• Las docentes Indira Pensado,Verónica Maldonado y el maestro Mauricio García Lozano participan en un ciclo con contenidos artísticos y pedagógicos

La Secretaría de Cultura, a través de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), transmitirá tres charlas en vivo sobre artes escénicas como parte de los contenidos académicos que forman parte de la campaña “Contigo en la distancia”.

En este primer ciclo participan Indira Pensado, Verónica Maldonado y Mauricio García Lozano, en esta iniciativa que surge de la necesidad de estar en contacto con la comunidad de estudiantes y docentes, así como con el público interesado en las artes escénicas. Estas charlas brindarán un panorama artístico, académico y pedagógico.

Las transmisiones, que se suman a la campaña #QuédateEnCasa durante la Jornada Nacional de Sana Distancia ante la presencia del COVID-19, se transmitirán en vivo desde la cuenta de la ENAT en Facebook (www.facebook.com/enatoficial) y en  @enatoficial en Twitter; tendrán una duración de 60 minutos, dando espacio para atender las preguntas y respuestas de los asistentes vía internet.

La primera charla, titulada La voz en estado de emergencia, se llevará a cabo el miércoles 15 de abril, a las 18:00 horas y estará a cargo de Indira Pensado.

Para el jueves 16 de abril, a la misma hora, con el tema La dirección escénica, la clase será impartida por el maestro Mauricio García Lozano y el ciclo concluirá el viernes 17 de abril, a las 17:00 horas, con la conferencia Hacia un teatro político para la infancia, la cual impartirá Verónica Maldonado Carrasco, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca). 

Como parte de las acciones emprendidas por parte de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, a través de la Dirección del Sistema de Teatros, en esta contingencia sanitaria por el COVID-19 y la imperiosa necesidad de quedarse en casa se invita a participar en la convocatoria #MiCasaEsMiEscenario.

«Queremos reflexionar en torno a los efectos que tiene la situación actual en nuestras dinámicas habituales, en las repercusiones sociales que implica y de qué formas esto puede resignificar la relación con nuestra casa y quiénes habitan en ella: familia, amigos, compañeros de piso, mascotas, plantas, objetos, vecinos o cosas que no sabíamos teníamos, entre otras», afirma la convocatoria.

Para participar se tiene que grabar un video (máximo de 5 minutos) en el cual se haga una rutina, de tema y forma libre, de la disciplina que mejor domine la persona convocante, ya sea pieza de danza, escena de teatro, rutina de stand up, espectáculo de títeres o sketch de cabaret, entre otros.

El material se tiene que compartir en Twitter, Facebook o Instagram, se debe arrobar a TeatrosCdMexico y utilizar los hashtags #MiCasaEsMiEscenario y #YoMeQuedoEnCasa. Para finalizar, etiquetar a tres amigos que invitarlos a participar.

La convocatoria está abierta hasta el 30 de abril. Los tres videos que tengan mayor interacción se llevarán un premio de 10 mil pesos (diez mil pesos 00/100 M.N.) cada uno. El 15 de mayo se anunciarán a los ganadores.

Con el apoyo de EFIARTES, la agrupación repone Ex-Stasis, donde siete telones de plástico definen el movimiento corporal y la estética de la obra
El reestreno sucederá el 13 de marzo en el Teatro Juárez de Guanajuato y a partir del 19 de marzo en el Centro Nacional de las Artes
La gira por Estados Unidos y Canadá comienza el 25 de abril y además contempla las obras 3. Catorce Dieciséis, Religare, Anabiosis y Las Aguas del Olvido

  A  nte una mayor conciencia de la población mundial sobre los millones de toneladas de plástico que año con año contaminan los océanos y la necesidad de reciclarlos, la compañía Tania Pérez-Salas demuestra las posibilidades creativas que ofrece este material en una obra esencial de su repertorio: Ex-Stasis.

En esa coreografía los bailarines interactúan con siete telones de diferentes tipos de plástico. La maleabilidad y la exploración de estas grandes cortinas permitieron la creación de imágenes y atmósferas que se convierten en una extensión física y sonora del cuerpo del bailarín.

Luego de numerosas giras por el extranjero, en escenarios tan prestigiosos como The John F. Kennedy Center for the Performing Arts en Washington D. C., la compañía Tania Pérez-Salas consideró la necesidad de acercar esta pieza al público mexicano y reponerla en el lugar donde fue estrenada en 2010: el Centro Nacional de las Artes (Cenart), previa presentación en el Teatro Juárez de Guanajuato.

