Con el apoyo de la UNAM, este recinto del INBAL comparte un recorrido desde un dron de sus instalaciones

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través del Museo Mural Diego Rivera, en coordinación con el equipo de Ingeniería Geomática de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), realizaron un levantamiento topográfico de dicho recinto museístico con tecnología de escáner, GPS y uso de drones, a fin de actualizar los planos existentes, conocer las instalaciones y repensar su uso adecuado.

El resultado de este trabajo de investigación permitió generar un video que es un recorrido aéreo desde el Palacio de Bellas Artes, pasando por la Alameda Central, hasta llegar al Museo Mural Diego Rivera, en el cual se puede apreciar la exposición Gerardo Cantú, un mismo amor, vivencias y videncias, presentada en 2016, así como el mural Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central de Diego Rivera.

El video Viaja por las alturas desde la Alameda Central al MMDR se podrá disfrutar a través de la plataforma Contigo en la distancia: http://contigoenladistancia.cultura.gob.mx/. Las nuevas tecnologías también permitieron conocer los detalles específicos de estructura y espacio del Museo, los cuales se podrán disfrutar también en la grabación.

Tecnología para la cultura

El levantamiento topográfico se realizó con apoyo del equipo de Ingeniería Geomática de la UNAM, a cargo del ingeniero Roberto de la Cruz, con el fin de actualizar los planos existentes del terreno e incluir otros nuevos, así como dar a conocer la importancia de la Licenciatura Ciencias de la Tierra de la UNAM.

Para ello, se recurrió a un escáner 3D Leica RTC360, que a través de millones de puntos recolecta una imagen similar a otra tomada previamente, incluso en medidas y proporciones, lo cual representa una alternativa para reparar obras arquitectónicas dañadas.

La tecnología del escáner, del GPS y del dron facilitaron el trabajo. Gracias a su uso se recolectaron características y especificaciones como medidas, proporciones y capacidad de los elementos al paso de este recorrido.

El Cerro de Guadalupe, el Valle de México, la Barranca del Muerto, San Ángel, la Alameda y la cañada de Metlac, son lugares que inspiraron a José María Velasco para enriquecer su obra paisajista de los siglos XIX y XX, y en la que comparte sus conocimientos de arquitectura, antropología, botánica, geología y paleontología.

A 180 años de su natalicio, la obra pictórica de José María Velasco (1840-1912) es recordada por hacer del paisajismo un lugar de celebración de la riqueza natural de México, a la cual supo incorporar, de manera visionaria, imágenes del proceso transformador de las zonas urbanas y rurales del país constituyéndola en patrimonio y símbolo de identidad nacional.

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través del Museo Nacional de Arte (Munal), recuerdan al pintor, dibujante y docente, cuya obra es tema de reflexión este lunes 6 de julio a las 18:00 horas con la conferencia virtual Velasco y la modernidad. Paisaje y progreso material, a cargo del curador Víctor Rodríguez Rangel.

La transmisión en vivo estará disponible en redes sociales del Museo Nacional de Arte (Facebook Live), en la cual se hablará de la actividad del artista plástico mexiquense como paisajista e ilustrador durante el periodo comprendido entre la República restaurada y el gobierno porfirista, etapa en la que proyectó, a través de su pintura, los símbolos del progreso transformador. En su ponencia, Rodríguez Rangel compartirá cómo la obra de Velasco es testigo de los cambios que el paisaje mexicano ha registrado a través del tiempo.

Su pintura, una celebración

A José María Velasco y Gómez-Obregón, originario de Temascalcingo, Estado de México, donde nació el 6 de julio de 1840, se le reconoce como el mayor exponente del paisajismo mexicano del siglo XIX.

En su formación artística destaca su ingreso a la Academia de Bellas Artes de San Carlos, en la cual fue alumno de Santiago Rebull, Pelegrín Clavé, Manuel Carpio y del italiano Eugenio Landesio. A los 18 años ingresó como profesor de Perspectiva en la Escuela Nacional de Bellas Artes y cuatro años después ya era titular de la clase de Paisaje. Además fue inspector de Dibujo y Escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes (1910).

Se estima que durante 44 años creó cerca de 300 pinturas al óleo, así como acuarelas, litografías y pinturas en miniatura, obra en la que destacan sus paisajes del Valle de México y con la que logró que la pintura mexicana alcanzara reconocimiento internacional.

