• Participan Shari Mason, concertino de la OSN, y el violinista israelí Vadim Gluzman
• Viernes 12 de junio a las 20:00 horas a través de la plataforma Contigo en la distancia

Con un programa que incluye la obra de tres grandes compositores: Bach, Brahms y Mozart, la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), bajo la dirección de Carlos Miguel Prieto, ofrecerá concierto virtual el viernes 12 de junio a las 20:00 horas, a través de la plataforma Contigo en la distancia y en el canal del INBAL: https://bit.ly/OSNshari.

La joven violinista Shari Mason, concertino de la OSN, y Vadim Gluzman, virtuoso violinista invitado, llevarán a cabo la interpretación del Concierto para dos violines y cuerdas en Re menor, BWV 1043 de Johann Sebastián Bach (1685-1750), acompañados por la agrupación musical del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Complementan el programa el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms y la Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart.

Este concierto se presentó en vivo el viernes 4 y domingo 6 de mayo de 2018 y fue dedicado al violinista polaco Henryk Szeryng quien durante la Segunda Guerra Mundial emigró a América Latina y se estableció en la Ciudad de México en 1943. Henryk Szeryng, músico, diplomático, pedagogo y filántropo, falleció repentinamente durante una gira por Alemania. El programa de su última actuación fue el mismo de su primer concierto 55 años antes: el Concierto para violín y orquesta en Re mayor, opus 77 de Brahms.

La unidad de los dos violines

En 1717, el príncipe Leopoldo de Anhalt-Köthen contrató a Bach como Kapellmeister (maestro de capilla). Durante su estancia en esta ciudad, Bach compuso sus principales obras orquestales, gracias a que el príncipe era un apasionado de la música orquestal y mantenía en su Corte un sólido conjunto de 18 músicos. Bach escribió entonces el Concierto para dos violines BWV 1043. Como referencia al vasto catálogo del compositor alemán, vale la pena mencionar que en él existe un Concierto para dos claves BWV 1062, en Do menor, que es una transcripción del propio Bach sobre su Concierto para dos violines.

Con sus tres movimientos Vivace, Largo ma non tanto y Allegro, en este concierto el diálogo no se establece, como pudiera pensarse, entre los dos solistas, sino entre ellos como unidad y la orquesta.      

La maestría de Johannes Brahms

Bach fue para el Barroco lo que Brahms para el Romanticismo. El concierto para violín y orquesta en Re mayor, Op. 77 de Brahms (1833-1897) es el mejor ejemplo de colaboración entre el compositor y el ejecutante, escrito para y con el gran violinista Joseph Joachim (1831-1907), quien años más tarde se convertiría en su amigo personal y musical. El Concierto para violín fue escrito por Brahms durante 1878 en el pequeño pueblo de Pörtschach, a orillas del lago Wörth. En parte debido a la maestría de Brahms y en parte a la calidad de Joachim como intérprete, el concierto resultó un reto musical de primera magnitud, sobre todo por las limitaciones técnicas de los violinistas de aquella época.

Al respecto, el pianista y director de orquesta Hans von Bülow comentó en una ocasión que mientras Max Bruch (1838-1920) componía conciertos para violín, Brahms componía conciertos contra el violín. El Concierto para violín y orquesta de Brahms fue estrenado el día de Año Nuevo de 1879 en Leipzig, con la famosa Orquesta de la Gewandhaus. El solista fue Joachim y al frente de la orquesta estuvo el propio Brahms.

Júpiter, obra fundamental del repertorio sinfónico   

La Sinfonía No. 41 en Do mayor, K. 551, Júpiter de Mozart será parte del banquete musical. Como ocurre con numerosas obras musicales, el nombre de Júpiter con el que hoy se conoce a esta sinfonía mozartiana no le fue dado por el compositor, sino por otra persona. En este caso, la historia registra que el nombre se debe al empresario Johann Peter Salomon, el mismo que promovió las exitosas visitas de Franz Joseph Haydn (1732-1809) a Londres. Ésta fue la última sinfonía que compuso Mozart y es considerada, hasta nuestros días, una de las obras maestras indiscutibles del repertorio sinfónico.

Acerca de la participación de la violinista Shari Mason, concertino de las orquestas Sinfónica Nacional y Sinfónica de Minería, es considerada una de las intérpretes mexicanas más destacadas de su generación. Colegas y críticos suelen elogiar de sus ejecuciones la determinación, madurez, solidez técnica y profundo conocimiento con el que se acerca a cada obra.

Paralela a su actividad orquestal, participa como músico de cámara. Estudió en las escuelas Vida y Movimiento del Centro Cultural Ollin Yoliztli y Nacional de Música de la UNAM con Natalia Gvozdestskaya. En Bloomington acudió a la Jacobs School of Music de la Universidad de Indiana, con Henryk Kowalski. En 2012, con motivo del centenario del natalicio de José Pablo Moncayo participó en la grabación de su integral de cámara para violín.