Entre 2010 y 2015 Ex-Stasis pisó algunos de los espacios más relevantes de Estados Unidos en Los Ángeles, California, en Miami y Gainesville, Florida; en Wisconsin; en Carmel, Indiana; en Boston, Massachusetts y Minnesota. Ahora se repone en México gracias al apoyo de EFIDANZA.

El reestreno de Ex-Stasis tendrá lugar el viernes 13 de marzo, a las 20:00 h, en el Teatro Juárez, el icónico recinto de Guanajuato. Se ofrecerá una segunda función el 14 de marzo, a las 19:00 h, en el mismo espacio.

La puesta en escena en la Ciudad de México se llevará a cabo del 19 al 22 de marzo en el Teatro de las Artes del Cenart, con funciones jueves y viernes, a las 20:00 h, sábado, a las 19:00 h y domingo, a las 18:00 h. El precio del boleto es de $120 y ya están a la venta a través del sistema Ticketmaster y en las taquillas del Cenart.

Las presentaciones en el Cenart se enmarcan en el programa nacional Equitativa, implementado por la Secretaría de Cultura Federal para la producción, programación y difusión de proyectos en torno a la igualdad de género.

Los telones de plástico en Ex-Stasis lucen al ser tocados por la luz blanca en distintas intensidades y no hace falta modificar su apariencia. Las imágenes que se producen pueden evocar agua, aire, atmósfera o metal. Al resaltar, mediante la iluminación, la belleza translúcida del plástico, se ven los cuerpos borrosos de los bailarines y el aire que atrapan estos telones.

En suma, el plástico define el movimiento y la estética de la obra para crear sensaciones de un cuerpo libre, no restringido, confinado ni encasillado.

A nivel narrativo, la coreografía aborda la auto censura emocional cuando bloqueamos lo que sentimos, cuando negamos lo que el cuerpo quiere e incluso necesita, como la sexualidad y el sueño.

La falta de comunicación entre el cuerpo y la mente ha provocado un alejamiento de nuestros instintos. El llamado de Tania Pérez-Salas es a no perder el sentido de comunidad de cara al avance tecnológico y su consecuente indiferencia y desconexión entre los seres humanos.

Con música techno y blues, Ex-Stasis es un trabajo que en su profundidad habla del mundo contemporáneo y sus complejidades sociales.

El programa que se presentará en el Teatro Juárez y en el Cenart también comprende la puesta en escena 3. Catorce Dieciséis, en la cual Pérez-Salas se inspira en el número Pi para reflexionar sobre la circularidad del movimiento a través de la vida. Para ello, se vale de la música de Marin Marais, Girolamo Frescobaldi, Antonio Vivaldi, Francois Couperin y Giovanni Battista Pergolesi.

La Compañía iniciará gira por Estados Unidos a partir del 25 de abril, cuando se presentará en California. El 1 y 2 de mayo estará en Victoria, Canadá. Vuelve a los EE. UU. el 5 de mayo, en Nueva York y culmina el 29 y 30 de mayo, en Pensilvania. En esta gira están contempladas las obras: Ex-Stasis, 3. Catorce Dieciséis, Religare, Anabiosis y Las Aguas del Olvido.

Las funciones dentro y fuera de México cuentan con la producción de Syncretik Productions y Contenidos Artísticos.
Semblanza de Tania Pérez-Salas

La bailarina y coreógrafa fundó en 1994 la compañía que lleva su nombre. Su repertorio está integrado por obras como Biografía del Deseo, Visitante, Las horas y Macho man.
Estrenó Clodia, la Impúdica en el Palacio de Bellas Artes, en 2006, con el Coro del Conservatorio Nacional de Música, músicos solistas del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura y el ensamble de percusiones Tambuco.
Su trabajo está basado en temas universales que aborda desde una perspectiva única. Entre ellos, las dimensiones de la vida y la muerte, la feminidad, el amor y la sensualidad, la sátira de la tecnología y la violencia de género.
A partir de 2008 fue productora y conductora de Juego de Cuerpos en Canal 22, serie semanal dedicada a la danza. Estuvo al frente del programa Pasión en Movimiento en la misma televisora.
Ha sido jurado del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y también del Premio Nacional de Ciencias y Artes 2006, el máximo galardón que otorga el Estado mexicano.
En 2013 su compañía recibió el premio Lunas del Auditorio y, al año siguiente, la coreógrafa recibió el reconocimiento “Mujer Pionera” de la Universidad Autónoma de México (UNAM), debido a la calidad de sus obras y su perseverancia artística.
Durante el estreno de la coreografía Religare (2016), Pérez-Salas y su compañía obtuvieron el reconocimiento de la Secretaría de Cultura federal por los 25 años de exitosa e ininterrumpida trayectoria artística.
Además, fue distinguida en 2019 con la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte por un periodo de tres años.

la manera más armónica de convivir: creadoras e intérpretes en el INBAL

La mujer tiene mucho que decir, crear y aportar a la sociedad a través de las artes, señalan integrantes de grupos artísticos

  B  ailarinas, cantantes, artistas visuales y escritoras se pronuncian por una igualdad que redunde en una forma más armónica de vida. En el marco del Día Internacional de la Mujer, instituido por la Organización de las Naciones Unidas en 1977, creadoras e intérpretes de diversas disciplinas opinan sobre la aportación de las mujeres en las artes.