Entre los reconocimientos que obtuvo destacan: Medalla de Oro de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes (1874 y 1876); medalla en la Exposición Internacional de Filadelfia (1876), primer premio de la Academia Nacional de México (1878), la medalla de la Exposición Universal de París (1889), la Medalla de Oro del Centenario de Colón (Madrid, 1893) y la medalla de la Exposición de Bellas Artes de Puebla (1900).

Sin embargo, el legado del artista no se limita al género del paisaje, también comprende las ciencias naturales y sociales. Velasco tuvo inclinación por materias como arquitectura, antropología, botánica, geología y paleontología, además de crear una serie de estampas sobre la evolución de la flora y fauna terrestre y marina, que convirtió en fuente de estudio de la ciencia en México, por lo que en 1881 fue nombrado presidente de la Sociedad Mexicana de Historia Natural.

Cabe señalar que el Diario Oficial de 8 de enero de 1943 decreta Monumentos históricos toda clase de obras plásticas de José María Velasco, debido al excepcional valor artístico que la Comisión de Monumentos del INAH otorga a la obra pictórica del pintor mexiquense.

Acervo en el Munal

El Museo Nacional de Arte del INBAL cuenta con varias obras del maestro mexiquense que incluyen paisajes y estudios botánicos y anatómicos, en las que destacan: Cardón, estado de Oaxaca; Cascada del Rincón Grande; Castillo de Chapultepec; Bahía de la Habana; Evolución de la vida continental en el globo terrestre. Estudio geológico y Cañada de Metlac, esta última de importancia debido a la presencia de una locomotora, símbolo del progreso material realizado durante el gobierno de Porfirio Díaz. Uno de sus cuadros más famosos es La Alameda de México (1866), pintado durante el Segundo Imperio Mexicano.

La escultura conocida como el Adolescente Huasteco es una de las piezas maestras del arte mesoamericano y un ejemplo característico de la escultura huasteca. Fue localizada en la ciudad prehispánica de Tamohi, en el municipio de Tamuín, San Luis Potosí, en la parte superior de un enorme basamento de dos cuerpos conocido como Estructura Oeste. Fue tallada en piedra arenisca y mide 145 cm de altura.

Esculpido con una delicada destreza, representa a un individuo joven masculino, erguido, desnudo, con deformación craneana, dientes superiores limados y grandes orificios en los lóbulos de las orejas para portar orejeras. También se pueden ver los restos de lo que fue su tabique nasal perforado para llevar nariguera. Su desnudez lo califica como deidad, rasgo característico de las deidades huastecas. Lleva la mano derecha cerrada sobre el pecho, formando un hueco tubular en actitud de sostener algo, por lo que se cree que la función de la pieza fue como portaestandarte.

 En la parte posterior, colgando de una banda, lleva a cuestas a otro personaje más pequeño, quizás un infante, que lleva la cabeza volteando hacia arriba. También presenta deformación craneal y grandes orejeras. Algunos investigadores han propuesto que la figura en conjunto representa a Quetzalcóatl que carga al Sol en su espalda. Otros estudiosos lo han interpretado como Cipak, el joven dios del maíz que carga a su padre para introducirlo a la civilización sedentaria.

 Los rasgos más característicos de esta escultura son los diseños que tiene tallados en el cuerpo, los cuales pudieran representar tatuajes o pintura corporal de complejo significado simbólico. La mitad de su cuerpo se encuentra profusamente decorado con diseños, entre los cuales se pueden ver mazorcas de maíz, cuentas de piedra verde, la serpiente de agua y signos relacionados con el culto a Ehécatl-Quetzalcóatl.

Dra. Laura del Olmo Frese
Subdirección de Arqueología, MNA

Códice recopilado en 1552, en el Colegio de Santa Cruz de Santiago Tlatelolco por los médicos nahuatlatos Martín de la Cruz y Juan Badiano para preservar el conocimiento originado 7 mil años atrás, sobre el cultivo de las plantas y flores nativas mesoamericanas. La presente reedición facsimilar se dedica a reconocer el trabajo campesino que se ha mantenido sin interrupción. Esa labor milenaria ha conservado vivo el conocimiento y ha contribuido a preservar la diversidad evolutiva y la riqueza cultural de México.