Vadim Gluzman, violinista invitado de origen israelí, ha actuado con orquestas de renombre, como la Filarmónica de Londres, Sinfónica de Chicago, Filarmónica de Israel, las sinfónicas de San Francisco, Cincinnati, Detroit, Houston, Vancouver y Seattle, la real Orquesta Nacional Escocesa, la Sinfónica Alemana de Berlín, la Orquesta de Minnesota, las filarmónicas de Munich, Dresde y Checa, la Orquesta de la Radio de Stuttgart, las orquestas de la NHK y la KBS, entre muchas otras.

El instrumento actual de Vadim Gluzman es un violín Stradivari ex – Leopold Auer de 1690, que tiene a préstamo indefinido gracias a la Sociedad Stradivari de Chicago.

Fran Straube nos muestra la parte más nostálgica de La Pérdida, videoclip producido por Grieta Cine bajo la dirección de Diego Viveros.

La sensibilidad se va haciendo habitual en el lenguaje de Rubio. En «Nudo» a través del desarrollo de una narrativa conceptual, Fran nos motiva a sentir libertad en las emociones.

«A veces somos un nudo hecho persona. En la historia me muestro atrapada, como si estuviera llena de trancas, tratando de liberar esas emociones sin tener miedo al cambio.
Es un video muy significativo para mí, además me encanta trabajar con amigos de Valparaíso.» 

La obra, que en esencia es una balada, proyecta vulnerabilidad a través de una sección de piano. Sin embargo, sorprende al golpear fuertemente con sub bajos y sintes estridentes en el feat, mostrándose valiente. En ese sentido, se acomoda como la mejor canción de La Pérdida, con la cual Rubio comienza el cierre de esta primera parte y avecina la venida de La Existencia.

David Nesta Marley, mejor conocido en el mundo artístico como Ziggy Marley, es un cantante y compositor de reggae que nació en Kingston, Jamaica, el 17 de octubre de 1968. El filántropo artista no solo es reconocido hoy en día por ser hijo de la leyenda del reggae, Bob Marley, sino también, por construir su propio legado musical. Se ha hecho merecedor de cinco premios Grammy, convirtiéndose en uno de los artistas principales del género. También ha estado involucrado en actividades humanitarias, fue nombrado «Embajador Joven de las Naciones Unidas» y ha formado parte de proyectos benéficos relacionados con «UNICEF», además de fundar la organización sin fines de lucro «U.R.G.E.» (Unlimited Resources Giving Enlightenment). Actualmente, reside en Estados Unidos.

Ziggy Marley comenzó su carrera musical bajo el nombre de Freddie Dic, para entonces formaba parte de una banda compuesta por amigos y compañeros de clase llamada: «The Seven Do Bees». El grupo no tuvo ningún tipo de éxito por lo que el cantante decide darle otro rumbo a su carrera musical.

El artista se expuso a la cultura del reggae a muy edad temprana. En 1986 formó su propia banda junto a sus hermanos: Cedella, Sharon y Stephen llamada «Ziggy Marley and the Melody Makers», el cual donde grabó varios discos. Entre ellos se encuentra: «Hey World», en 1987. El álbum tiene un estilo orientado más hacia el pop que al ritmos reggae. El grupo no llegó a ser muy conocido, cantaron ocasionalmente juntos durante varios años, incluso en el funeral de su padre en 1981. Sin embargo, la agrupación no tuvo éxito a nivel comercial. Dicho fracaso no significó el fin el de la agrupación, al contrario, un año después logró el impulso tras un nuevo estilo y propuesta musical.

El género que define a Ziggy Marley es el reggae. Este no solo formo parte de sus orígenes familiares, sino también, de sus creencias y estilo de vida. Su música siempre estuvo impregnada del espíritu rebelde y ferozmente melódico del artista. En sus canciones plasmó una variante de géneros como: el ska y el country que se mezclaban con lo tradicional del reggae, resultando en compilación de géneros y subgéneros musicales, que poco después pasarían a ejercer una influencia poderosa en el panorama musical, en los últimos 65 años.

Las influencias musicales más importantes en la vida del artista, sin duda alguna fueron sus padres. De ambos, obtuvo las bases para representar y dar a conocer, con su imagen un género que, no solo es conocido hoy en día como una cultura, sino también, un legado cuya influencia aún crece y se expande cada día más.

Información obtenida de buenamusica.com

El pasado 23 de agosto de 2019 Ziggy Marley se presento en el festival  Cabaret Vert, en la localidad francesa de Charleville-Mézières. Te dejamos el link para que disfrutes de este gran concierto.

https://www.arte.tv/es/videos/088176-005-A/ziggy-marley-en-el-festival-cabaret-vert/

La artista y productora Ruzzi presenta un tema de amor propio.