Las mujeres en la danza

“La mujer tiene mucho que decir, crear y aportar a la sociedad a través de las artes”, opina Michele Cutri, corifeo de la Compañía Nacional de Danza (CND) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

Agrega que, en la danza, los papeles tanto del hombre y de la mujer son muy claros, por lo que las oportunidades son las mismas para ambos. “Poseemos características diferentes, lo que genera equilibrio entre los dos.

“No somos iguales. Creo que la equidad es una manera más armónica de vivir. El Día Internacional de la Mujer es la oportunidad de voltear a vernos”, señala.

La también corifeo de la CND, Isabel García menciona que el papel de la mujer en el arte es incuestionable. “Como bailarinas tenemos una gran responsabilidad de seguir interpretando con pasión esas historias que se escribieron hace mucho tiempo, pero también ser conscientes de los cambios en la sociedad y el actual papel de la mujer.

“En el ballet, a la bailarina es a la que se le da mayor importancia y realce, fuerte contraste con lo que sucede en la realidad, en la cual no siempre es así. Es complicado salir a la calle y experimentar la realidad fuera del escenario”.

Añade que las mujeres deben entablar una comunicación en respeto y colaboración con los hombres: “No se trata de gritar entre nosotros, sino de entablar un diálogo del que surja la comunicación para la igualdad de género”.

Por su parte, la primera bailarina de la CND, Blanca Ríos afirma que la mujer a través del arte puede sensibilizar a las personas. En su opinión, existe igualdad de oportunidades entre hombres y mujeres, y ahora se valora más que antes la presencia de las mujeres

Las mujeres en las artes visuales

Ser mujer y pintora son dos privilegios que asevera tener la artista visual Concepción Báez Sánchez, quien señala que el arte le ha dado “muchísimas cosas: amor, seguridad en mí misma, identidad. Siempre fui la hija de, la esposa de, la mamá de; ahora soy Concepción Báez”.

Comenta que, como mujer, ha tenido que “luchar mucho. No hay igualdad. Me costó trabajo empezar a exponer, además de que se decían cosas espantosas de las mujeres artistas, que no hacían cosas provechosas y que mejor se quedaran en casa a cocinar o coser. Nos deberían celebrar todo el año; cuidarnos. Cada vez que matan una mujer, matan una fuente de vida”.

Para la artista plástica Helen Bickham, la mujer es igual de importante que el hombre: “No hay diferencia”. Autodidacta, empezó a pintar desde niña y afirma que siempre tuvo el apoyo de otros artistas. Fue fundadora de la Escuela de Idiomas del Instituto Politécnico Nacional, en Zacatenco, donde “veía a las mujeres tomando más y más confianza, abriendo puertas, insistiendo para lograr lo que querían hacer. Si tienes confianza, hay igualdad”.

Dibujo, pintura, escultura y grabado son los géneros en los que incursiona Gabriela Arévalo, quien afirma que la mujer es importante en el arte, no nada más por ser musa y fuente de inspiración, sino también por ser creadora, aunque no se le ha dado el reconocimiento ancestral que merece.

“En muchas etapas de la humanidad hemos intervenido. En algunos momentos hasta tuvimos que utilizar pseudónimos masculinos para ocultar nuestra verdadera identidad. Las mujeres tenemos mucha fortaleza. Aunque nunca me he encontrado en una situación de víctima, sí he sido excluida de algunos eventos por ser mujer. Qué bueno que se empieza a dar una situación de mayor equidad. Somos muchísimas y hay talento que se ha minimizado”.

El arte implica compromiso, pasión y sensibilidad

A decir de la contralto Ruth Roxana Ramírez, integrante del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes, el arte implica compromiso, pasión y sensibilidad. “Es una manera muy sutil de despertar esa solidaridad que se está perdiendo”.

Menciona que, a pesar de la capacidad, todavía hay muchas mujeres a quienes se les paga menos que a los varones por la misma labor. Enfatiza que, “desde la familia, a partir de la infancia, se debe abordar el tema del acoso y la violencia, y detener la falta de respeto y las bromas sexistas. Hay que estar alertas y no prestarnos a esa violencia sutil e insidiosa que se da todos los días”.

