• Con Bodas de sangre, de Federico García Lorca, fue inaugurado el 3 de mayo de 1957
   
• El recinto del INBAL ha abierto sus puertas a destacados dramaturgos, directores y actores de la escena nacional e internacional

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, celebra el 3 de mayo el 63 aniversario del Teatro del Bosque Julio Castillo, uno de los recintos más importantes de la escena teatral en México que fue inaugurado en 1957 con la obra Bodas de sangre, de Federico García Lorca, bajo la dirección e interpretación de la actriz española Margarita Xirgu y la escenografía de Antonio López Mancera.

La historia comenzó en 1955 cuando los arquitectos Pedro Ramírez Vázquez y Ramiro González Delsordo diseñaron la Unidad Artística del Bosque como parte de un proyecto promovido por el gobierno para fomentar la cultura en México. Cuando el teatro estuvo terminado se programaron algunas actividades, como ensayos de obras y un festival de pequeño formato.

En 1957, después de 20 años de no visitar México, la actriz española Margarita Xirgu volvió por tercera ocasión. La invitación fue para escenificar dos obras de García Lorca: Bodas de sangre y La casa de Bernarda Alba. Así, como muestra de agradecimiento y admiración del público mexicano, el teatro llevó durante algunos años el nombre de la actriz y creadora.

Con el paso del tiempo los éxitos continuaron, se representaban obras de grandes autores, como Celestino Gorostiza, Bertolt Brecht, Jean Cocteau, Lope de Vega, William Shakespeare y Ramón del Valle Inclán, por mencionar algunos.

En 1962 se llevó a cabo el primer Festival de la Danza Mexicana, con la participación del Ballet de Cámara de Nellie Happee, el Ballet de Bellas Artes de Ana Mérida, el Ballet Nacional dirigido por Guillermina Bravo y el Folklórico Ballet Popular de México a cargo de Guillermo Arriaga.

Más adelante, en abril de 1968, el teatro fue remodelado y reabrió sus puertas en el marco del Festival Internacional de la Olimpiada Cultural, con un programa de danza a cargo del Ballet Clásico de México.

Sede de la Compañía Nacional de Teatro

A finales de los años setenta, el director de escena José Solé logró por decreto presidencial la creación de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) con sede en el Teatro del Bosque y el Teatro Julio Jiménez Rueda. Durante los siguientes seis años, la CNT escenificó desde teatro clásico hasta contemporáneo y mexicano. Cada año se invitaba a un director extranjero de renombre, ya fuera del Old Vic, de Nueva York, Francia, España, Polonia o Alemania, con alguna obra de su localidad.

Es así como se consolidaba una gran época para el teatro mexicano, el público asistía frecuentemente a las salas de aquel complejo cultural que había florecido dentro del Bosque de Chapultepec, principalmente a aquel teatro que albergaba grandes producciones, como El Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra, La verdad sospechosa de Juan Ruiz de Alarcón, Ricardo III de William Shakespeare, Así en la tierra como en el cielo de Fritz Hochwälder, Moctezuma II de Sergio Magaña y Hotel Paradiso de George Feydeau, por mencionar algunas.

Lo que cambió la historia
 
En 1987 el Teatro del Bosque estaba en su apogeo. El director mexicano Julio Castillo estrenó De la calle, de Jesús González Dávila, obra que a la postre se convertiría en parteaguas en la historia del teatro en México. Después de dos años en cartelera y al cumplir 200 representaciones, el viernes 17 de marzo de 1989 el teatro adoptó el nombre del recién fallecido director Julio Castillo.

Por su tamaño y diseño, este teatro es ideal para presentar actividades de distintas disciplinas artísticas, además de contar con los recursos escenográficos y técnicos necesarios. Durante años, el Teatro del Bosque Julio Castillo ha albergado espectáculos de talla internacional, obras de teatro, tanto para adultos como para niñas, niños y jóvenes, espectáculos de danza, cine, ópera, conciertos y homenajes.

Se han presentado también el Clazz Continental Latin Jazz, la ópera Anita de Melesio Morales, el Festival de Danza Folklórica Patria Grande, pero sobre todo se han escenificado puestas en escena de los festivales Internacional Cervantino, del Centro Histórico y Otras Latitudes, por ejemplo.

