«Portada y contraportada de la edición 57 de Cronopio: El triunfo de AMLO y nota de Jenaro Villamil

 Con el apoyo de la UNAM, este recinto del INBAL comparte un recorrido desde un dron de sus instalaciones

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través del Museo Mural Diego Rivera, en coordinación con el equipo de Ingeniería Geomática de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), realizaron un levantamiento topográfico de dicho recinto museístico con tecnología de escáner, GPS y uso de drones, a fin de actualizar los planos existentes, conocer las instalaciones y repensar su uso adecuado.

El resultado de este trabajo de investigación permitió generar un video que es un recorrido aéreo desde el Palacio de Bellas Artes, pasando por la Alameda Central, hasta llegar al Museo Mural Diego Rivera, en el cual se puede apreciar la exposición Gerardo Cantú, un mismo amor, vivencias y videncias, presentada en 2016, así como el mural Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central de Diego Rivera.

El video Viaja por las alturas desde la Alameda Central al MMDR se podrá disfrutar a través de la plataforma Contigo en la distancia: http://contigoenladistancia.cultura.gob.mx/. Las nuevas tecnologías también permitieron conocer los detalles específicos de estructura y espacio del Museo, los cuales se podrán disfrutar también en la grabación.

Tecnología para la cultura

El levantamiento topográfico se realizó con apoyo del equipo de Ingeniería Geomática de la UNAM, a cargo del ingeniero Roberto de la Cruz, con el fin de actualizar los planos existentes del terreno e incluir otros nuevos, así como dar a conocer la importancia de la Licenciatura Ciencias de la Tierra de la UNAM.

Para ello, se recurrió a un escáner 3D Leica RTC360, que a través de millones de puntos recolecta una imagen similar a otra tomada previamente, incluso en medidas y proporciones, lo cual representa una alternativa para reparar obras arquitectónicas dañadas.

La tecnología del escáner, del GPS y del dron facilitaron el trabajo. Gracias a su uso se recolectaron características y especificaciones como medidas, proporciones y capacidad de los elementos al paso de este recorrido.

El Cerro de Guadalupe, el Valle de México, la Barranca del Muerto, San Ángel, la Alameda y la cañada de Metlac, son lugares que inspiraron a José María Velasco para enriquecer su obra paisajista de los siglos XIX y XX, y en la que comparte sus conocimientos de arquitectura, antropología, botánica, geología y paleontología.

A 180 años de su natalicio, la obra pictórica de José María Velasco (1840-1912) es recordada por hacer del paisajismo un lugar de celebración de la riqueza natural de México, a la cual supo incorporar, de manera visionaria, imágenes del proceso transformador de las zonas urbanas y rurales del país constituyéndola en patrimonio y símbolo de identidad nacional.

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través del Museo Nacional de Arte (Munal), recuerdan al pintor, dibujante y docente, cuya obra es tema de reflexión este lunes 6 de julio a las 18:00 horas con la conferencia virtual Velasco y la modernidad. Paisaje y progreso material, a cargo del curador Víctor Rodríguez Rangel.

La transmisión en vivo estará disponible en redes sociales del Museo Nacional de Arte (Facebook Live), en la cual se hablará de la actividad del artista plástico mexiquense como paisajista e ilustrador durante el periodo comprendido entre la República restaurada y el gobierno porfirista, etapa en la que proyectó, a través de su pintura, los símbolos del progreso transformador. En su ponencia, Rodríguez Rangel compartirá cómo la obra de Velasco es testigo de los cambios que el paisaje mexicano ha registrado a través del tiempo.

Su pintura, una celebración

A José María Velasco y Gómez-Obregón, originario de Temascalcingo, Estado de México, donde nació el 6 de julio de 1840, se le reconoce como el mayor exponente del paisajismo mexicano del siglo XIX.

En su formación artística destaca su ingreso a la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en la cual fue alumno de Santiago Rebull, Pelegrín Clavé, Manuel Carpio y del italiano Eugenio Landesio. A los 18 años ingresó como profesor de Perspectiva en la Escuela Nacional de Bellas Artes y cuatro años después ya era titular de la clase de Paisaje. Además fue inspector de Dibujo y Escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes (1910).

Se estima que durante 44 años creó cerca de 300 pinturas al óleo, así como acuarelas, litografías y pinturas en miniatura, obra en la que destacan sus paisajes del Valle de México y con la que logró que la pintura mexicana alcanzara reconocimiento internacional.