La mezzosoprano Julietta Beas, también integrante del Coro de Madrigalistas, refiere que las mujeres son la mitad de la población del planeta, “y desde las artes debemos ocupar equitativamente los espacios en coros, exposiciones y público”.

“En mi caso, la música me ha dado fuerza y la capacidad de enfrentar la vida. Es un arma para poder desenvolverte, expresarte y crecer como ser humano y como mujer”, señala, por su parte, Lucía Eugenia Salas Cerda, integrante del Coro del Teatro de Bellas Artes.

“Tenemos herramientas e igual capacidad que los hombres. No tendría que existir diferencia”, sostiene la cantante y afirma que la equidad de género se gesta en la familia y en la escuela. “Las mujeres podemos hacer cualquier cosa. No somos diferentes de los hombres; somos iguales y tenemos los mismos derechos y privilegios”.

La mezzosoprano Grace Echauri asegura que la mujer siempre ha estado presente en el arte “como intérprete y personaje. Como cantantes de ópera no pueden prescindir de nosotras, pero a las mujeres compositoras casi no se les toma en cuenta, igual que a las directoras. Siempre están en la oscuridad”.

Ganadora de uno de los premios del Concurso Nacional de Canto Carlo Morelli, la soprano Penélope Luna afirma que el arte no es cuestión de género, “pero las mujeres tienen mucho que decir desde su experiencia y perspectiva. No nada más en marzo y en tiempos de feminismo hay que hablar de mujeres. Hoy nos estamos pronunciando porque estamos cansadas de aguantar malos tratos. Tanto hombres como mujeres, lo que buscamos con el arte es cambiar pensamientos; unirnos para hacer lo mejor”.

Las mujeres en la literatura

La poeta bilingüe tu’un savi-español, Nadia López García habla sobre el panorama que existe en la literatura para las mujeres: “Tanto para las que escribimos en lengua indígena como en español, el panorama es complejo. De los escritores que publicaron en 2019, un pequeño número corresponde a mujeres.

Recuerda que cuando la Universidad Nacional Autónoma de México publicó su poemario Isu ichi. El camino del venado, la editora le dijo: “Es algo inédito, eres joven, mujer, indígena”.

Aunque vive en la Ciudad de México, menciona que muchas escritoras en lenguas originarias viven en sus comunidades, supeditadas a papeles muy establecidos: “Se les impide salir a congresos, festivales, talleres. Se necesita cambiar el papel que por tradición se nos ha asignado a las mujeres.

Sol Ceh Moo, escritora en lengua maya y castellano, afirma: “tenemos que celebrar que, al menos, estamos paradas el día de hoy. Debemos buscar la paz social; crear a través de nuestras propias visiones la forma de coeducarnos los unos a los otros; hacer conciencia entre hombres y mujeres qué es lo que ha generado el rencor social y no perder el tiempo en ese odio. Esas heridas a las que les quitan las costras todos los días para no olvidar sólo nos están destruyendo.

“No hay nada que celebrar: hay que trabajar, buscar soluciones, ver qué le pasa a México y al mundo, buscar una forma de blanquear nuestros países. No es posible tener todos los días sufrimiento. No es posible que existan este tipo de situaciones en una sociedad que ha avanzado en tecnología, en educación, pero que ha perdido su sensibilidad como seres humanos”.

Compañía Monosabio

Seguir moviéndose hasta que alguien nos vea surge de la necesidad de hablar del sinsentido, el vacío y el dolor
Pulso busca la relación de los cuerpos, el espacio, la música, la iluminación y cómo estos elementos componen y afectan en su totalidad al ser humano

  E  l Centro Nacional de las Artes (Cenart) presenta durante marzo dos puestas en escena de la compañía Monosabio: Seguir moviéndose hasta que alguien nos vea y Pulso, propuestas que indagan desde lo artístico sobre las necesidades humanas de autoconocimiento y de herramientas para enfrentar el abandono.

Seguir moviéndose hasta que alguien nos vea, autoría y dirección de Manuel Cruz Vivas, surge de la necesidad de hablar del sinsentido, el vacío y el profundo dolor que genera la pérdida de un igual, una amiga, un conocido, una madre, un hermano, un ser amado, la identidad.

Con las actuaciones de Ingrid Cebada y Edgar Landa, esta obra se presenta en el Foro de las Artes del Cenart hasta el 15 de marzo de 2020, con funciones los jueves y viernes, a las 20:00 h; sábados, 19:00; y domingos, 18 h. Los boletos tienen un costo de $120 y los jueves, precio especial de $30.