«Me Amo» es una canción que nos envuelve en una atmósfera íntima, la elección de la artista por la instrumentación es muy orgánica, con piano como base y batería real como elemento rítmico, nos remonta a una balada clásica con una letra profunda que nos cuenta de amor propio.

Después de Nave Especial, su álbum debut de larga duración, nos muestra una nueva faceta en este sencillo, más orgánica y grabada y producida completamente por ella.

Ruzzi nos comenta sobre «Me Amo»: “Me Amo es un tema que escribí el año pasado, andaba bajoneada y parecía que no me había permitido sentir y darme ese amor propio el cual es imprescindible para poder amar a los demás. Ha sido todo un viaje lo que he aprendido y lo que me llevó concretar esta canción después de haberme atrevido a sacar mi música por primera vez con el disco Nave Especial. Quise ahora hacer algo más orgánico, es decir, con puros instrumentos reales, para enmarcar esta canción que trata de retratar lo que es amarse a uno mismo, sintiéndonos libres, fuertes y completos amando así a nuestro ser interno antes de podernos encontrar con el ser amado externo ó con nuestra pareja, familia etc. En la canción me canto a mi misma y a mi reflejo. Aprendí que si no nos amamos a nosotros primero y a nuestra soledad, no podremos jamás amar plenamente a nadie más ni vivir con alguien”.

Acerca del presente Ruzzi nos comenta: “Ahora es momento de levantarnos los unos a los otros, especialmente por la situación por la que estamos viviendo con la pandemia, por eso decidí sacar la canción, esperando le de fuerza y ánimos a la mayoría que hoy lo necesitamos. La música y el arte siempre nos salvarán”.

Immasoul presenta “Quédate” su más reciente sencillo llega para alegrarnos el espíritu, con una fusión de sonidos Dancehall y R&B de energía fresca y tropical.

“Quédate” es una celebración al amor, y la atracción. Una fusión de vibra caribeñas producida por Adrián Be, Phynx y escrita por Immasoul y Zizzy.

Immasoul es una cantante y compositora de orígenes Afro-Mexicanos nacida en Chetumal, Quintana Roo. En su familia siempre estuvieron presentes los ritmos afro-caribeños y gracias a esto ella encontró una gran pasión por la música. A sus 4 años de edad inició en la música y conforme fue creciendo desarrolló su gusto por el R&B, Soul y Hip-Hop, influencias comunes que llegaban a Cancún (ciudad donde creció), por medio de artistas extranjeros que visitaban la ciudad. Sintió una fuerte conexión con esos ritmos que desarrollaron su sentido musical y concretarían lo que hoy es Immasoul.

Su sonido Soul viene acompañado de su compromiso en abrir conversación al empoderamiento personal, los derechos de las mujeres y la equidad de género. En 2018 tomando como punto de partida el empoderamiento de la mujer a través de la música fue elegida como embajadora de Nike México para la campaña Force is Female. En 2019 protagonizó la campaña nacional del Día de la Mujer para las tiendas INNVICTUS e Innovasport México.

El Coro de Madrigalistas
interpretará obras

de Mahler, Mendelssohn,
Ilse Weber y Gideon Klein

La agrupación musical se presentará en Sala Manuel M. Ponce y en el Salón de Recepciones del Munal; 13 y 15 de marzo, respectivamente

  E  n el marco del ciclo Los colores de la voz, el Coro de Madrigalistas, bajo la dirección de Carlos Aransay, ofrecerá el programa Música degenerada / Entartete Musik, dedicado a las obras de algunos compositores que fueron perseguidos y prohibidos por la Alemania nazi, como parte de la conmemoración por los 80 años del comienzo y los 75 del final de la Segunda Guerra Mundial y la liberación de los campos de concentración.

Los conciertos se realizarán los días 13 y 15 de marzo a las 18:00 y 11:30 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes y en el Salón de Recepciones del Museo Nacional de Arte (Munal), respectivamente.

En ambos recitales, el coro fundado en 1938 por Luis Sandi, estará acompañado del dúo Shtetl Klezmer, integrado por el violinista Abraham Rechthand y el clarinetista Narciso Bautista, así como del guitarrista Gerardo Matamoros y el pianista Sergio Vázquez.

El programa de ambos conciertos se dividirá en tres partes. En la primera, titulado Apresados en campos de concentrados y ejecutados (Terezín) se interpretarán las piezas Ich Wandre Durch Theresienstadt (Paseo por Theresienstadt), de Ilse Weber (1903-1944); Bachuri Le’an Tisa (Mi niño, ¿a dónde vas?) y Aby nás Pán Bush miloval, de Gideon Klein (1919-1945); Al S’Fod (No te lamentes), de Pavel Haas (1899-1944); Jome, Jome y Ura, ura, Jissrael, de Viktor Ullmann (1898-1944), y Marcha, Canción de cuna y Marcha final de la ópera infantil Brundibár, de Hans Krása (1899-1944), así como Klezmer, Sherele y Die Heyser Bulgar, canciones que son del dominio público.