Destacan obras de reconocidos directores internacionales, como Peter Brook y su compañía Théâtre des Bouffes du Nord de París; Andreas Kriegenburg de la Deutsches Theater Berlin; Victoria Thierrée Chaplin y su compañía Aurélia Thierrée & Victoria Thierrée Chaplin; Jan Fabre de la compañía Troubleyn, además de obras de importantes directores mexicanos, como José Solé, Luis de Tavira, Claudio Valdés Kuri, Sabina Berman, José Caballero y Martín Acosta, por mencionar algunos.

Sin duda, el Teatro del Bosque Julio Castillo ha sido y sigue siendo un referente en la vida cultural del país.

en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky

Las obras de la compañía Teatro Línea de Sombra se presentarán del 12 al 22 de marzo y del 26 de marzo al 5 de abril

  E  l Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro (CNT), albergará una estancia de la compañía Teatro Línea de Sombra en el Teatro El Galeón Abraham Oceransky, donde ofrecerá temporada de las puestas en escena La brisa y Deshacer la forma que se presentarán del 12 al 22 de marzo y del 26 de marzo al 5 de abril, respectivamente.

El bar La brisa fue considerado un lugar de “resistencia cultural” en Ciudad Juárez, Chihuahua, durante la década de los noventa. Se menciona que era un sitio de encuentro donde se fusionaban diferentes disciplinas artísticas por parte de los asistentes, quienes compartían y promovían sus obras teatrales.

Bajo el mismo título, la obra retoma el nombre de esa cantina, pero no con la intención de recolectar las memorias que allí ocurrieron, sino de relatar cómo la búsqueda de tres objetos personales que creían desear, llevará a un grupo de mujeres a recorrer un camino repleto de situaciones fortuitas y sucesos inesperados que les harán preguntarse si realmente estaban buscando aquello que encontraron.

Con esta pieza, la compañía Teatro Línea de Sombra regresa a El Galeón Abraham Oceransky del Centro Cultural del Bosque para presentar la nueva temporada de este espectáculo teatral creado e interpretado por Alicia Laguna, Zuadd Atala, Kanga Trujillo y Tamara Cubas, bajo la dirección de esta última.

La obra se escenificará del 12 al 22 de marzo, los jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00. El montaje es un proyecto apoyado por el Fondo de Ayudas para las Artes Escénicas Iberoamericanas (Iberescena).

Teatro Línea de Sombra

El encuentro de los integrantes de Teatro Línea de Sombra con la directora uruguaya Tamara Cubas y su compañía Perro Rabioso, data del año 2011, cuando se presentó por primera vez en Transversales encuentro internacional de escena contemporánea. De su presentación se desprendió una relación de trabajo en varios niveles que perdura hasta la actualidad.

Respecto a la obra La brisa, Alicia Laguna, actriz y productora de la compañía Teatro Línea de Sombra, señaló que, al realizar la investigación de ésta, decidieron que Tamara Cubas podía ser la persona ideal para llevar a buen término este proceso.

“Encontramos en su propuesta metodológica, la cual implica una manera distinta y diversa de abordar el cuerpo, elementos que para nosotros eran familiares, y así surgió un vínculo de relación afectiva y de trabajo”, puntualizó Laguna.

Deshacer la forma

Por otra parte, Deshacer la forma es la más reciente creación de la compañía La Rubia Co., en coproducción con Teatro Línea de Sombra. Se trata de una pieza coreográfica y plástica en la que el público se verá inmerso dentro de una serie de imágenes latentes en movimiento, acompañados del silencio que nunca es uno, sino varios.

La obra creada por Zuadd Atala ofrecerá temporada del 26 de marzo al 5 de abril, con funciones los jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.

En palabras de la directora Tamara Cubas, “la puesta en escena invita a contemplar una pieza coreográfica en la que se construyen imágenes en movimiento, en la que el espectador experimente algo a lo que he llamado el escenario como depurador de estancias corporales.