La obra Pulso es un proyecto orientado hacia el teatro físico que tiene como punto de partida la exposición sensorial almacenada en el cuerpo a partir de ciertas conclusiones sobre las relaciones humanas de pareja. Pulso busca la relación de los cuerpos, el espacio, la música, la iluminación y cómo estos elementos componen y afectan en su totalidad al ser humano.

El elenco de Pulso está conformado por Mauricio Rico, Ariana Candela Michel, Belén Mercado y Edgar Landa. La dramaturgia es de Manuel Cruz Vivas y la dirección de Alejandra Escobedo.

Las funciones serán del 19 al 29 de marzo, los jueves y viernes a las 20:00 h; sábados, 19:00; y domingos, 18 h, en el Foro de las Artes. Los boletos tienen un costo de $120 y los jueves, precio especial de $30. Están a la venta a través del sistema Ticketmaster y en las taquillas del Cenart.

Foro A Poco No

Dir. Maribel Michel

Miguel Ángel Palmeros

V Festival Internacional de Danza Contemporánea Unipersonal

Con la participación de artistas mexicanos y extranjeros, la fiesta dancística es un encuentro de talentos jóvenes, solistas con trayectoria y creadores consolidados
El avance del festival se presenta, durante tres únicas fechas, del 20 al 22 de marzo

  C  on el propósito de difundir y promover el arte dancístico en México, el Festival Internacional de Danza Contemporánea Unipersonal “Cuerpo al Descubierto” Miguel Ángel Palmeros realiza la Primera Llamada de su quinta edición, bajo la dirección de la bailarina y coreógrafa mexicana Maribel Michel.

Como un avance de la programación con la que contará el encuentro dancístico, que se llevará a cabo en octubre en diferentes sedes de la Ciudad de México, el espectáculo es un impulso a creadores locales, nacionales e internacionales de diferentes estilos de movimiento, que tiene la finalidad de acercar la Danza Contemporánea a todo tipo de público y volver este arte un instrumento para lograr metas sociales como la inclusión, la diversidad, la igualdad, la multiculturalidad y la tolerancia.

La propuesta reúne talentos provenientes de los estados de Baja California, Coahuila, Jalisco, Nuevo León, Oaxaca, San Luis Potosí, Tabasco y Ciudad de México, así como de países como El Salvador. Se presenta en el formato de Muestra de Solistas, que subraya el legado cultural de los participantes y está dividida en tres categorías: Jóvenes Artistas (con máximo 35 años edad), Solistas con trayectoria (de 36 a 50 años) y Creadores Consolidados (de 51 años en adelante).

Cuerpo al descubierto realza la figura del intérprete, al mismo tiempo que procura conjugar la calidad de la obra (el uso de la dinámica en el movimiento, la sorpresa, los contrastes, la tensión, la precariedad del equilibrio o la suspensión, el manejo del espacio y la estructura) y la calidad interpretativa (qué decir, cómo decirlo, porqué decirlo, qué nos lleva a decirlo y a quién decirlo).

Al utilizar el cuerpo como un medio de expresión para reflejar la visión y el lenguaje del coreógrafo, el bailarín imprime emociones, vivencias y sensaciones al movimiento que permiten al espectador advertir su vulnerabilidad y apreciar su personalidad desde una perspectiva íntima que provoca identificación, perturbación y que pone en activo la memoria reflexiva.

El elenco incluye la participación de Luis Neri, Jorge Guillén, Antonio Soria, Alejandra Marrufo, Sergio Magallón y Gabriel Ledón, en la categoría de Jóvenes Artistas. Ulises Gonzáles, Yuridia Ortega, Elliot Islas, Itzel Zavaleta y la misma Maribel Michel (directora del festival) participan en la categoría Solistas con Trayectoria. Por su parte, Creadores Consolidados está conformado por Isabel Beteta, Ugo Ruíz, Olga Rodríguez, Tonio Torres y Rosario Armenta.

Primera Llamada del V Festival Internacional de Danza Contemporánea Unipersonal “Cuerpo al Descubierto” Miguel Ángel Palmeros se presenta del 20 al 22 de marzo, en el Foro A Poco No (República de Cuba 49, colonia Centro Histórico, cerca del Metro Allende) los días viernes a las 20:30 horas, sábado a las 19:00 y domingo a las 18:00 horas. Entrada general: 174 pesos. Descuento de 50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. Sujeto a disponibilidad y aplican restricciones.