Entre los reconocimientos que obtuvo destacan: Medalla de Oro de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes (1874 y 1876); medalla en la Exposición Internacional de Filadelfia (1876), primer premio de la Academia Nacional de México (1878), la medalla de la Exposición Universal de París (1889), la Medalla de Oro del Centenario de Colón (Madrid, 1893) y la medalla de la Exposición de Bellas Artes de Puebla (1900).

Sin embargo, el legado del artista no se limita al género del paisaje, también comprende las ciencias naturales y sociales. Velasco tuvo inclinación por materias como arquitectura, antropología, botánica, geología y paleontología, además de crear una serie de estampas sobre la evolución de la flora y fauna terrestre y marina, que convirtió en fuente de estudio de la ciencia en México, por lo que en 1881 fue nombrado presidente de la Sociedad Mexicana de Historia Natural.

Cabe señalar que el Diario Oficial de 8 de enero de 1943 decreta Monumentos históricos toda clase de obras plásticas de José María Velasco, debido al excepcional valor artístico que la Comisión de Monumentos del INAH otorga a la obra pictórica del pintor mexiquense.

Acervo en el Munal

El Museo Nacional de Arte del INBAL cuenta con varias obras del maestro mexiquense que incluyen paisajes y estudios botánicos y anatómicos, en las que destacan: Cardón, estado de Oaxaca; Cascada del Rincón Grande; Castillo de Chapultepec; Bahía de la Habana; Evolución de la vida continental en el globo terrestre. Estudio geológico y Cañada de Metlac, esta última de importancia debido a la presencia de una locomotora, símbolo del progreso material realizado durante el gobierno de Porfirio Díaz. Uno de sus cuadros más famosos es La Alameda de México (1866), pintado durante el Segundo Imperio Mexicano.

Danza UNAM en casa

Cultura UNAM enCasa

Presentación de publicaciones

La escultura conocida como el Adolescente Huasteco es una de las piezas maestras del arte mesoamericano y un ejemplo característico de la escultura huasteca. Fue localizada en la ciudad prehispánica de Tamohi, en el municipio de Tamuín, San Luis Potosí, en la parte superior de un enorme basamento de dos cuerpos conocido como Estructura Oeste. Fue tallada en piedra arenisca y mide 145 cm de altura.

Esculpido con una delicada destreza, representa a un individuo joven masculino, erguido, desnudo, con deformación craneana, dientes superiores limados y grandes orificios en los lóbulos de las orejas para portar orejeras. También se pueden ver los restos de lo que fue su tabique nasal perforado para llevar nariguera. Su desnudez lo califica como deidad, rasgo característico de las deidades huastecas. Lleva la mano derecha cerrada sobre el pecho, formando un hueco tubular en actitud de sostener algo, por lo que se cree que la función de la pieza fue como portaestandarte.

 En la parte posterior, colgando de una banda, lleva a cuestas a otro personaje más pequeño, quizás un infante, que lleva la cabeza volteando hacia arriba. También presenta deformación craneal y grandes orejeras. Algunos investigadores han propuesto que la figura en conjunto representa a Quetzalcóatl que carga al Sol en su espalda. Otros estudiosos lo han interpretado como Cipak, el joven dios del maíz que carga a su padre para introducirlo a la civilización sedentaria.

 Los rasgos más característicos de esta escultura son los diseños que tiene tallados en el cuerpo, los cuales pudieran representar tatuajes o pintura corporal de complejo significado simbólico. La mitad de su cuerpo se encuentra profusamente decorado con diseños, entre los cuales se pueden ver mazorcas de maíz, cuentas de piedra verde, la serpiente de agua y signos relacionados con el culto a Ehécatl-Quetzalcóatl.

Dra. Laura del Olmo Frese
Subdirección de Arqueología, MNA

Códice recopilado en 1552, en el Colegio de Santa Cruz de Santiago Tlatelolco por los médicos nahuatlatos Martín de la Cruz y Juan Badiano para preservar el conocimiento originado 7 mil años atrás, sobre el cultivo de las plantas y flores nativas mesoamericanas. La presente reedición facsimilar se dedica a reconocer el trabajo campesino que se ha mantenido sin interrupción. Esa labor milenaria ha conservado vivo el conocimiento y ha contribuido a preservar la diversidad evolutiva y la riqueza cultural de México.