“Me interesa la cercanía con el público, la duración de la acción y crear una atmósfera colectiva, con el fin de generar en la escena algo que se describa como ‘mira como todo se deshace frente a ti’ o ‘mira como deshago todo frente a ti’”.

Incentivar la imaginación

En el espectáculo se utilizarán distintos tipos de vestuario de una gama de colores similares a la piel humana. Las ropas como pieles para incentivar la imaginación del espectador, con la intención de provocar diversas formas visuales, y que las acciones coreográficas pierdan sentido, se transformen y así aparezcan diferentes modos de expresión, tomando como guía teórica el verbo deshacer.

El elenco de Deshacer la forma está conformado por Anaíd Aguilar, Engelbert Ortega, Ignacio Velasco, Virginia Amarilla y Zuadd Atala.

Para más información, consultar las redes sociales de la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL: @teatroinbal en Facebook, Twitter e Instagram.

  E  l montaje escrito, dirigido y actuado por Andrés Carreño tendrá una breve temporada
Hace uso del humor y la música para tratar temas complejos como la pobreza, la migración y el machismo
Se presentará del 18 al 27 de marzo en el escenario itinerante La Corrala del Mitote

El Centro Nacional de las Artes (Cenart) recibe a la compañía Cabaret Misterio con el espectáculo Pepe, el pollo, es inocente. Andrés Carreño, escribe, dirige y protagoniza este montaje que pone sobre la mesa temas complejos como la falta de oportunidades y la migración de mexicanos a Estados Unidos.

El público será testigo de la historia de Pepe, un polluelo que siempre ha soñado con ser un bailarín, pero al vivir en una comunidad indígena de México y debido a la escasez económica, se ve obligado a viajar al país vecino del norte en busca de un trabajo digno. En su travesía bailará, cantará y encontrará a su primer amor, además confrontará a su padre con respecto a su creencia tradicional de “ser un hombre”.

En palabras de su creador, esta metáfora ayuda al espectador a lograr un distanciamiento con los hechos dando como resultado un humor inteligente. Pepe, el pollo, es inocente divertirá al público, pero a la vez lo conmoverá al contar una historia como la de varios niños y niñas migrantes de este país. El montaje cuenta con un repertorio de música mexicana que da más vida a la escena y permite que la audiencia evoque sus propios recuerdos.

Este espectáculo surge del trabajo de Andrés Carreño con hombres de comunidades rurales indígenas, a partir de un taller donde se trataban temas como el proceso migratorio a partir de la identidad, el machismo o la masculinidad hegemónica y tóxica, entre otros.

Además de escenarios mexicanos, el montaje ha visitado otros en países como Estados Unidos y Colombia, figurando también en encuentros sobre masculinidades, migración y paternidades.

El texto, actuación y dirección son de Andrés Carreño, mientras que el vestuario es de Mauricio Ascencio y el maquillaje de Brenda Castro. Los arreglos y adaptaciones musicales corren a cargo de Julio Gándara y la producción ejecutiva es de Allan Flores.

Pepe, el pollo, es inocente se presentará en el Cenart del 18 al 27 de marzo, de miércoles a viernes, a las 18:00 horas. La cita es en La Corrala del Mitote, escenario itinerante ubicado en la Plaza de la Música, Río Churubusco no.79, esquina Calzada de Tlalpan, colonia Country Club, cerca de las estaciones del Metro Ermita y General Anaya. El costo del boleto es de $30 pesos y están a la venta en taquillas del recinto y a través del sistema Ticketmaster. Público a partir de 8 años.

Andrés Carreño

Ciudad de México, 1977. Actor, director, dramaturgo, cabaretero y activista. Fundó la compañía Cabaret Misterio, hace 17 años. Es pionero y precursor en el teatro cabaret para niñas y niños. Especialista en temas de género, diversidad sexual y nuevas masculinidades. Actualmente es becario del FONCA como Creador escénico con trayectoria en Teatro-Cabaret (2018-2020). Es fundador de Los histéricos, colectivo de hombres para desmontar la violencia machista.