La segunda parte del programa, nombrada Borrados de la historia, la conforman las obras Ich bin der Welt Abhanden Gekommen (Me he retirado del mundo) de las canciones Rückert-Lieder, de Gustav Mahler (1860-1911); He that Shall Endure to the end (Quien resiste hasta el final, será salvado) y He, Watching Israel, Slumbers not, nor Sleeps (Mirad, el que guarda a Israel no duerme) del oratorio Elijah, compuesto por Felix Mendelssohn (1809-1847); Klezmer, de autor desconocido, y Reb Itzik’s Nigun, cuyo arreglo hizo Itzhak Perlman.

Exiliados y prohibidos por el Tercer Reich se titula la última parte del programa, la cual la integran las piezas Ballade vom Ertrunkenen Mädchen (Balada de la doncella borracha) y Cruz funeraria de Un réquiem berlinés, compuesto por Kurt Weill (1900-1950) y Bertolt Brecht (1898-1956); y Cuatro canciones eslovacas, Zadala Mamka (Canción de boda), Naholi, naholi (Canción de los cosechadores de trigo), Rada pila, Rada Jedla (Canción de Medzibrod) y Gajdujte, Gajdence (Danza), de Béla Bartók (1881-1945).

Asimismo, la integran La biche (La cierva) y Puisque Tout Passe (Ya que todo pasa) de Six Chansons (Seis canciones) de Rainer Maria Rilke, original de Paul Hindemith (1895-1963); There was an old Lady of France / Había una anciana de Francia y There was an old Man in a Tree / Había un anciano en un árbol de Three Nonsense Songs (Tres canciones sin sentido), de Mátyás Seiber (1905-1960); Schein uns, du Liebe Sonne (Ilumínanos, amado Sol) de Drei Deutsche Volkslieder (Tres canciones populares alemanas), de Arnold Schoenberg (1874-1951); Prayer (Plegaria), de Erich Korngold (1897-1957); y Versunken (Sumergido) y Der Holdestein, de Franz Schreker (1878-1934).

En entrevista, Carlos Aransay señaló que el término música degenerada es peyorativo. Es exactamente el nombre que el gobierno de Hitler puso a todos aquellos músicos y obras que le parecían inaceptables. En 1937, por ejemplo, se organizó una exposición sobre arte “degenerado” y curiosamente todo era arte hecho por judíos y por minorías, como gitanos, homosexuales y otros grupos, recordó.

Un año después, agregó el director del Coro de Madrigalistas, se realizó una exposición titulada Música degenerada. A 82 años de ese suceso, lo que se busca con este concierto es recordar esas composiciones, que lejos de ser tristes, revelan alegría y emotividad.

Respecto de la primera parte del programa, dijo que son de compositores que son casi desconocidos para la mayoría de la gente. En su mayoría son autores checos, provenientes de Praga, llevados con engaños a los campos de concentración, principalmente Terezín, ubicado a una hora de la capital.

Como se sabe, en esos lugares las condiciones eran pésimas. Los nazis grabaron un video para la Cruz Roja en el que mostraban todo lo contrario de lo que realmente sucedía. Luego del video, los prisioneros fueron enviados a Auschwitz y a otros campos de concentración, donde murieron estos compositores jóvenes, junto a miles de judíos, comentó.

Aransay indicó que varios de estos músicos fueron perseguidos por el régimen, por lo cual escondieron sus obras con familiares y amigos o con editores. Sin embargo, aunque mucha de esa música se perdió irremediablemente, sobrevivieron algunos manuscritos.

Parte de esa música se encontró en los campos de concentración. Con la llegada de los aliados, los materiales fueron descubiertos en el suelo, junto a miles de objetos de todo tipo.

“Se sabe que el campo de Terezín contaba con una orquesta y un coro de adultos, debido a que aquí se trasladaron a muchos artistas que, aunque jóvenes, prometían mucho; a ellos se les permitió crear música, de ahí que con el triunfo de los aliados se hayan encontrado muchos fragmentos de partituras”.

La mayoría de esas obras se escucharán por primera vez en México. Carlos Aransay manifestó el gran interés que tenía por presentar un concierto con piezas de estos autores, debido a que estudió en la República Checa y su cultura lo cautivó. “Es un tema que he investigado durante años para rescatar este tipo de música y hacer transcripciones para coro de algunas obras”

Nueve horas de teatro, danza
música y talleres al aire libre

Del 21 de marzo, a partir de las 10:00, en el marco del Día Mundial del Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes, en el Centro Cultural del Bosque y el Teatro Isabela Corona
La oferta cultural está conformada por 36 puestas en escena, cuatro lecturas dramatizadas, dos presentaciones editoriales y nueve talleres

  E  l Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, celebrará el 13º Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes el próximo sábado 21 de marzo a partir de las 10:00 horas.