Esa reflexión sobre los lazos profundos que unen al conocimiento conservado en libros o códices depositados en bibliotecas o en los jardines etnobotánicos, verdaderos repositorios derivados de la reproducción de las plantas y los saberes ancestrales: herbolarios, medicinales, gastronómicos, de utilización de fibras para textiles, colorantes, edulcorantes, cosméticos y demás conocimientos científicos y aplicados al desarrollo de las comunidades campesinas y de la sociedad, que preservan la diversidad del mundo natural y su diversidad cultural (Moreno Toscano, 2020).

A través del esfuerzo impulsado por la Secretaría de Relaciones Exteriores, la Secretaría de Cultura, y el Instituto Nacional de Antropología e Historia a través de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia se presenta una renovada edición impresa y electrónica del Códice de la Cruz-Badiano disponible de manera libre y gratuita.

El 1 de mayo de 1786, a tres años de la Revolución francesa, se estrenó en Viena una de las óperas más controvertidas de la historia musical: Le nozze di Figaro. Inspirada en una obra de teatro prohibida y compuesta en secreto, Mozart concibió una ópera magistral, de una gran profundidad psicológica. A través de un argumento trepidante y las distintas personalidades de los personajes, pintadas a la perfección en toda su complejidad, se traza una audaz crítica de la aristocracia de finales del Antiguo Régimen.

Una ópera escrita en secreto

Le mariage de Figaro, pieza teatral de Beaumarchais en la que se inspiró W. A. Mozart (1756-1791), provocó desde su estreno en París el 27 de abril de 1784 una sonada polémica, hasta tal punto que su autor fue encarcelado por ello. Se trataba de una auténtica bomba de relojería, al denunciar los abusos de poder de un conde que actuaba de rival amoroso de su propio sirviente, perdiendo el juego. Sin embargo, esta obra se popularizó al poco tiempo y las traducciones al alemán no tardaron en llegar. Fue así como Mozart, que tenía un ejemplar en su biblioteca, quedó fascinado por esta segunda parte de El barbero de Sevilla y encontró la historia que tanto tiempo llevaba buscando para su nueva ópera buffa cuyo libreto fue realizado por su amigo Lorenzo da Ponte. Se inició así una fructuosa colaboración entre los dos, que continuaría con la ópera Don Giovanni al año siguiente y después con Così fan tutte en 1790.

Pero el compositor y el libretista no contaban con un imprevisto de primer orden: el emperador José II, hermano de la reina María Antonieta, había prohibido representar en Austria la obra teatral de Beaumarchais, por haber provocado un gran revuelo en Francia con la crítica mordaz que se hacía de los valores decadentes de la aristocracia de la época. No obstante, decidieron emprender la composición con gran entusiasmo y en absoluto secreto durante el verano de 1785.

Da Ponte tuvo la astucia de suprimir los pasajes más polémicos de la obra original, lo que se tradujo en el beneplácito de José II para su representación en Viena. Las bodas de Fígaro se estrenó en 1786 y en ella participaron los mejores cantantes italianos, consiguiendo una gran popularidad desde su presentación en Praga. El propio Mozart se encargó de acudir a los ensayos de los mismos, obsesionado con que cada cantante comprendiera la psicología de su rol hasta las últimas consecuencias.

Ópera World

Ópera bufa en cuatro actos, con música de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) sobre un libreto en italiano de Lorenzo da Ponte (1749-1838), basado en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais (1732-1799), Le mariage de Figaro ou la folle journée.

Duración: 3 horas.

Comedia de enredos que se desarrolla en Sevilla, España, donde Fígaro y Susana – siervos del conde Almaviva – están por unirse en matrimonio. Antes de otorgar su permiso para el enlace, el conde planea seducir a Susana, ejerciendo el abolido “derecho de pernada”. La pareja de enamorados, en complicidad con la dolida condesa Almaviva, se preparan para impedirlo a toda costa. Por su parte, Marcelina, ayudada por Bartolo, hará lo posible porque Fígaro cumpla un antiguo contrato que lo obliga a casarse con ella, para regocijo del conde. El embrollo generalizado que priva en el palacio irá en aumento, hasta llegar a un clímax en cuya resolución intervendrán una serie de hechos inesperados.