Esa reflexión sobre los lazos profundos que unen al conocimiento conservado en libros o códices depositados en bibliotecas o en los jardines etnobotánicos, verdaderos repositorios derivados de la reproducción de las plantas y los saberes ancestrales: herbolarios, medicinales, gastronómicos, de utilización de fibras para textiles, colorantes, edulcorantes, cosméticos y demás conocimientos científicos y aplicados al desarrollo de las comunidades campesinas y de la sociedad, que preservan la diversidad del mundo natural y su diversidad cultural (Moreno Toscano, 2020).

A través del esfuerzo impulsado por la Secretaría de Relaciones Exteriores, la Secretaría de Cultura, y el Instituto Nacional de Antropología e Historia a través de la Biblioteca Nacional de Antropología e Historia se presenta una renovada edición impresa y electrónica del Códice de la Cruz-Badiano disponible de manera libre y gratuita.

Planeado en el seno de la Cátedra Monsiváis, compilará los artículos aparecidos en las revistas Proceso y Nexos, donde ambos escritores debatieron sobre la deriva de la política mexicana

Los historiadores Luis Barjau y Carlos San Juan anunciaron la próxima publicación de la obra durante el segundo conversatorio dedicado a Monsiváis por su 10º aniversario luctuoso.

Ubicados en las antípodas de la intelectualidad mexicana, entre diciembre de 1977 e inicios de 1978, bajo corrientes ideológicas distintas, Carlos Monsiváis y Octavio Paz protagonizaron una célebre polémica en los números 57 al 63 de la revista Proceso que, a su vez, motivó la discrepancia de otros intelectuales en Nexos. A poco más de cuatro décadas de distancia, este debate será revisitado en un nuevo libro: Paz y Monsiváis en debate, próximo a publicarse.

A modo de adelanto y en el marco del homenaje nacional que el Gobierno de México rinde a Monsiváis, para recordarlo en su décimo aniversario luctuoso, Luis Barjau y Carlos San Juan, investigadores del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), anunciaron, vía remota, este volumen cuyo estudio preliminar estará a su cargo.

La publicación, planeada en el seno de la Cátedra Monsiváis fundada hace un lustro por la Dirección de Estudios Históricos del INAH —centro de estudios al que perteneció el reputado escritor y crítico—, reunirá los artículos escritos por los “contendientes”, donde debatieron los senderos de la derecha y la izquierda mexicanas.

En el segundo conversatorio virtual, organizado por la DEH en consonancia con la campaña “Contigo en la Distancia”, de la Secretaría de Cultura, los historiadores Barjau y San Juan rememoraron que en 1977, Paz recibió el Premio Nacional de Letras, y a este propósito el periodista Julio Scherer le realizó una entrevista que apareció en la revista Proceso.

Las dos entregas fueron encabezadas de la siguiente manera, retomando las declaraciones del poeta: “La conciencia es lo contrario de la razón de Estado” y “Veo una ausencia de proyectos. Las ideas se han evaporado”.

El joven, pero no menos sagaz, Carlos Monsiváis, replicó a varias de las ideas expuestas por Paz, dando lugar al que, quizás, puede considerarse el debate entre intelectuales mexicanos más trascendente de finales del siglo pasado.

“El año 1977 fue importante para nuestro país porque concluía un periodo muy agitado, en que se debatió el cambio de modelo de desarrollo del país: O bien, México se convertía en una potencia capitalista o intentaba regresar a sus raíces y ahondar la justicia social. Las crispaciones estaban a la orden del día; y justo ese año llegó al poder el nuevo tlatoani, José López Portillo, y empezó una nueva administración con la bandera de la apertura.

“Es en este contexto donde se dio el debate entre Paz y Monsiváis, aunado al periodismo crítico que se afianzó pese al llamado golpe al periódico Excélsior, con la figura de Scherer. Proceso y la revista Plural, creada por Paz, serán los dos nuevos foros que van a abanderar el resurgimiento del periodismo cultural y crítico de manera impresionante”, explicó San Juan.

Acerca del perfil de los “adversarios”, Barjau, coordinador de la Cátedra Monsiváis, sostuvo que si Paz fue intelectual de renombre internacional, cuya obra mereció el Premio Cervantes, en 1981, y el Nobel de Literatura, en 1990; en Monsiváis predominaron los reconocimientos de orden nacional como el de Periodismo (1977), Mazatlán de Literatura (1988) y Xavier Villaurrutia (1995), entre muchos otros.