Para consultar completa la programación de Teatros de la Ciudad de México visite: www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. Asimismo, descargue (sistemas operativos Android e IOS) la aplicación de TeatrosCDMX.

de la Compañía Nacional de
Danza ofrecerá coreografías
de Nacho Duato y Uwe Scholz

Por vos muero y Tercer concierto para piano de Rachmaninov forman parte del Programa III de su Temporada 2020; funciones sábado 29 de febrero a las 13:00 y 19:00

  L  a Compañía Nacional de Danza (CND) del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) escenificará en el Palacio de Bellas Artes dos coreografías que han sido aclamadas a nivel internacional: Por vos muero, del español Nacho Duato, y Tercer concierto para piano de Rachmaninov, de Uwe Scholz, uno de los coreógrafos alemanes más importantes del siglo XX.

En la Gala contemporánea, la CND presentará por primera vez, el sábado 29 de febrero a las 13:00 y 19:00 horas, estas coreografías. En 2019 estrenó la obra de Duato en el marco de la Temporada de primavera, mientras que la de Scholz en la función conmemorativa por el 85 aniversario del Palacio de Bellas Artes.

Por vos muero es un homenaje al papel que la danza española del medievo (siglos XV y XVI) representó para la sociedad de aquel entonces, con versos de Garcilaso de la Vega, recitados en voz en off por el cantante Miguel Bosé y con melodías del especialista en música histórica antigua Jordi Savall.

Tercer concierto para piano de Rachmaninov es un ballet sinfónico en tres movimientos, con vestuario inspirado en el estilo del pintor y precursor del arte abstracto Vasili Kandinsky. Es una obra que en todo momento está en correspondencia con la partitura, en la cual la música es la guía de los pasos coreográficos y en la que, cada nota e instrumento, tienen un verso interpretado por un profesional de la danza, de acuerdo con su repositora oficial Roser Muñoz.

Interpretar creaciones coreográficas que han tenido éxito en otros foros internacionales, con toda la plantilla artística, técnica y administrativa de la CND, además de ser un reto para bailarines y maestros, conlleva poner a una de las compañías de danza más importantes del territorio mexicano en el ojo mundial y, a su vez, abrir el espacio de colaboración con otras personalidades dancísticas que antes no habían trabajado en el país.

Con dos funciones en total el sábado 29 de febrero a las 13:00 y 19:00 horas, ambas piezas se representarán como parte del Programa III de la Temporada 2020 de la agrupación dancística del INBAL en el recinto de mármol. Los boletos ya están a la venta en taquillas y a través del sistema Ticketmaster.

bailarina y coreógrafa que 
revolucionó la danza moderna

Nació el 9 de febrero de 1910 en Estados Unidos. Llegó a México en 1939, a través de sus coreografías renovó la danza

  C  readora de obras que revolucionaron a nivel internacional la concepción de la danza, la bailarina y coreógrafa Anna Sokolow, de origen estadounidense y ascendencia polaca, dejó una profunda huella en México donde enseñó su técnica dancística y creó algunas de sus mejores coreografías.

Anna Sokolow, nació en Hartford, Connecticut, el 9 de febrero de 1910; sus padres Samuel y Sara Sokolowski fueron inmigrantes rusos, quienes decidieron en 1912 mudarse a Nueva York.

Debido a que el padre de Anna era hospitalizado constantemente, su madre se convirtió en el principal sostén de la familia. Por ello la relación entre ambos no fue tan cercana. De su madre, quien perteneció al Sindicato de Trabajadoras de Damas y al Partido Socialista, heredó el carácter fuerte.

La bailarina acompañaba a su madre a las actividades sindicales, pero también asistía a eventos culturales, como danza, teatro y música, entre otras. Un día su madre la llevó a un Centro Social Comunitario donde comenzó a practicar la danza a la edad de 10 años, pero al ver sus aptitudes, la directora del lugar le recomendó que fuera a una escuela profesional e ingresó al Neighborhood Playhouse, donde la propia Sokolow comentó: “Ahí comenzó todo para mí”.

Anna tomó sus primeras clases de baile en el Emanuel Sisterhoods of Personal Service con Elsa Pohl, de quien aprendió la danza interpretativa al estilo de Isadora Duncan. Estudió con Blanche Talmud, Irene Lewisohn y Bird Larson.

En el Neighborhood Playhouse, Anna conoció a Martha Graham y Louis Horst, quienes fueron invitados para impartir clases e influyeron de manera significativa en la bailarina en cuanto a la técnica e interpretación, así como en la forma de escuchar música.

Anna bailó en la compañía de Martha Graham, una de las fundadoras de la danza moderna estadounidense entre 1930 y 1939. En 1934 formó su primer grupo de bailarines con el cual realizó una gira por la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas.