Solistas

Fígaro: Denis Sedov
Conde Almaviva: Armando Piña
Condesa Almaviva: Narine Yeghiyan
Susana, prometida de Fígaro: Letitia Vitelaru
Cherubino, paje del Conde: Jacinta Barbachano
Marcelina: Gabriela Thierry
Bartolo, médico y antiguo tutor de la Condesa: Arturo López
Basilio, maestro de música: Juan Carlos López
Don Curzio, notario: Luis Alberto Sánchez
Barbarina, hija de Antonio: Dora Garcidueñas
Antonio, jardinero y tío de Susana: Antonio Azpiri

Clavecinista: Ricardo Magnus

Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes

Director concertador: Srba Dinić
Director de escena: Mauricio García Lozano
Diseño de escenografía: Jorge Ballina
Diseño de iluminación: Víctor Zapatero
Diseño de coreografía: Vivian Cruz
Diseño de vestuario: Jerildy Bosch
Diseño de maquillaje: Maricela Estrada
Director huésped del Coro: Stefano Ragusini

Planeado en el seno de la Cátedra Monsiváis, compilará los artículos aparecidos en las revistas Proceso y Nexos, donde ambos escritores debatieron sobre la deriva de la política mexicana

Los historiadores Luis Barjau y Carlos San Juan anunciaron la próxima publicación de la obra durante el segundo conversatorio dedicado a Monsiváis por su 10º aniversario luctuoso.

Ubicados en las antípodas de la intelectualidad mexicana, entre diciembre de 1977 e inicios de 1978, bajo corrientes ideológicas distintas, Carlos Monsiváis y Octavio Paz protagonizaron una célebre polémica en los números 57 al 63 de la revista Proceso que, a su vez, motivó la discrepancia de otros intelectuales en Nexos. A poco más de cuatro décadas de distancia, este debate será revisitado en un nuevo libro: Paz y Monsiváis en debate, próximo a publicarse.

A modo de adelanto y en el marco del homenaje nacional que el Gobierno de México rinde a Monsiváis, para recordarlo en su décimo aniversario luctuoso, Luis Barjau y Carlos San Juan, investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), anunciaron, vía remota, este volumen cuyo estudio preliminar estará a su cargo.

La publicación, planeada en el seno de la Cátedra Monsiváis fundada hace un lustro por la Dirección de Estudios Históricos del INAH —centro de estudios al que perteneció el reputado escritor y crítico—, reunirá los artículos escritos por los “contendientes”, donde debatieron los senderos de la derecha y la izquierda mexicanas.

En el segundo conversatorio virtual, organizado por la DEH en consonancia con la campaña “Contigo en la Distancia”, de la Secretaría de Cultura, los historiadores Barjau y San Juan rememoraron que en 1977, Paz recibió el Premio Nacional de Letras, y a este propósito el periodista Julio Scherer le realizó una entrevista que apareció en la revista Proceso.

Las dos entregas fueron encabezadas de la siguiente manera, retomando las declaraciones del poeta: “La conciencia es lo contrario de la razón de Estado” y “Veo una ausencia de proyectos. Las ideas se han evaporado”.

El joven, pero no menos sagaz, Carlos Monsiváis, replicó a varias de las ideas expuestas por Paz, dando lugar al que, quizás, puede considerarse el debate entre intelectuales mexicanos más trascendente de finales del siglo pasado.

“El año 1977 fue importante para nuestro país porque concluía un periodo muy agitado, en que se debatió el cambio de modelo de desarrollo del país: O bien, México se convertía en una potencia capitalista o intentaba regresar a sus raíces y ahondar la justicia social. Las crispaciones estaban a la orden del día; y justo ese año llegó al poder el nuevo tlatoani, José López Portillo, y empezó una nueva administración con la bandera de la apertura.

“Es en este contexto donde se dio el debate entre Paz y Monsiváis, aunado al periodismo crítico que se afianzó pese al llamado golpe al periódico Excélsior, con la figura de Scherer. Proceso y la revista Plural, creada por Paz, serán los dos nuevos foros que van a abanderar el resurgimiento del periodismo cultural y crítico de manera impresionante”, explicó San Juan.

Acerca del perfil de los “adversarios”, Barjau, coordinador de la Cátedra Monsiváis, sostuvo que si Paz fue intelectual de renombre internacional, cuya obra mereció el Premio Cervantes, en 1981, y el Nobel de Literatura, en 1990; en Monsiváis predominaron los reconocimientos de orden nacional como el de Periodismo (1977), Mazatlán de Literatura (1988) y Xavier Villaurrutia (1995), entre muchos otros.