“En dicha repartición hay una diferencia que es de enorme interés biográfico, fenomenológico e intelectual. Octavio Paz luchó por forjarse una formación cosmopolita, mientras que Carlos Monsiváis prefirió compenetrarse con la problemática política y cultural de la nación.

“Esa diferencia está reflejada en la polémica. El reparo de Monsiváis a las opiniones de Paz, es que no tenía precisión de los movimientos, las acciones políticas desarrolladas por la izquierda en los sindicatos, en las zonas campesinas, etcétera, sino que hacía abstracciones. Esto es lo que argumentaba el cronista”, apuntó Barjau.

San Juan, editor de la revista Con-Temporánea de la DEH, abundó que Octavio Paz provenía de una generación que, aunque influenciada por el socialismo, experimentó el horror del socialismo burocrático y al paso de los años se fue decantando por una posición muy crítica respecto al mismo. Mucho años antes de la caída del Muro de Berlín, en 1989, los trotskistas de los años 20 ya advertían que se trataba de un socialismo pervertido.

“Paz es de esta generación que atraviesa los años 30, 40, y en los 50 se desliga del movimiento. En cambio, Monsiváis tiene que ver con otro fenómeno que nace por 1955, donde la intervención de la URSS en Hungría va a generar una reacción de jóvenes intelectuales que van a criticar, pero bajo otra perspectiva, pugnando por un socialismo democrático y esa vertiente va a ser una de tantas que alimentaron lo que se dio por llamar ‘la nueva izquierda’, la cual intentaba reconstruir la propuesta de emancipación del antiguo socialismo, pero sobre nuevas bases”.

En el nuevo libro, el cual se espera publicar este 2020, San Juan y Barjau pretenden ser objetivos, considerando que las figuras son dos “titanes” de la cultura mexicana: “He aquí dos razas distintas de pensadores, y la fricción que se dio en la disputa que ahora concentramos en este volumen, es de enorme valor académico, político y general. Nos permite observar lo universal que hay en nuestra singularidad, lo serio, lo frívolo, lo artístico y también la complejidad de nuestra idiosincrasia”, concluyeron.

La literatura infantil es un universo de posibilidades en donde el orden de las cosas no es necesariamente como lo conocemos, donde la realidad se retuerce y puede adquirir otro sentido.

Una realidad sin palabras, un mundo fantástico con dragones y guerreros, una señora malvada que castiga a sus hijos incluso cuando se portan bien, un elefante que se convierte en rey, un joven que resuelve misterios en África, animales ponzoñosos preocupados porque ya no asustan, un pingüino perdido en su soledad, una estrella a la cual alcanzar, un conejito blanco que desearía ser negro, una niña peculiar que lucha por recuperar el tiempo perdido; estas y otras increíbles propuestas narrativas pueden encontrarse en los libros de corte infantil, que lejos del pensamiento adultocéntrico, no se tratan de obras inferiores o mínimas, sino de un cosmos harto complejo e interesante cuyos lectores son un público exigente.

La literatura infantil es un universo de posibilidades en donde el orden de las cosas no es necesariamente como lo conocemos, donde la realidad se retuerce y puede adquirir un sentido precioso, misterioso, tenebroso e incluso esclarecedor de lo cotidiano.

Los libros infantiles son muy diferentes a los libros comunes u ordinarios, pues se tratan de piezas completas que en la mayoría de los casos conjugan literatura e ilustración, verdaderos dispositivos de la imaginación.

Las niñas y niños necesitan de la literatura para soñar, pensar, aprender, conocer, alentarse, jugar, vivir, sobrevivir y escapar. La literatura infantil es un motor creativo cuyo alimento es la magia, el misterio, la belleza y el sentido del humor.

Idealmente todo niño y niña debería tener acceso a las historias y realidades que presentan los libros infantiles porque son los cimientos de un futuro lleno de aprendizaje y conocimiento; esta es la razón por la que cada año se celebra el Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil, que se conmemorada el 2 de abril en honor al nacimiento de Hans Christian Andersen, poeta danés que es autor de importantes historias infantiles como La pequeña cerillera, El patito feo, La sirenita, entre otros.

