El 1 de mayo de 1786, a tres años de la Revolución francesa, se estrenó en Viena una de las óperas más controvertidas de la historia musical: Le nozze di Figaro. Inspirada en una obra de teatro prohibida y compuesta en secreto, Mozart concibió una ópera magistral, de una gran profundidad psicológica. A través de un argumento trepidante y las distintas personalidades de los personajes, pintadas a la perfección en toda su complejidad, se traza una audaz crítica de la aristocracia de finales del Antiguo Régimen.

Una ópera escrita en secreto

Le mariage de Figaro, pieza teatral de Beaumarchais en la que se inspiró W. A. Mozart (1756-1791), provocó desde su estreno en París el 27 de abril de 1784 una sonada polémica, hasta tal punto que su autor fue encarcelado por ello. Se trataba de una auténtica bomba de relojería, al denunciar los abusos de poder de un conde que actuaba de rival amoroso de su propio sirviente, perdiendo el juego. Sin embargo, esta obra se popularizó al poco tiempo y las traducciones al alemán no tardaron en llegar. Fue así como Mozart, que tenía un ejemplar en su biblioteca, quedó fascinado por esta segunda parte de El barbero de Sevilla y encontró la historia que tanto tiempo llevaba buscando para su nueva ópera buffa cuyo libreto fue realizado por su amigo Lorenzo da Ponte. Se inició así una fructuosa colaboración entre los dos, que continuaría con la ópera Don Giovanni al año siguiente y después con Così fan tutte en 1790.

Pero el compositor y el libretista no contaban con un imprevisto de primer orden: el emperador José II, hermano de la reina María Antonieta, había prohibido representar en Austria la obra teatral de Beaumarchais, por haber provocado un gran revuelo en Francia con la crítica mordaz que se hacía de los valores decadentes de la aristocracia de la época. No obstante, decidieron emprender la composición con gran entusiasmo y en absoluto secreto durante el verano de 1785.

Da Ponte tuvo la astucia de suprimir los pasajes más polémicos de la obra original, lo que se tradujo en el beneplácito de José II para su representación en Viena. Las bodas de Fígaro se estrenó en 1786 y en ella participaron los mejores cantantes italianos, consiguiendo una gran popularidad desde su presentación en Praga. El propio Mozart se encargó de acudir a los ensayos de los mismos, obsesionado con que cada cantante comprendiera la psicología de su rol hasta las últimas consecuencias.

Ópera World

Ópera bufa en cuatro actos, con música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) sobre un libreto en italiano de Lorenzo da Ponte (1749-1838), basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais (1732-1799), Le mariage de Figaro ou la folle journée.

Duración: 3 horas.

Comedia de enredos que se desarrolla en Sevilla, España, donde Fígaro y Susana – siervos del conde Almaviva – están por unirse en matrimonio. Antes de otorgar su permiso para el enlace, el conde planea seducir a Susana, ejerciendo el abolido “derecho de pernada”. La pareja de enamorados, en complicidad con la dolida condesa Almaviva, se preparan para impedirlo a toda costa. Por su parte, Marcelina, ayudada por Bartolo, hará lo posible porque Fígaro cumpla un antiguo contrato que lo obliga a casarse con ella, para regocijo del conde. El embrollo generalizado que priva en el palacio irá en aumento, hasta llegar a un clímax en cuya resolución intervendrán una serie de hechos inesperados.

Solistas

Fígaro: Denis Sedov
Conde Almaviva: Armando Piña
Condesa Almaviva: Narine Yeghiyan
Susana, prometida de Fígaro: Letitia Vitelaru
Cherubino, paje del Conde: Jacinta Barbachano
Marcelina: Gabriela Thierry
Bartolo, médico y antiguo tutor de la Condesa: Arturo López
Basilio, maestro de música: Juan Carlos López
Don Curzio, notario: Luis Alberto Sánchez
Barbarina, hija de Antonio: Dora Garcidueñas
Antonio, jardinero y tío de Susana: Antonio Azpiri