México visto desde los ojos de la deidad prehispánica

El espectáculo es escrito por el dramaturgo Daniel Loyola y dirigido por Leonardo Villa
La puesta en escena tiene una temporada del 17 de marzo al 22 de abril en el Foro A Poco No

  T  razmallo Ixinti presenta Coatlicue 2.0 La Diosa que vino del aire, una propuesta escrita y actuada por Daniel Loyola y dirigida por Leonardo Villa, en la cual se aborda a Coatlicue, la diosa de la falda de serpientes y madre de todas las deidades mexicanas, que emprende un viaje por el espacio-tiempo para buscar a sus hijos. Comienza a vagar por las calles y observa los rasgos característicos de la identidad mexicana.

En el Foro A Poco No se llevará a cabo la propuesta, la cual se sirve de música, máscara y danza para expresar elementos de la la cultura y tradición de México. En la propuesta se observa el mito de la creación y la destrucción de los viejos mundos, se lamentan las heridas de La Conquista, la construcción del símbolo de Tonantzin-Guadalupe, se entierran a los muertos de las revoluciones y expone con humor cáustico y picaresco el carácter del mexicano.

Daniel Loyola es actor, bailarín y músico, egresado de la Escuena Nacional de Arte Teatral (ENAT). Ha desarrollado proyectos de investigación escénica etno-teatral y en comunidades urbanas e indígenas de Michoacán y Ciudad de México. Fundador del grupo Trazmallo Ixinti, con la que ha desarrollado sus investigaciones sobre la mascarería y bufonería indígena, se ha presentado en diversos escenarios artísticos y académicos en Argentina, España, Perú y México.

Originario de Guadalajara, Jalisco, Leonardo Villa es egresado de la ENAT y actualmente cursa la Maestría en Teatro Físico en la Accademia Teatro Dimitri en Suiza. Ha participado en casi cuarenta puestas en escena y se ha presentado en Argentina, Estados Unidos y Perú. Ha incursionado en Teatro, Danza, Cine, Música, Circo y Televisión.

Coatlicue 2.0 La Diosa que vino del aire se presenta del 17 de marzo al 22 de abril, en el Foro A Poco No (República de Cuba 49, colonia Centro Histórico, cerca del Metro Allende) los días martes y miércoles a las 20:30 horas. Entrada general: 174 pesos. Descuento de 50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. Sujeto a disponibilidad y aplican restricciones.

Para consultar completa la programación de Teatros de la Ciudad de México visite: www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. Asimismo, descargue (sistemas operativos Android e IOS) la aplicación de TeatrosCDMX.

con participación de la Compañía Nacional de Teatro en el Juan Ruiz de Alarcón

Escrita para el público mexicano, con texto, dirección, escenografía, iluminación y vestuario del francés Pascal Rambert; hasta el 5 de abril

  L  a Compañía Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), en coordinación de Cultura/UNAM, a través de la Cátedra Bergman, Teatro UNAM, el Centro Universitario de Teatro, la Universidad de Guadalajara y el Instituto Francés de América Latina (IFAL), presentan Desaparecer, dramaturgia, dirección y diseño escénico de Pascal Rambert, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario con funciones los días jueves, viernes y sábado 19:30 horas y domingo a las 18:00.

Desaparecer del autor, director de teatro, cineasta y coreógrafo francés Pascal Rambert, artista multidisciplinario con una prolífica carrera a nivel internacional. Desde 2017 se ha asociado con el Théâtre des Bouffes du Nord en París, pero también con El Pavón Teatro Kamikaze en España y es autor asociado al Teatro Nacional de Estrasburgo (TNS) desde 2014. Sus obras son reconocidas a nivel mundial y han sido traducidas a varios idiomas.

Es una obra escrita especialmente para el público mexicano. La puesta en escena se fue construyendo a partir de una serie de descubrimientos del propio Pascal, quien creó y dio forma a los personajes tras conversar con distintas actrices y actores mediante una serie de entrevistas y workshops, y para concluir el texto ideó un ejercicio de escritura colectiva en el que los personajes cobraron vida.