La misión de esta conmemoración es fomentar la lectura en las nuevas generaciones, acercar los libros a los niños y motivar que se sumerjan y anclen en sus historias.

Monstruos mexicanos

Este texto autoría de Carmen Leñero y con ilustraciones de Kamui Gomasio y Marcos Castro es un paseo por el folclore y la cultura popular mexicana, pues en sus páginas recoge monstruos que viven en los mitos y leyendas que se transmiten a través de la tradición oral y que ocupan un lugar importante en el imaginario colectivo y la literatura popular mexicana.

En el texto se pueden hallar perfiles ficticios de la Serpiente de siete cabezas, Tukákame, los aluxes, Waay Chivo, la serpiente de fuego, los chaneques y la serpiente Tsukán, Sinsimio, entre otros.

Puedes descargar el libro para su lectura aquí:https://bit.ly/33Y90wn

“DICEN LOS HUICHOLES QUE EN LOS PRINCIPIOS DEL TIEMPO, no había en el mundo más luz que la de la Luna, lo que traía muchos inconvenientes a los hombres. Reuniéronse entonces los principales de ellos para ver la manera de dotar al mundo de mejor luz, y le rogaron a la  Luna que les enviase a su único hijo, muchacho cojo y tuerto. Comenzó ella por oponerse, pero consintió al fin. Diéronle al muchacho un vestido de ceremonia, con sandalias, plumas y bolsas para tabaco; lo armaron de arco y flechas, y le pintaron la cara, arrojándolo luego a
un horno donde quedó consumido. Pero el muchacho resucitó, corrió por debajo de la tierra, y cinco días después apareció el Sol.
Cuando éste irradió su luz sobre la tierra, todos los animales nocturnos (los jaguares y leones monteses, los lobos, los coyotes, las zorras y las serpientes) se irritaron muchísimo y dispararon flechas contra el astro del día. Su calor era grande y sus deslumbrantes rayos cegaban a los animales nocturnos, obligándolos a retirarse con los ojos cerrados a las cavernas, a los charcos y a los árboles; pero si no hubiera sido por la ardilla y el pitorreal no hubiere podido el Sol completar su primer viaje por el cielo. Éstos fueron los dos únicos animales que lo defendieron; hubieran preferido morir antes que dejar que se diera muerte al Sol, y le pusieron tesgüino en el ocaso para que pudiera pasar. Los jaguares y los lobos los mataron, pero los huicholes ofrecen sacrificios hasta el presente a aquellos héroes y dan a la ardilla el nombre de Padre” (Lumholtz, 1904 [1902], 2: 106-107).

Descubre la Cultura Huichol en este micrositio.

https://universoshuicholes.inah.gob.mx/home.html#inicio

• Hereda un extenso trabajo plástico, con importantes aportaciones artísticas, que tendrá eco en múltiples generaciones de creadores
• Museos del INBAL realizarán un ejercicio de memoria con homenaje virtual al artista zacatecano y posteriormente, al regreso de la actividad cultural

• A 87 años de su nacimiento, el INBAL recuerda al escritor, periodista, académico e ingeniero civil

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, recuerda a Vicente Leñero, escritor, periodista, académico e ingeniero civil que sobresalió por desarrollar una prolífica obra literaria cargada de naturalidad y precisión, la cual abarcó géneros como el teatro, la narrativa, el ensayo y el guion cinematográfico.

Vicente Leñero Otero nació el 9 de junio de 1933 en Guadalajara, Jalisco. Sus padres le inculcaron el amor por las letras y la lectura, orientación que lo preparó desde temprana edad para que tomara su camino como escritor.

Cursó sus primeros años de formación académica en su ciudad natal. Cuando terminó el bachillerato viajó a la Ciudad de México para ingresar a la carrera de Ingeniería civil en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde se graduó. Posteriormente inició estudios en la Escuela de Periodismo Carlos Septién García. A partir de entonces hizo de la escritura su más grande pasión. En 1959 dio a conocer su primera publicación: La polvareda y otros cuentos.

Su estilo literario se caracterizó por el uso de un lenguaje sencillo, preciso y con toques de ironía. Su obra, de carácter realista, fue desarrollada con profundidad y reflejó la realidad de la sociedad mexicana con sus diversos matices.