A su llegada a México en 1939, para dar algunas funciones por invitación de Carlos Mérida, Sokolow decidió quedarse un tiempo para enseñar su técnica y elaborar sus coreografías.

Fundó el Grupo Mexicano de Danzas Clásicas y Modernas con las alumnas de la Escuela Nacional de Danza, el cual se presentó

dominó 12 técnicas pictóricas, escribió poesía, incursionó en la música y practicó el performance
La poeta, pintora y modelo mexicana, Carmen Mondragón cumple 42 años de haber fallecido; incursionó en diversas disciplinas artísticas dejando un amplio legado

  E  l pasado 23 de enero se cumplieron 42 años del fallecimiento de la poeta, pintora, pionera del feminismo, musa y modelo del arte mexicano del siglo XX, Carmen Mondragón Valseca —mejor conocida como Nahui Olin—, rodeada de sus queridos perros y gatos en el poniente de la Ciudad de México.

Nahui Olin vivió una vida llena de libertad y sabiduría y con su propia experiencia marcó el camino de las artes y las luchas libertarias del siglo XX. Al final de su vida, el 23 de enero de 1978, murió, dicen unos, en el olvido y el abandono, y otros, que nunca perdió la línea aristocrática. Lo cierto es que en los años recientes se le ha reconocido y homenajeado por las instituciones como una de las mujeres que han dejado huella en la historia de nuestro país.

Carmen Mondragón nació el 8 de junio de 1894 en el seno de una familia educada en la disciplina y la severidad. Su padre fue el general Manuel Mondragón, aliado de Victoriano Huerta, estigma que la persiguió en su vida. Carmen Mondragón se casó con el pintor Manuel Rodríguez Lozano y vivió en Europa de 1914 a 1921.

En ese tiempo se relacionó con personajes como Picasso, Braque y Matisse, quienes la animaron a incursionar en el arte y a interesarse en los movimientos sociales. Con un matrimonio derruido, regresó a México y entabló contacto con artistas como el fotógrafo Edward Weston y el pintor Diego Rivera, para quienes modeló en muchas obras emblemáticas, y con Tina Modotti, Frida Kahlo, Antonieta Rivas Mercado y Lupe Marín, con quienes hizo vida social.

Ya conocida en el medio artístico y cultural mexicano, se unió al pintor Gerardo Murillo Dr. Atl, quien le dio el nombre de Nahui Olin (en náhuatl, Quinto Sol). Durante más de 50 años, Carmen Mondragón creó una vasta obra pictórica que profundizó en la sensualidad y el erotismo y un amplio y singular corpus literario que oscila entre el apunte autobiográfico, la poesía lírica y la indagación filosófica que refleja una enorme necesidad de conocerse a sí misma, dice la escritora e investigadora Beatriz Saavedra.

“Pinta y escribe de ella misma para reconocerse, pero también lo hace sobre el mundo, la física, el erotismo y las formas espirituales; además, escribe cosas científicas y, al delinear en papel sus propias emociones y los más intensos y profundos deseos de su cuerpo, va hilando dentro de su poética humanista sus excentricidades y plasma su gran libertad de expresión y autoconocimiento”, agrega la también poeta y colaboradora de la Capilla Alfonsina.

La especialista destaca que en Nahui Olin sobresalen la pasión artística y la libertad con que defendía todos los aspectos de su vida. Fue una mujer sumamente inteligente y con una intensidad que le daba una lucidez incalculable; además, es un referente en el desarrollo de la mujer mexicana y habría que profundizar en el estudio de su obra.

Más aún, señala: “Nahui Olin iba más allá de los límites de la sociedad, y si se le tuviera que definir en una sola palabra esa sería ‘intensidad’. Tenía una manera desprejuiciada y libre de vivir, de sentir y desenvolverse dentro de la sociedad y la expresión artística.

“Junto con Frida Kahlo, Guadalupe Marín y Tina Modotti, fue pionera en el replanteamiento del papel de la mujer dentro de la sociedad. Nahui fue una visionaria que abrió caminos en la cultura, en la sociedad y en el arte”.

De igual forma, la poeta y editora Noemí Luna califica a Nahui Olin como una mujer sorprendente, polifacética y fuera de serie, ya que manejó y dominó 12 técnicas pictóricas, escribió poesía desde los 10 años, incursionó en la música, practicó el performance y vivió más de ocho años en una cultura nueva y ajena (Francia), y en todos los casos dejó un amplio legado que aún espera ser analizado y revalorado.