La obra trata sobre “un joven cineasta que sale de viaje a filmar imágenes fijas. Sin seres humanos; en el desierto. Eso fue lo que dijo a sus seres queridos antes de partir. Sin embargo, varias semanas después sus familiares no han recibido noticias. Nadie sabe qué pasó. Cada uno tiene su versión de los hechos. Su abuela. La hermana de su abuela. Su madre. Sus amigos. Cada uno llena la ausencia con su propia imaginación.

“Todos rellenan la ausencia a partir de lo que cada uno habría hecho en esas circunstancias. Lo único que se encuentra son las imágenes filmadas en 16 mm, en las cuales lo único que se mueve, bajo el calor y en esos espacios inmóviles y desérticos, es el paisaje. Desaparecer es una obra sobre la pérdida. El dolor de la ausencia. La angustia ante un cuerpo que no vuelve. Que no se encuentra y no se entierra. Un fantasma vivo en el pecho de todos”, comentó Pascal Rambert.

La puesta en escena cuenta con las actuaciones de Concepción Márquez, Arcelia Ramírez, Sofía Espinosa, Emilio Carrera Quiroga, Fernando Álvarez Rebeil y los actores del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro del INBAL: Julieta Egurrola, María del Mar Nader Riloba y Antonio Rojas.

El equipo creativo lo conforma: Texto, dirección, escenografía, iluminación y vestuario: Pascal Rambert; asistente de dirección, Belén Aguilar; asistente de escenografía, Javier Ángeles; segunda asistente, Fabiola de las Rosa; música, Pedro de Tavira Egurrola; escultura frutal, Toño Garduño, Marcela Bretón Orrala, Carolina de Ávila; producción fílmica, Fernando Álvarez Rebeil; dirección de fotografía, Fofo Yáñez, y postproducción fílmica, Annalisa Donatella Quagliata y Francisco Ramírez Vázquez. Producción ejecutiva, Abril Alzaga.

Pascal Rambert (1962) es escritor, coreógrafo, director escénico y audiovisual. De 2007 a 2016 fue director del T2G – Teatro de Gennevilliers que se convirtió en un centro dramático nacional de creación contemporánea, dedicado a artistas de teatro, danza, ópera, arte contemporáneo, cine.

Structure production de Pascal Rambert y Pauline Roussille, está asociada al Théâtre des Bouffes du Nord, en París. Rambert es artista asociado de El Pavón Teatro Kamikaze (Madrid) y autor asociado al Teatro Nacional de Estrasburgo.

Sus obras se han creado y presentado en Europa, América Central, Sudamérica, Norte de África, Rusia, Asia y Medio Oriente.

Sus textos han sido publicados en Francia por Solitaire Intempestifs, además de ser traducidos y publicados en distintos idiomas: inglés, ruso, italiano, alemán, japonés, mandarín, croata, esloveno, polaco, portugués, danés, español, catalán, holandés, tailandés, checo y griego.

Ha recibido reconocimientos por su trabajo, entre ellos: Premio del Autor en el Palmarès du Théâtre por La clausura del amor, en 2015 obtuvo el Premio Anual de Literatura y Filosofía de la Academia Francesa por su obra Repetición y en 2016 el Premio del Teatro en reconocimiento a su trayectoria, por parte de la Academia Francesa.

En 2019 escribió y dirigió Architecture, estrenada en la Cour d’honneur del Palacio Papal del Festival de Aviñón y protagonizada por Emmanuelle Béart, Audrey Bonnet, Anne Brochet, Marie-Sophie Ferdane, Arthur Nauzyciel, Stanislas Nordey, Denis Podalydès (asociado de la Comédie- Française) alternando con Pascal Rénéric, Laurent Poitrenaux y Jacques Weber.

Desaparecer se presenta en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón, Centro Cultural Universitario, Insurgentes Sur 3000. Funciones: Jueves, viernes y sábado 19:30 horas, y domingo 18:00. Admisión: $150.00 con descuento del 50% a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, y jubilados del ISSSTE e IMSS con credencial vigente. Jueves de $30.00. Excepto 5 y 8 de marzo. Temporada del 28 de febrero al 5 de abril.

en la Coordinación Nacional de Teatro

Inaugura el INBAL Residencias de Teatro Comunitario en Lerma, Estado de México, con Cartas a Otelo

Con la escenificación de la obra Cartas a Otelo, voces sobre la violencia a lo femenino, montada por la compañía mexiquense Teatro Lunar, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, inauguró en Lerma, Estado de México, la primera parte del programa Residencias de Teatro Comunitario con el objetivo de proponer un diálogo entre actores y público sobre la violencia de género.