Los temas que abordó fueron variados, entre éstos la vida, la religión, el ajedrez y la literatura misma, siempre desde lo ameno y atractivo. Su buen humor le hizo ganar un amplio público, tanto nacional como internacional.

“Vicente Leñero fue un escritor que incidió en los distintos géneros de la literatura, y en cada uno de ellos brilló por sus propuestas experimentales, su rigor literario y su calidad artística. No se conformó con escribir y ya, sino que en cada novela, en cada obra de teatro, en cada cuento y en cada reportaje se ponía retos estructurales y proponía formas narrativas y escénicas diferentes, lo que lo llevó a lugares insospechados”, compartió la dramaturga y periodista Estela Leñero Franco, hija del escritor.

Obra literaria, periodística y creación teatral

Entre su obra publicada se encuentran títulos como Cajón de sastre, Sentimiento de culpa, Más gente así, Los albañiles, Los periodistas, La gota de agua, La visita del ángel y Qué pronto se hace tarde. Su labor literaria fue reconocida con importantes premios, entre ellos el Nacional de Ciencias y Artes, en el rubro de Lingüística y Literatura, y el Xavier Villaurrutia de Escritores para Escritores por la antología La inocencia de este mundo.

Su carrera profesional se mantuvo en constante crecimiento y creatividad. A finales de los años sesenta comenzó su labor de dramaturgo. De dicha actividad resultaron obras como Los albañiles, La carpa, Los hijos de Sánchez y El juicio: el jurado de León Toral y la madre Conchita.

En materia periodística, participó en la creación de la revista Proceso y fungió como su subdirector durante más de dos décadas. Obtuvo el Premio Nacional de Periodismo Carlos Septién García.

Influencia en escritores y periodistas contemporáneos

“Su legado tiene que ver con su ética profesional y personal, que convierte una carrera artística en una ruta de vida llena de sentidos, significados y compromisos con nuestra realidad política, social y humana. Su libertad en la escritura y su convencimiento respecto a la diversidad creativa permitieron que mi desarrollo profesional y mis búsquedas teatrales se fueran por caminos personales, y que pudiera construir una ruta propia”, refirió Estela Leñero.

Las últimas dos décadas de vida de Vicente Leñero transcurrieron dedicadas a su labor periodística y literaria. El cine, el teatro y los medios de comunicación fueron los principales canales por los que desplegó su talento y capacidad intelectual. Falleció el 3 de diciembre de 2014 en la Ciudad de México.

“Su vida era la literatura y su mente estaba allí: en los libros, en las obras, en su máquina de escribir. Su generosidad hacia sus alumnos, amigos, colegas y familia fue inconmensurable, y dejó un gran legado de afecto y agradecimiento”, finalizó Leñero Franco.

La obra de Vicente Leñero, una de la más leídas en la historia de la literatura de México y pieza fundamental en la cultura de nuestro país, la cual aporta infinidad de conocimiento en todos los ámbitos del arte, se podría sintetizar con una frase de su propia autoría: “Todos los escritores, lo que hacemos al escribir novelas es reinventar y contar nuestra propia vida. Para eso inventamos personajes. La realidad le sirve a uno para decir lo que siente”.

• Participan Shari Mason, concertino de la OSN, y el violinista israelí Vadim Gluzman
• Viernes 12 de junio a las 20:00 horas a través de la plataforma Contigo en la distancia

Con un programa que incluye la obra de tres grandes compositores: Bach, Brahms y Mozart, la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto, ofrecerá concierto virtual el viernes 12 de junio a las 20:00 horas, a través de la plataforma Contigo en la distancia y en el canal del INBAL: https://bit.ly/OSNshari.

La joven violinista Shari Mason, concertino de la OSN, y Vadim Gluzman, virtuoso violinista invitado, llevarán a cabo la interpretación del Concierto para dos violines y cuerdas en Re menor, BWV 1043 de Johann Sebastián Bach (1685-1750), acompañados por la agrupación musical del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Complementan el programa el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms y la Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart.

Este concierto se presentó en vivo el viernes 4 y domingo 6 de mayo de 2018 y fue dedicado al violinista polaco Henryk Szeryng quien durante la Segunda Guerra Mundial emigró a América Latina y se estableció en la Ciudad de México en 1943. Henryk Szeryng, músico, diplomático, pedagogo y filántropo, falleció repentinamente durante una gira por Alemania. El programa de su última actuación fue el mismo de su primer concierto 55 años antes: el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, opus 77 de Brahms.