Clavecinista: Ricardo Magnus

Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes

Director concertador: Srba Dinić
Director de escena: Mauricio García Lozano
Diseño de escenografía: Jorge Ballina
Diseño de iluminación: Víctor Zapatero
Diseño de coreografía: Vivian Cruz
Diseño de vestuario: Jerildy Bosch
Diseño de maquillaje: Maricela Estrada
Director huésped del Coro: Stefano Ragusini

Momma, el cuarteto originario de Los Ángeles liderado por las cantantes/guitarristas/autoras Etta Friedman y Allegra Weingarten estrena el día de hoy su nuevo álbum, Two of Me via Danger Collective Records. Se trata de un ambicioso álbum conceptual compuesto por distintas ficciones lidiando con la moral, la juventud y el castigo, pobladas por héroes trágicos atrapadas en un purgatorio llamado The Bug House.

Como banda, Momma siempre se ha apoyado en el estilo simbiótico de escribir y la intuición creativa de Friedman (21) y Weingarten (22). «Recuerdo que el título Two of Me originalmente vino de un día creativo que estaba teniendo con Etta,» recuerda Weingarten. «Etta dijo algo como ‘qué loco que estar sola contigo es como estar sola conmigo misma.’ Eso encapsula cómo escribimos juntas: es una forma de comunicación donde constantemente cambiamos quién está tocando la guitarra principal y quién está tocando la rítmica en la misma canción.» Inspiradas por cantautores como Kim Deal, Liz Phair, y Elliott Smith, ambas han desarrollado una habilidad para estructurar canciones dinámicas y letras que te atrapan, con una sensibilidad al pop.

«The Bug House representa una especie de purgatorio o infierno bajo tierra donde se envía a la gente como castigo,» explica Weingarten. «Las canciones de Two of Me tratan sobre lidiar con el lado de ti que es capaz de cosas más oscuras.» El segundo disco de Momma se desenvuelve como un drama de pueblo, donde los personajes viven justicia poética en un fondo carnavalesco, detallado a través de las ilustrativas letras de Friedman y Weingarten. «Es cool tener este mundo que solo nos pertenece a Allegra y a mi, en el que ambas podemos trabajar y volver a visitar mientras estamos separadas,» dice Friedman.

Two of Me se grabó en Los Angeles con el productor/ingeniero Aron Kobayashi Ritch, quién alentó el deseo de experimentar de las chicas con sonidos distorsionados, junto con el baterista Zach CapittiFenton y el bajista Sebastian Jones, quien compuso las secciones rítmicas de la mayoría del disco.

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Luis Barragán, mejor conocido como Méne, es un artista multidisciplinario, cantante y compositor de Monterrey. Su nuevo EP La Luz, está compuesto por 4 canciones muy diferentes pero con algo en común, la necesidad de luz en muchos aspectos. La Luz ya está disponible en todas las plataformas digitales.

«Mi EP debut nace de la etapa más difícil de mi vida. Días que duele cantar y bailar.  El título “La Luz” nace al tener el proyecto terminado y hacer un retrospección hacia esa etapa, en donde simbólicamente como en la muerte, tanto en la vida, es lo que se sigue. Los días oscuros y la dificultad de medicarse esos 21 miligramos necesitaban luz, la Piedad y la dependencia amorosa que emite necesitaba ver la luz, una historia triste en un club en donde Nunca Pasa Nada también necesitaba luz, Todo como un corazón roto, necesitaba luz.» explica Méne. «Hoy es un regalo para quien necesita y olvida que hay que honrar esos momentos tan oscuros. Fueron parte de mí, de mi equipo y de mi familia y de mi alma, y gracias a los mismos hoy estoy bien y La Luz verá La Luz.»

• Participan Shari Mason, concertino de la OSN, y el violinista israelí Vadim Gluzman
• Viernes 12 de junio a las 20:00 horas a través de la plataforma Contigo en la distancia

Con un programa que incluye la obra de tres grandes compositores: Bach, Brahms y Mozart, la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto, ofrecerá concierto virtual el viernes 12 de junio a las 20:00 horas, a través de la plataforma Contigo en la distancia y en el canal del INBAL: https://bit.ly/OSNshari.