La programación comprende nueve horas continuas de artes escénicas: teatro, danza, música, espectáculos al aire libre y talleres, actividades gratuitas que se llevarán a cabo en los teatros del Centro Cultural del Bosque, donde se instalará el escenario itinerante de la Dirección General de Divulgación de la Ciencia de la UNAM, Prometeo y se sumará al festejo, por primera vez, el Teatro Isabela Corona, ubicado en la Unidad Habitacional Tlatelolco.

Este año la programación está integrada por 36 puestas en escena, cuatro lecturas dramatizadas, dos presentaciones editoriales y nueve talleres. Algunas de las obras que las y los espectadores podrán disfrutar durante este día son: Corazón gordito de Once Once Producciones; Mi mundo es alegre de La Sensacional Orquesta Lavadero; Miedo come todo… sueños al vuelo de la compañía tamaulipeca Flores Teatro Danza; Beautiful Julia de Los Endebles; Historias con voz de viento de la compañía Voz de Viento; Agua del colectivo originario de Baja California, Teatro en Espiral; Mis bobul gomers, producción de la compañía proveniente de Puebla, Gaudenti Teatro, la cual participó con esta obra en la pasada edición de la Muestra Nacional de Teatro, y La tarea interminable de la agrupación Hombre Bala.

En esta edición se llevará a cabo el ciclo Imaginar escenarios, nuestras voces en el teatro, espacio que dará voz a mujeres artistas a través de un programa que integra la presentación de cuatro lecturas dramatizadas y dos presentaciones editoriales.

Por otra parte, se impartirán nueve talleres con el objetivo de generar dinámicas lúdicas en relación con el teatro, en las que niñas y niños explorarán distintos aspectos que tienen que ver con el hecho escénico: el sonido, el juego, la relación dentro de una sala y hasta la convivencia que sucede en una fila antes de entrar a función.

En los talleres podrán participar niñas y niños de edades específicas para cada actividad. Algunos de éstos se impartirán en distintos horarios, con cupo limitado, y en todos los casos los participantes podrán ser acompañados por un adulto. Las inscripciones se realizarán a partir de las 10:00 horas en la carpa asignada para esta actividad.

Los nombres de los talleres son: Máscaras huicholas; Memorias a la deriva, escucharnos con el cuerpo; Katapulta; Teatro y revés ¡ginga!; La escena también suena; ¡Papá switch!; Paisajes escénicos para jugar – Tundra; Asombro y Radio Bocina.

“El espíritu del Maratón sigue siendo el mismo desde hace 13 años: fortalecer una comunidad entre los creadores y gestores culturales con las familias que asisten a las funciones y se garantice que siempre tendrán acceso a la cultura. La idea es promover que los recintos de la Coordinación Nacional de Teatro son espacios de convivencia durante todo el año, no un solo día. Es decirle a niñas y niños: ¡ven, este espacio es tuyo, es para ti, ahora y siempre!”, compartió Anelvi Rivera, subdirectora del Programa de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes y del Programa de Teatro Escolar.

Historia y consolidación del Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes

Hace 13 años surgió la idea de celebrar el teatro que se hace para niñas y niños, por lo que se organizó la escenificación de obras en una sola jornada. Entonces la Coordinación Nacional de Teatro estructuró un programa de cinco puestas en escena en un solo día y el público asistió a cada función hasta que no quedó lugar vacío en los teatros de El Granero Xavier Rojas y el Orientación, ambos en el Centro Cultural del Bosque.

Gracias a los buenos resultados en aquel 2007 surgió el Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes y a partir de entonces, de manera ininterrumpida, cada año se celebra con mucho éxito. En la actualidad, es un evento consolidado que ha ido creciendo en cada edición; tan solo el año pasado asistieron 9,686 personas a las más de 30 puestas en escena que se ofrecieron y 348 participaron de las sesiones y talleres que se impartieron durante aquella jornada.

Fecha especial: Día Mundial del Teatro para la Infancia y la Juventud

El Día Mundial del Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes, que se conmemora cada 20 de marzo, es un llamado a reconocer la importancia de que los menores de edad sean partícipes de las artes en general y del teatro en particular. Se trata de una campaña de la Asociación Internacional de Teatro para la Infancia y la Juventud (ASSITEJ, por sus siglas en francés), institución dedicada a los derechos artísticos, culturales y educacionales de niñas, niños y jóvenes.

La campaña se promueve y se celebra a través del mensaje Lleva a un niño al teatro hoy / Lleva a una niña al teatro hoy, enfoque que permite a los centros nacionales, a los miembros en forma individual, a las empresas, a las organizaciones artísticas, así como a docentes, artistas, profesionales y otras personas interesadas en las artes escénicas para público joven, conectarse con la idea del día mundial y hacer valer el derecho de acceso al arte, y especialmente al teatro que tienen las niñas, niños y jóvenes.