La unidad de los dos violines

En 1717, el príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen contrató a Bach como Kapellmeister (maestro de capilla). Durante su estancia en esta ciudad, Bach compuso sus principales obras orquestales, gracias a que el príncipe era un apasionado de la música orquestal y mantenía en su Corte un sólido conjunto de 18 músicos. Bach escribió entonces el Concierto para dos violines BWV 1043. Como referencia al vasto catálogo del compositor alemán, vale la pena mencionar que en él existe un Concierto para dos claves BWV 1062, en Do menor, que es una transcripción del propio Bach sobre su Concierto para dos violines.

Con sus tres movimientos Vivace, Largo ma non tanto y Allegro, en este concierto el diálogo no se establece, como pudiera pensarse, entre los dos solistas, sino entre ellos como unidad y la orquesta.      

La maestría de Johannes Brahms

Bach fue para el Barroco lo que Brahms para el Romanticismo. El concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms (1833-1897) es el mejor ejemplo de colaboración entre el compositor y el ejecutante, escrito para y con el gran violinista Joseph Joachim (1831-1907), quien años más tarde se convertiría en su amigo personal y musical. El Concierto para violín fue escrito por Brahms durante 1878 en el pequeño pueblo de Pörtschach, a orillas del lago Wörth. En parte debido a la maestría de Brahms y en parte a la calidad de Joachim como intérprete, el concierto resultó un reto musical de primera magnitud, sobre todo por las limitaciones técnicas de los violinistas de aquella época.

Al respecto, el pianista y director de orquesta Hans von Bülow comentó en una ocasión que mientras Max Bruch (1838-1920) componía conciertos para violín, Brahms componía conciertos contra el violín. El Concierto para violín y orquesta de Brahms fue estrenado el día de Año Nuevo de 1879 en Leipzig, con la famosa Orquesta de la Gewandhaus. El solista fue Joachim y al frente de la orquesta estuvo el propio Brahms.

Júpiter, obra fundamental del repertorio sinfónico   

La Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart será parte del banquete musical. Como ocurre con numerosas obras musicales, el nombre de Júpiter con el que hoy se conoce a esta sinfonía mozartiana no le fue dado por el compositor, sino por otra persona. En este caso, la historia registra que el nombre se debe al empresario Johann Peter Salomon, el mismo que promovió las exitosas visitas de Franz Joseph Haydn (1732-1809) a Londres. Ésta fue la última sinfonía que compuso Mozart y es considerada, hasta nuestros días, una de las obras maestras indiscutibles del repertorio sinfónico.

Acerca de la participación de la violinista Shari Mason, concertino de las orquestas Sinfónica Nacional y Sinfónica de Minería, es considerada una de las intérpretes mexicanas más destacadas de su generación. Colegas y críticos suelen elogiar de sus ejecuciones la determinación, madurez, solidez técnica y profundo conocimiento con el que se acerca a cada obra.

Paralela a su actividad orquestal, participa como músico de cámara. Estudió en las escuelas Vida y Movimiento del Centro Cultural Ollin Yoliztli y Nacional de Música de la UNAM con Natalia Gvozdestskaya. En Bloomington acudió a la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana, con Henryk Kowalski. En 2012, con motivo del centenario del natalicio de José Pablo Moncayo participó en la grabación de su integral de cámara para violín.

Vadim Gluzman, violinista invitado de origen israelí, ha actuado con orquestas de renombre, como la Filarmónica de Londres, Sinfónica de Chicago, Filarmónica de Israel, las sinfónicas de San Francisco, Cincinnati, Detroit, Houston, Vancouver y Seattle, la real Orquesta Nacional Escocesa, la Sinfónica Alemana de Berlín, la Orquesta de Minnesota, las filarmónicas de Munich, Dresde y Checa, la Orquesta de la Radio de Stuttgart, las orquestas de la NHK y la KBS, entre muchas otras.

El instrumento actual de Vadim Gluzman es un violín Stradivari ex – Leopold Auer de 1690, que tiene a préstamo indefinido gracias a la Sociedad Stradivari de Chicago.