“En dicha repartición hay una diferencia que es de enorme interés biográfico, fenomenológico e intelectual. Octavio Paz luchó por forjarse una formación cosmopolita, mientras que Carlos Monsiváis prefirió compenetrarse con la problemática política y cultural de la nación.

“Esa diferencia está reflejada en la polémica. El reparo de Monsiváis a las opiniones de Paz, es que no tenía precisión de los movimientos, las acciones políticas desarrolladas por la izquierda en los sindicatos, en las zonas campesinas, etcétera, sino que hacía abstracciones. Esto es lo que argumentaba el cronista”, apuntó Barjau.

San Juan, editor de la revista Con-Temporánea de la DEH, abundó que Octavio Paz provenía de una generación que, aunque influenciada por el socialismo, experimentó el horror del socialismo burocrático y al paso de los años se fue decantando por una posición muy crítica respecto al mismo. Mucho años antes de la caída del Muro de Berlín, en 1989, los trotskistas de los años 20 ya advertían que se trataba de un socialismo pervertido.

“Paz es de esta generación que atraviesa los años 30, 40, y en los 50 se desliga del movimiento. En cambio, Monsiváis tiene que ver con otro fenómeno que nace por 1955, donde la intervención de la URSS en Hungría va a generar una reacción de jóvenes intelectuales que van a criticar, pero bajo otra perspectiva, pugnando por un socialismo democrático y esa vertiente va a ser una de tantas que alimentaron lo que se dio por llamar ‘la nueva izquierda’, la cual intentaba reconstruir la propuesta de emancipación del antiguo socialismo, pero sobre nuevas bases”.

En el nuevo libro, el cual se espera publicar este 2020, San Juan y Barjau pretenden ser objetivos, considerando que las figuras son dos “titanes” de la cultura mexicana: “He aquí dos razas distintas de pensadores, y la fricción que se dio en la disputa que ahora concentramos en este volumen, es de enorme valor académico, político y general. Nos permite observar lo universal que hay en nuestra singularidad, lo serio, lo frívolo, lo artístico y también la complejidad de nuestra idiosincrasia”, concluyeron.

Momma, el cuarteto originario de Los Ángeles liderado por las cantantes/guitarristas/autoras Etta Friedman y Allegra Weingarten estrena el día de hoy su nuevo álbum, Two of Me via Danger Collective Records. Se trata de un ambicioso álbum conceptual compuesto por distintas ficciones lidiando con la moral, la juventud y el castigo, pobladas por héroes trágicos atrapadas en un purgatorio llamado The Bug House.

Como banda, Momma siempre se ha apoyado en el estilo simbiótico de escribir y la intuición creativa de Friedman (21) y Weingarten (22). «Recuerdo que el título Two of Me originalmente vino de un día creativo que estaba teniendo con Etta,» recuerda Weingarten. «Etta dijo algo como ‘qué loco que estar sola contigo es como estar sola conmigo misma.’ Eso encapsula cómo escribimos juntas: es una forma de comunicación donde constantemente cambiamos quién está tocando la guitarra principal y quién está tocando la rítmica en la misma canción.» Inspiradas por cantautores como Kim Deal, Liz Phair, y Elliott Smith, ambas han desarrollado una habilidad para estructurar canciones dinámicas y letras que te atrapan, con una sensibilidad al pop.

«The Bug House representa una especie de purgatorio o infierno bajo tierra donde se envía a la gente como castigo,» explica Weingarten. «Las canciones de Two of Me tratan sobre lidiar con el lado de ti que es capaz de cosas más oscuras.» El segundo disco de Momma se desenvuelve como un drama de pueblo, donde los personajes viven justicia poética en un fondo carnavalesco, detallado a través de las ilustrativas letras de Friedman y Weingarten. «Es cool tener este mundo que solo nos pertenece a Allegra y a mi, en el que ambas podemos trabajar y volver a visitar mientras estamos separadas,» dice Friedman.

Two of Me se grabó en Los Angeles con el productor/ingeniero Aron Kobayashi Ritch, quién alentó el deseo de experimentar de las chicas con sonidos distorsionados, junto con el baterista Zach CapittiFenton y el bajista Sebastian Jones, quien compuso las secciones rítmicas de la mayoría del disco.

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