A propósito de esta gran celebración mundial, cada año se emite un mensaje, que en este 2020 fue escrito por Yoshi Oida, escritor, director y actor de origen japonés. Asimismo, la presidenta de la ASSITEJ, Yvette Hardie, comparte un discurso en el que reflexiona sobre esta conmemoración. Ambos mensajes pueden ser consultados en el sitio web: http://www.assitej-international.org/es/

Para más información, consultar las redes sociales de la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL: @teatroinbal en Facebook, Twitter e Instagram.

OFUNAM

de Rodrigo Valdez

Anti heroica es la tercera de las nueve piezas comisionadas por CulturaUNAM para celebrar el 250 aniversario del natalicio de Beethoven
La obra está basada en la Sinfonía 3, de Beethoven, Heroica, que también es parte del programa, junto con las Variaciones Rococó, de Chaikovski
La orquesta universitaria estará bajo la batuta de su director artístico, Massimo Quarta
El estreno mundial se llevará cabo el sábado 21 de marzo, a las 19 horas, en la Sala Nezahualcóyotl

  E  n 1817, cuando Beethoven ya había compuesto ocho de sus nueve sinfonías, el poeta Christophe Kuffner le preguntó al compositor cuál era su Sinfonía preferida. Sin dudarlo, el de Bonn contestó: la Heroica.

La Sinfonía 3, rebautizada por su autor como Heroica, es también la tercera que interpretará la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) para conmemorar los 250 años del nacimiento de Ludwig Van Beethoven. Bajo la dirección del maestro.

Massimo Quarta, su director artístico, la OFUNAM ejecutará la majestuosa partitura dentro del programa 5 de su primera temporada 2020, que se llevará a cabo el próximo sábado 21 de marzo, a las 19 horas en la Sala Nezahualcóyotl, y se repetirá el domingo 22, a las 12 horas, en el mismo recinto.

La Heroica será la tercera de las nueve sinfonías de Beethoven que la OFUNAM tocará a lo largo del 2020. Como parte del festejo sonoro, la orquesta hará el estreno mundial de Anti Heroica, obra del compositor mexicano Rodrigo Valdez Hermoso, comisionada por CulturaUNAM para acompañar a la Sinfonía 3.

El pasado 8 de febrero fue estrenada Lord Have Mercy on the 21st Century, de Cristina García, basada en la Sinfonía 5; y el próximo 14 de marzo se llevará a cabo el estreno de Albor, de Francisco Cortés, inspirada en la Sinfonía 1.

No jugar a ser Beethoven

Rodrigo Valdez Hermoso es maestro en Composición y Cultura Musical por el London College of Music, University of West London (Reino Unido); así como maestro en Teoría de la Música, con honores, por el Victoria College of Music And Drama, London (Reino Unido). Bajo la tutoría de Ma. Antonieta Lozano y Víctor Rasgado, estudió la licenciatura en composición en el Centro de Investigación y Estudios de la Música, institución en la que es titular de la catedra de composición.

En entrevista, asegura que la Sinfonía 3 es revolucionaria en varios aspectos como el que por primera vez en la historia un tema quedó a cargo de los instrumentos de aliento, cuando era una convención que lo tuvieran las cuerdas. Otro aspecto renovador es que en el primer movimiento de la Sinfonía, Beethoven dispone de tres temas.

“Es muy importante el hecho de no jugar a ser Beethoven para enfrentar esta comisión. Quise concentrarme en esa sensación de dolor, en esa angustia que debió haberle provocado que la persona que tanto admiraba porque enaltecía los ideales en lo que él creía (Napoleón Bonaparte) se autoproclame emperador de Francia al término de la Revolución.”

El título de la obra de Valdez responde a varios motivos: en primera instancia alude a la transformación de Napoleón: de héroe de Beethoven a anti héroe; en otro nivel de lectura, la pieza no alude al heroísmo, es una reflexión profunda sobre la condición humana.

“Como seres humanos no debemos estar esperando a que un caudillo venga a salvarnos. Cada quien tiene que hacer su trabajo desde su trinchera para seguir progresando como sociedad”, acota.

Una sinfonía controvertida

Ferdinand Ries, amigo y alumno de Beethoven, narra que hacia 1804, sobre el escritorio del compositor, estaba una partitura en cuya carátula se leía, en la parte superior, el nombre: Bonaparte; y en la parte inferior: Luigi (en italiano) van Beethoven.

La obra habría sido iniciada hacia 1802, época en que Napoleón Bonaparte era primer cónsul. La admiración de Beethoven por el general francés terminó abruptamente en mayo de 1804, cuando Bonaparte se nombró Emperador.