La joven violinista Shari Mason, concertino de la OSN, y Vadim Gluzman, virtuoso violinista invitado, llevarán a cabo la interpretación del Concierto para dos violines y cuerdas en Re menor, BWV 1043 de Johann Sebastián Bach (1685-1750), acompañados por la agrupación musical del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Complementan el programa el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms y la Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart.

Este concierto se presentó en vivo el viernes 4 y domingo 6 de mayo de 2018 y fue dedicado al violinista polaco Henryk Szeryng quien durante la Segunda Guerra Mundial emigró a América Latina y se estableció en la Ciudad de México en 1943. Henryk Szeryng, músico, diplomático, pedagogo y filántropo, falleció repentinamente durante una gira por Alemania. El programa de su última actuación fue el mismo de su primer concierto 55 años antes: el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, opus 77 de Brahms.

La unidad de los dos violines

En 1717, el príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen contrató a Bach como Kapellmeister (maestro de capilla). Durante su estancia en esta ciudad, Bach compuso sus principales obras orquestales, gracias a que el príncipe era un apasionado de la música orquestal y mantenía en su Corte un sólido conjunto de 18 músicos. Bach escribió entonces el Concierto para dos violines BWV 1043. Como referencia al vasto catálogo del compositor alemán, vale la pena mencionar que en él existe un Concierto para dos claves BWV 1062, en Do menor, que es una transcripción del propio Bach sobre su Concierto para dos violines.

Con sus tres movimientos Vivace, Largo ma non tanto y Allegro, en este concierto el diálogo no se establece, como pudiera pensarse, entre los dos solistas, sino entre ellos como unidad y la orquesta.      

La maestría de Johannes Brahms

Bach fue para el Barroco lo que Brahms para el Romanticismo. El concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms (1833-1897) es el mejor ejemplo de colaboración entre el compositor y el ejecutante, escrito para y con el gran violinista Joseph Joachim (1831-1907), quien años más tarde se convertiría en su amigo personal y musical. El Concierto para violín fue escrito por Brahms durante 1878 en el pequeño pueblo de Pörtschach, a orillas del lago Wörth. En parte debido a la maestría de Brahms y en parte a la calidad de Joachim como intérprete, el concierto resultó un reto musical de primera magnitud, sobre todo por las limitaciones técnicas de los violinistas de aquella época.

Al respecto, el pianista y director de orquesta Hans von Bülow comentó en una ocasión que mientras Max Bruch (1838-1920) componía conciertos para violín, Brahms componía conciertos contra el violín. El Concierto para violín y orquesta de Brahms fue estrenado el día de Año Nuevo de 1879 en Leipzig, con la famosa Orquesta de la Gewandhaus. El solista fue Joachim y al frente de la orquesta estuvo el propio Brahms.

Júpiter, obra fundamental del repertorio sinfónico   

La Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart será parte del banquete musical. Como ocurre con numerosas obras musicales, el nombre de Júpiter con el que hoy se conoce a esta sinfonía mozartiana no le fue dado por el compositor, sino por otra persona. En este caso, la historia registra que el nombre se debe al empresario Johann Peter Salomon, el mismo que promovió las exitosas visitas de Franz Joseph Haydn (1732-1809) a Londres. Ésta fue la última sinfonía que compuso Mozart y es considerada, hasta nuestros días, una de las obras maestras indiscutibles del repertorio sinfónico.

Acerca de la participación de la violinista Shari Mason, concertino de las orquestas Sinfónica Nacional y Sinfónica de Minería, es considerada una de las intérpretes mexicanas más destacadas de su generación. Colegas y críticos suelen elogiar de sus ejecuciones la determinación, madurez, solidez técnica y profundo conocimiento con el que se acerca a cada obra.

Paralela a su actividad orquestal, participa como músico de cámara. Estudió en las escuelas Vida y Movimiento del Centro Cultural Ollin Yoliztli y Nacional de Música de la UNAM con Natalia Gvozdestskaya. En Bloomington acudió a la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana, con Henryk Kowalski. En 2012, con motivo del centenario del natalicio de José Pablo Moncayo participó en la grabación de su integral de cámara para violín.