Diego Rivera la inmortalizó en su mural La creación, donde aparece como Erato, la musa de la poesía erótica.

fusionó las raíces mexicanas con expresiones dancísticas internacionales

El bailarín y coreógrafo nació el 12 de enero de 1908 en
Culiacán, Sinaloa

  P  ilar de la danza moderna, creador de técnicas coreográficas que siguen vigentes y el primero en resaltar el papel masculino en las compañías de danza, el bailarín y coreógrafo José Limón dejó un legado en el que fusionó sus raíces mexicanas con expresiones dancísticas internacionales.

Considerado por el New York Times como “el más fino bailarín masculino de su tiempo”, después de una presentación en 1947, José Limón fue reconocido a nivel mundial, ya que fue creador de casi 100 coreografías, entre ellas La pavana del moro, con música de Purcell, que es sin duda su pieza más famosa, incluida en el repertorio de diversos ballets y compañías extranjeras.

Nacido el 12 de enero de 1908 en Culiacán, Sinaloa, José Limón emigró con su familia a Estados Unidos en 1915, huyendo de la Revolución Mexicana. En aquel país realizó sus estudios y surgieron sus primeras coreografías musicalizadas por los compositores Carlos Chávez y Silvestre Revueltas, como Los cuatro soles, una pieza sinfónica sobre el mito azteca de la creación.

El 30 de marzo de 1951 estrenó Tonantzintla, obra que recrea la época colonial del siglo XVIII, con música de Fray Antonio Soler, orquestada por el compositor español Rodolfo Halffter. Miguel Covarrubias se encargó del vestuario y la escenografía, que presentaba como telón de fondo la nave de la iglesia de Santa María Tonantzintla, en Puebla.

El inicio de José Limón en la danza se realizó de manera fortuita, después de ver una presentación de los bailarines Harald Kreutzberg (Alemania) e Ivonne Georgia, en Nueva York. “Lo que presencié simple e irrevocablemente me cambió la vida. Vi la danza como una visión de poder inefable. Un hombre puede, con dignidad y torrencial majestuosidad, bailar. Bailar como las visiones de Michelangelo y como baila la música de Bach”, dijo el bailarín en una entrevista.

A sus 20 años, José Arcadio se inscribió en el estudio de Doris Humphrey y Charles Weidman, en el que demostró su aptitud para la danza y debutó a los pocos meses en el musical Americana, convirtiéndose en bailarín solista de la compañía durante muchos años. Fue también cuando empezó a crear sus primeras coreografías: Etude in D Minor, Bacchanale, Mazurca y Danzas mexicanas, entre otras.

En 1946, después de prestar su servicio militar por la Segunda Guerra Mundial, creó su propia compañía, la Limon Dance Company, en la que desarrolló un estilo y técnica propios que aplican actualmente muchos bailarines. En 1951 ingresó como profesor en Juilliard, en Nueva York.

Su técnica se basa en el uso de la gravedad y el peso, también explora el uso de la respiración y su efecto en los movimientos. En el texto El lenguaje de la danza, traducido y publicado en el periódico El Universal en 1960, José Limón asegura que la danza tiene un principio básico: “Debe tener su fuente vital y su impulso en la respiración de los pulmones, en los latidos del corazón. Debe ser intensa y completamente humana, pues de lo contrario serán movimientos gimnásticos y la danza resultará mecánica y vacía”.

Algunas de sus coreografías son: Canción y danza (1933), Danza de la Muerte (1937), La Malinche (1947), El Grito (1953), The Unsung (1970), Carlota (1972), The Traitor, que tuvo su premier en 1954 y fue una respuesta de Limón a la “cacería de brujas” del macartismo, originada entre 1950 y 1956, época en la que el senador de Wisconsin, Joseph McCarthy, desencadenó una serie interminable de delaciones, denuncias, procesos irregulares y listas negras contra simpatizantes de la izquierda.

También destacan Psalm, inspirada en el judaísmo; Missa Brevis, coreografía a la música creada durante la ocupación nazi en Hungría por el compositor Zoltán Kodály, inspirada en un viaje de Limón a Polonia; Suite From a Choreographic Offering, tributo a su mentora Doris Humphrey, con quien Limón fundó su compañía y de la que fue directora artística hasta su muerte en 1958.

La agrupación de José Limón fue la primera en bailar en el Lincoln Center de Nueva York en 1963 y la primera en visitar Asia, Europa y América del Sur como parte de un programa de intercambio cultural del Departamento de Estado en 1954.

Luego de la muerte de Limón el 2 de diciembre de 1972, en Flemington, Nueva Jersey, la bailarina y coreógrafa Carla Maxwell asumió la dirección de la Limon Dance Company.
El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura cuenta con el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la Danza José Limón, en memoria del maestro de danza sinaloense.