Ries asegura que en cuanto Beethoven se enteró, se encolerizó y gritó: “¡No es más que un hombre vulgar! Ahora va a pisotear todos los derechos humanos, no obedecerá más que a su ambición; ¡querrá elevarse por encima de los demás, y se convertirá en un tirano!” Dicho lo anterior, rompió la primera página de su obra y le puso el título por el que se le conoce en la actualidad: Sinfonía Eroïca.

La Sinfonía se publicó en 1806 con el título: “Sinfonía grande –Heroica—para festejar el recuerdo de un gran hombre”. Estaba dedicada a su amigo y mecenas el príncipe Lobkowitz.

Una respuesta desde el siglo XXI

El padre de Rodrigo Valdez, Mitl Valdez, es director de cine y melómano. El compositor recuerda cómo su padre lo sentaba a escuchar discos y a identificar los instrumentos.

“Beethoven me acompaña desde mi infancia, aunque toma una relevancia distinta cuando ya estudias composición porque las sinfonías de Beethoven son referencia absoluta del desarrollo de la música, sobre todo en la transición del clásico al romántico.”

Rodrigo comenzó tocando la guitarra eléctrica. Se inscribió en el Estudio de Arte Guitarrístico del maestro Manuel López Ramos. Luego entró al Centro de Investigación y Estudios de la Música, en donde actualmente da la clase de composición.

“Yo era rockero. Casi todos comenzamos por el rock. De repente algo hace clic en el pensamiento y me fui por la composición clásica. Mucha gente desconoce que los compositores vivos hacen música sinfónica. Eso me lo enseñó en la adolescencia Phillip Glass. No es difícil dejar de ser rockero cuando tienes a tu disposición toda esta dotación de instrumentos.”

Si bien acepta que el rock no es un género tan refinado en lo que toca a la instrumentación y la armonía, Valdez encuentra un nexo entre el rock y la música sinfónica en el terreno emocional.

“La Quinta Sinfonía de Beethoven te atrapa desde el primer momento y esa emoción es la que los músicos de rock están buscando: que una pequeña pieza musical de tres o cuatro minutos inmediatamente te enganche.”

Se estrenará Lord have mercy on the 21st century, de la compositora Cristina García Islas, obra inspirada en la Quinta Sinfonía de Beethoven
Massimo Quarta, director artístico de la OFUNAM, dirigirá el programa con el que inicia la ejecución de las 9 sinfonías del genio de Bonn.

  L  a noche del jueves 22 de diciembre de 1808 se llevó a cabo un concierto especial en Viena. Ludwig van Beethoven estaba decidido a dejar la ciudad en la que había crecido musicalmente y pretendía despedirse con un gran concierto. La publicidad anunciaba: “Todos los fragmentos son de su creación, totalmente nuevos, y no han sido todavía publicados.”

El programa es uno de los más extraordinarios carteles en la historia de la música: la Sinfonía pastoral (ahora la sexta, en ese entonces: la quinta), un aria cantada, un himno de la Misa en do y el IV concierto para piano; en la segunda parte: la Sinfonía en do menor (ahora la quinta, en ese entonces: la sexta), el Sanctus de la Misa en do y la Fantasía para piano, orquesta y coros, opus 80.

Al frente de la orquesta del Teather an der Wien estaba Ignaz von Seyfried, quien logró calmar el enojo de los músicos contra Beethoven, compositor que tocó el piano y que en pleno concierto corrigió a un músico y repitió un pasaje de una obra. Fue una noche en que, para muchos críticos, Beethoven logró consolidar su triunfo musical en la ciudad donde ya lo habían hecho Mozart y Haydn.

La Quinta Sinfonía, interpretada por vez primera aquella noche, será la pieza con que la Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM) iniciará su participación en la celebración mundial por el 250 aniversario del nacimiento del Genio de Bonn.

Durante todo el 2020, la orquesta tocará las nueve sinfonías, así como una selección de sus conciertos y sonatas. CulturaUNAM encomendó a nueve compositores mexicanos la creación de piezas inspiradas, desde el punto de vista musical, histórico o filosófico, en alguna de las nueve sinfonías del músico alemán.
El sábado 8 de febrero inicióc este diálogo con Beethoven cuando la agrupación universitaria, bajo la batuta de su director artístico, Massimo Quarta, ejecute la Quinta Sinfonía, de Beethoven, y estrene la obra Lord have mercy on the 21st century, de la compositora Cristina García Islas, primera de las nueve comisiones.

El programa, que se repetirá el domingo 9 de febrero, se complementará con la Obertura de Coriolano y la Obertura Leonora III, ambas de Beethoven.
Continuará el festejo en el 2020
Del compositor Francisco Cortés se presentará la obra Albor los días 14 y 15 de marzo, junto con la Primera sinfonía.

Una semana después, 21 y 22 de marzo, tocará el turno a Anti-Heroica, de Rodrigo Valdez Hermoso, correspondiente a la Tercera sinfonía, conocida precisamente como Heroica.