Vadim Gluzman, violinista invitado de origen israelí, ha actuado con orquestas de renombre, como la Filarmónica de Londres, Sinfónica de Chicago, Filarmónica de Israel, las sinfónicas de San Francisco, Cincinnati, Detroit, Houston, Vancouver y Seattle, la real Orquesta Nacional Escocesa, la Sinfónica Alemana de Berlín, la Orquesta de Minnesota, las filarmónicas de Munich, Dresde y Checa, la Orquesta de la Radio de Stuttgart, las orquestas de la NHK y la KBS, entre muchas otras.

El instrumento actual de Vadim Gluzman es un violín Stradivari ex – Leopold Auer de 1690, que tiene a préstamo indefinido gracias a la Sociedad Stradivari de Chicago.

Tayrell es un dúo de la ciudad de México formado por los hermanos Miguel y Hugo Galicia, ambos DJs/multi instrumentistas producen una variedad de sonidos que van desde el french house hasta el chillwave con toques de R&B y Soul, creando un sonido único. El dúo ahora proporciona a los oyentes un poderos nuevo sencillo «Take It Slow», su primer sencillo con La Dee Da Recordings. Es una producción con atmósferas en constante movimiento y synths de gran impacto.

La canción está mezclada con las influencias típicas de funk y soul que colorean el catálogo de Tayrell, esta vez con un toque especial que nos recuerda al R&B de los 2000 y con un ambiente más bailable, más moderno y voces impecables por parte de la artista francesa HolyBrune conocida por colaborar con artistas del sello francés ‘Roche Musique’ como Dabeull.

«Estamos emocionados de compartir este track ya que comenzó a desarrollarse en nuestro home studio como todos nuestros tracks pero esta vez tuvimos la oportunidad de usar un montón de gear que solo conocíamos virtualmente, esto en el estudio “toy factory” y nos gusto bastante como suena el track sustituyendo esos instrumentos virtuales por los fierros reales le dio un extra bastante cool y con la voz de HolyBrune resultó  ¡esperemos les guste!» comparte Tayrell.

Con presentaciones en grandes festivales como Ceremonia 2017, Vaivén Festival 17, Trópico 2019 entre otros, han compartido escenario con artistas internacionales de la talla de Breakbot, Darius y 2Many DJ’s por mencionar algunos; la gran calidad en sus producciones han generado atención a nivel nacional e internacional.

A finales del 2019 estrenaron su LP debut Shapes, lleno de interesantes colaboraciones, formas y matices.
En enero de este año estrenaron su primer remix para la aclamada banda australiana TORA que ha generado atención en varias partes del globo.

Vitálico es un proyecto musical creado por Dario Vital, compositor, músico y artista Mexicano con más de 10 años de trayectoria que busca explorar en él nuevos géneros como el pop alternativo, siempre acompañado de diferentes músicos amigos que se suman para dar un toque distinto en cada canción.

«Y Sin Saber» es el primes sencillo de su próximo álbum homónimo: Vitálico, y es un compilado de distintas grabaciones hechas a lo largo de 2019 tanto en Los Ángeles,CA como en Ciudad de México, todas producidas por Juan de Dios Martin.

Como músico y amante de la música para Vitálico es una gran oportunidad y a la vez un reto entregar a sus seguidores su proyecto. Se espera muy pronto la etapa de promoción que incluirá entrevistas en distintos medios, para posteriormente hacer sus primeras presentaciones, que serán anunciadas más adelante a través de sus redes sociales, con la esperanza de que más adelante se puedan realizar presentaciones en vivo.

David Nesta Marley, mejor conocido en el mundo artístico como Ziggy Marley, es un cantante y compositor de reggae que nació en Kingston, Jamaica, el 17 de octubre de 1968. El filántropo artista no solo es reconocido hoy en día por ser hijo de la leyenda del reggae, Bob Marley, sino también, por construir su propio legado musical. Se ha hecho merecedor de cinco premios Grammy, convirtiéndose en uno de los artistas principales del género. También ha estado involucrado en actividades humanitarias, fue nombrado «Embajador Joven de las Naciones Unidas» y ha formado parte de proyectos benéficos relacionados con «UNICEF», además de fundar la organización sin fines de lucro «U.R.G.E.» (Unlimited Resources Giving Enlightenment). Actualmente, reside en Estados Unidos.

