mayores desafíos de Contagious Cities —comenta la artista— fue tener que lidiar con la gran cantidad de información sobre las epidemias. Fue una tarea tremenda limitar mi investigación. ¿Debo investigar un germen o brote epidémico en particular? ¿Debería investigar las posibles causas de un brote… la deforestación, el rápido desarrollo urbano, la distribución desigual de la población, la agricultura industrial y la sanidad animal? ¿Y qué hay del uso excesivo de antibióticos, el cambio climático y el desarrollo de armas biológicas? ¿Debería hablar también sobre la condición humana… el miedo y la compasión, la discriminación, la paranoia, la muerte y la supervivencia? ¿Qué pasa con las políticas de control de enfermedades, vigilancia y el control fronterizo? Quería cubrir todo, porque veo que todos estos temas están relacionados entre sí. Es difícil hablar de uno sin mencionar los otros […] Así que quería descubrir qué significa realmente ser “contagioso” […] Decidí embarcarme en crear mi propia narrativa, con la esperanza de revelar las complejidades detrás de un brote epidémico.”

La historia toma forma

El curador en jefe del MUAC también le cuestiona a Angela Su cómo llegó a la idea “de una trama tan retorcida” y si está relacionada con la débil condición de la verdad en la sociedad contemporánea o tiene que ver con sus inclinaciones estéticas, en términos de un programa artístico, a lo que la artista responde:

“Antes del proyecto Contagious Cities me encontré con algunas imágenes fascinantes de cometas en El libro de los milagros de Augsburgo, una colección de manuscritos ilustrados del siglo XVI. Todo el tiempo supe que quería incorporar esas imágenes. Luego leí sobre la teoría de la panspermia en un libro sobre epidemias… una cosa llevó a la otra, y gradualmente la historia tomó forma.

Las ideas surgieron naturalmente. Cuanto más leo sobre un tema, más fácil se vuelve conectar los puntos […] Por otro lado, también soy consciente de que, si deseas establecer conexiones, siempre las encontrarás. La coincidencia existe en detalles mínimos y, desafortunadamente, la coincidencia alimenta la conspiración.”

La importancia de Cosmic Call es el resultado de su oportunidad

Para Angela Su, Cosmic Call se siente “como una profecía autocumplida”. Si algo es profético o no, señala, sólo se puede decir en retrospectiva. Si no hubiera COVID-19, Cosmic Call sería sólo un trabajo que cuestiona la narrativa dominante, un video común basado en la investigación.

“Me recuerda la delgada línea entre la profecía y la paranoia. Diría que la importancia de Cosmic Call es el resultado de su oportunidad (probablemente por eso no hay profecías con un marco de tiempo claro para el cumplimiento) y que la ‘profecía’ es en realidad una deducción lógica basada en mi investigación.

Cosmic Call nunca tuvo la intención de profetizar una futura epidemia originada en China (ni presuponer otras amenazas desde China), es más como una advertencia sobre la alta posibilidad de brotes de enfermedades, dado que Hong Kong es un puerto internacional densamente poblado vecino a China, un país con regulaciones de salud pública cuestionables. Y sabiendo que todo lo que nos une como civilización (interacciones humanas, progreso, migración y globalización) es lo que nos hace vulnerables a los brotes epidémicos, era muy seguro deducir que, tarde o temprano, habría una pandemia”, concluye la artista.

Angela Su, Cosmic Call [Llamada cósmica], 2019. Video monocanal, 12’ 43”

Del 1 al 14 de junio

www.muac.unam.mx

Para conocer más sobre el proyecto en voz de la artista, visita el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=pRSBkScZSlE

Tayrell es un dúo de la ciudad de México formado por los hermanos Miguel y Hugo Galicia, ambos DJs/multi instrumentistas producen una variedad de sonidos que van desde el french house hasta el chillwave con toques de R&B y Soul, creando un sonido único. El dúo ahora proporciona a los oyentes un poderos nuevo sencillo «Take It Slow», su primer sencillo con La Dee Da Recordings. Es una producción con atmósferas en constante movimiento y synths de gran impacto.

La canción está mezclada con las influencias típicas de funk y soul que colorean el catálogo de Tayrell, esta vez con un toque especial que nos recuerda al R&B de los 2000 y con un ambiente más bailable, más moderno y voces impecables por parte de la artista francesa HolyBrune conocida por colaborar con artistas del sello francés ‘Roche Musique’ como Dabeull.

«Estamos emocionados de compartir este track ya que comenzó a desarrollarse en nuestro home studio como todos nuestros tracks pero esta vez tuvimos la oportunidad de usar un montón de gear que solo conocíamos virtualmente, esto en el estudio “toy factory” y nos gusto bastante como suena el track sustituyendo esos instrumentos virtuales por los fierros reales le dio un extra bastante cool y con la voz de HolyBrune resultó  ¡esperemos les guste!» comparte Tayrell.

Con presentaciones en grandes festivales como Ceremonia 2017, Vaivén Festival 17, Trópico 2019 entre otros, han compartido escenario con artistas internacionales de la talla de Breakbot, Darius y 2Many DJ’s por mencionar algunos; la gran calidad en sus producciones han generado atención a nivel nacional e internacional.

A finales del 2019 estrenaron su LP debut Shapes, lleno de interesantes colaboraciones, formas y matices.
En enero de este año estrenaron su primer remix para la aclamada banda australiana TORA que ha generado atención en varias partes del globo.