Los días 18 y 19 de abril, cuando el programa incluya la Sexta sinfonía, llamada Pastoral, tocará el turno a la compositora Alejandra Odgers y su pieza Fantasie hivernale.

La OFUNAM estrenará Metanoia, de Jorge Ritter, el 30 y 31 de mayo, cuando interprete la Segunda sinfonía.

La compositora Marcela Rodríguez tuvo por encargo crear una pieza en torno a la Cuarta sinfonía, misma que tituló Obertura y que será estrenada los días 6 y 7 de junio. El 24 y 25 de octubre, el compositor Víctor Ibarra presentará su obra after op. 92, alusiva a la Séptima sinfonía.

La compositora Ana Lara hará lo propio los días 7 y 8 de noviembre durante el programa que incluye la Octava sinfonía. Esta pieza aún no tiene nombre confirmado.

La programación de estrenos conmemorativos de la OFUNAM en torno al compositor alemán terminará los días 5 y 6 de diciembre, cuando se interprete la pieza 1824 de la compositora Ana Paola Santillán, inspirada en la Novena sinfonía, Coral.

En el mes de septiembre pasado, cuando se hizo el anuncio oficial de la conmemoración de los 250 años de Ludwig van Beethoven por parte de la OFUNAM, Massimo Quarta expresó: “¿Por qué hacer Beethoven? ¿Cuál es la razón de seguir tocando sus nueve sinfonías?

Porque resulta que a veces es más contemporáneo que otras obras que se componen en la actualidad, pero que ya nacen viejas. Este es el reto de contextualizar a un gigante como Beethoven y ver qué quedó de él en la tradición mexicana, queremos averiguar cómo ven los compositores nacionales su música. Por eso nuestro programa es una innovación cultural, porque en Beethoven siempre hay cosas nuevas por descubrir.”

Se recordará el centenario de su natalicio con conciertos en el INBAL

Solistas Ensamble será la agrupación artística que interpretará parte del exitoso repertorio del compositor
Su ingenio humorístico para retratar la vida cotidiana, con sus trivialidades, gozos y tragedias, le dieron gran popularidad

  P  ara conmemorar el centenario del nacimiento del cronista musical urbano Salvador Flores Rivera (14 de enero de 1920), conocido como Chava Flores, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) realizará próximamente una serie de conciertos.

La Secretaría de Cultura (SC) y el INBAL recordarán al poeta de la vida urbana capitalina con un primer concierto el próximo 29 de abril con la agrupación Solistas Ensamble durante la Noche de Museos en el Colegio de las Vizcaínas y, posteriormente, en la Sala Manuel M. Ponce.

Chava Flores describió en sus composiciones lo cotidiano en el barrio, sus avatares y celebraciones en inolvidables interpretaciones, como Los 15 años de Espergencia, Los gorrones o en su clásica Sábado Distrito Federal o Voy en el Metro, en la que narró con singular ingenio las penurias en el transporte público.

Algunas de estas interpretaciones abordan el día a día en la economía doméstica, como Peso sobre peso, en alusión a lo difícil que resulta el ahorro familiar o La casa de Lupe, sobre la problemática de la vivienda.
Incluso compuso canciones como Dos horas de balazos y Pobre Tom, con lo que enriqueció la tradición hispánica del romance o corrido con un fenómeno de la cultura de masas que estaba de moda en los westerns hollywoodenses cuyo idealismo ridiculizó.

Chava Flores, originario de la Ciudad de México, fue un cantautor sin parangón, cronista de una ciudad que se ha transformado en muchos aspectos, pero que mantiene esas situaciones sociales de lo que el fino humorista describió en sus composiciones.

Su ingenio y estilo son un legado vivo que no ha sido superado en la autoría de las letras que plasman sus extraordinarias estampas musicales que al mismo tiempo son un retrato de la identidad de quienes habitan la Cuidad de México.

Y es que Chava Flores rompió los paradigmas de la música popular, que para su época acaparaba también el bolero ranchero de la mano de grandes intérpretes y compositores.

Además de su fino sentido de la ironía para retratar la vida cotidiana, con sus trivialidades, gozos y tragedias, también el recurso del albur fue parte de sus composiciones que lograron su éxito como artista popular. Todo ello como prueba del talento de este músico autodidacta, quien adoptó la Ciudad de México como su protagonista en canciones como Vino la Reforma y la creación de entrañables personajes, como Bartola, Herculano, Tencha, El Fufú y Espergencia.

Salvador Flores Rivera falleció el 5 de agosto de 1987 a los 67 años y con ello se extinguió un compositor único en su estilo y uno de los artistas mexicanos más versátiles y queridos, cuya obra y canciones –más de 190- continúan reflejando en pleno siglo XXI a una parte de esa sociedad mexicana viva, la cual describió a través de sus canciones.