Ziggy Marley comenzó su carrera musical bajo el nombre de Freddie Dic, para entonces formaba parte de una banda compuesta por amigos y compañeros de clase llamada: «The Seven Do Bees». El grupo no tuvo ningún tipo de éxito por lo que el cantante decide darle otro rumbo a su carrera musical.

El artista se expuso a la cultura del reggae a muy edad temprana. En 1986 formó su propia banda junto a sus hermanos: Cedella, Sharon y Stephen llamada «Ziggy Marley and the Melody Makers», el cual donde grabó varios discos. Entre ellos se encuentra: «Hey World», en 1987. El álbum tiene un estilo orientado más hacia el pop que al ritmos reggae. El grupo no llegó a ser muy conocido, cantaron ocasionalmente juntos durante varios años, incluso en el funeral de su padre en 1981. Sin embargo, la agrupación no tuvo éxito a nivel comercial. Dicho fracaso no significó el fin el de la agrupación, al contrario, un año después logró el impulso tras un nuevo estilo y propuesta musical.

El género que define a Ziggy Marley es el reggae. Este no solo formo parte de sus orígenes familiares, sino también, de sus creencias y estilo de vida. Su música siempre estuvo impregnada del espíritu rebelde y ferozmente melódico del artista. En sus canciones plasmó una variante de géneros como: el ska y el country que se mezclaban con lo tradicional del reggae, resultando en compilación de géneros y subgéneros musicales, que poco después pasarían a ejercer una influencia poderosa en el panorama musical, en los últimos 65 años.

Las influencias musicales más importantes en la vida del artista, sin duda alguna fueron sus padres. De ambos, obtuvo las bases para representar y dar a conocer, con su imagen un género que, no solo es conocido hoy en día como una cultura, sino también, un legado cuya influencia aún crece y se expande cada día más.

Información obtenida de buenamusica.com

El pasado 23 de agosto de 2019 Ziggy Marley se presento en el festival  Cabaret Vert, en la localidad francesa de Charleville-Mézières. Te dejamos el link para que disfrutes de este gran concierto.

https://www.arte.tv/es/videos/088176-005-A/ziggy-marley-en-el-festival-cabaret-vert/

 C ultura Profética es una banda de músicos formada en 1996 en San Juan Puerto Rico, lo conforman Willy Rodríguez, Omar Silva, Eliut González y Boris Bilbraut. La música de los puertorriqueños es un escape al estrés y la ansiedad que se vive hoy en día,  a través de sus ritmos que van desde «reggar roots» acompañada de una mezcla de jazz funk y ritmos de hip hop, ska y electrónica, que nos llevan a disfrutar y pasar de un rato ameno.

La banda dará un concierto gratis a través de la plataforma de YouTube este sábado 11 de abril del 2020 a las 13:00 hrs, horario centro de México.

Te dejamos una de sus canciones para que la disfrutes:

HORARIOS Y PRECIOS:

04 de agosto de 2019
domingo , 12:00 – 13:00 hrs.
Entrada libre Limitado a 350 personas., Entrada libre Aforo 350 personas., Entrada libre

Museo de Arte de la SHCP. Antiguo Palacio del Arzobispado. Moneda 4, Esquina con Lic. Primo Verdad, C.P. 6010, Deleg. Cuauhtémoc México, Ciudad de México  

El arte del canto

HORARIOS Y PRECIOS:

14 de marzo de 2019
jueves , 12:00 – 13:30 hrs.
Entrada libre

Escuela Nacional Preparatoria No. 4 Vidal Castañeda y Najera. Av. Observatorio 170 Col. Observatorio, C.P. 11860, Deleg. Miguel Hidalgo México, Ciudad de México