Asimismo, el programa que lleva el mismo nombre de la puesta en escena se llevará a cabo en los municipios de Toluca, Ocoyoacac y Metepec, con el propósito de establecer vínculos y una constante comunicación retroalimentativa en comunidades específicas donde el fenómeno de la violencia hacia las mujeres tiene presencia.

Problema arraigado

La compañía Teatro Lunar, originaria de la ciudad de Toluca, con 10 años de experiencia en proyectos teatrales creó la obra Cartas a Otelo a partir de una investigación sobre diversos casos de violencia, lo que llamó la atención por el contexto que se vive en el país, específicamente el Estado de México.

Yarosly Picazo, actriz de la compañía, explica que “la obra se desenvuelve cuando se recogen testimonios y se les da sentido a partir de un supuesto texto clásico que ha escrito Shakespeare en el que Desdémona increpa a Otelo, su asesino, y de alguna manera le damos voz a este personaje.”

La obra -prosigue- surge como un detonante, de modo que nosotros, como compañía, podamos dialogar directamente con el espectador a partir del fenómeno teatral; se pugna porque la violencia nos ha rebasado y queremos presentar esa lucha con otra cara alejada del amarillismo que estos temas suelen presentar.

Obra didáctica y participativa

Picazo añadió que la línea narrativa del texto de Shakespeare sobre Desdémona abre la pauta para que, mediante hechos escénicos y el performance se relacionen casos de mujeres violentadas y asesinadas en el Estado de México. Además, el espectador podrá ver cómo es que la sociedad actual es machista -de forma indirecta- a través de frases de conocidas canciones populares y de refranes de la cultura mexicana.

“Con apoyo de la multimedia, la obra expone datos de casos específicos, así como estadísticas que reflejan panoramas desoladores. Al terminar la función se realizó una charla entre los actores y el público sobre el contenido de la obra, lo que permite una retroalimentación”, puntualizó.

Cabe precisar que la obra Cartas a Otelo, voces sobre la violencia a lo femenino ofrecerá sólo dos funciones en el Centro Cultural del Bosque de la Ciudad de México.

El resto de la temporada se realizará en los municipios de Toluca, Ocoyoacac y Metepec, donde además de las funciones se presentará la exposición plástica Réquiem a las mujeres archivadas, así como un taller de dibujo para mayores de 16 años, una conferencia con especialistas en equidad de género y una mesa de diálogo en la que diversos teatristas expondrán su opinión sobre cómo enfrentan la violencia.

Para más información se pueden consultar las redes sociales de la Coordinación Nacional de Teatro: @teatroinbal en Facebook, Twitter e Instagram.

Una carta a Chéjov, una caricia desde el teatro

Regresa la Compagnia Finzi Pasca para ofrecer su mirada del universo de Antón Chéjov
Del 12 al 22 de marzo se llevará a cabo las funciones del magistral espectáculo

  C  on una sucesión de imágenes oníricas, creadas a partir de composiciones acrobáticas, de video, danza y teatro, surge un divertido y sorprendente homenaje poético a una de las figuras paradigmáticas del teatro universal: Antón Chéjov (1860-1904). Con Donka – Una carta a Chéjov, la Compagnia Finzi Pasca regresa a nuestro país para ofrecer el espectáculo que abrió las celebraciones del 150 aniversario del nacimiento del dramaturgo ruso en Moscú.

Desde su estreno mundial (el 29 de enero de 2010 en el Mossovet Theatre en Moscú, Rusia), la propuesta se presentó sus primeros cinco años con ocho artistas y fue, en 2018, que se reestrenó con 12 creadores, que han ofrecido más de 300 funciones, en cinco idiomas diferentes, con cientos de miles de espectadores en 73 ciudades de 26 países.

El nombre del espectáculo nació porque donka, en ruso, hace referencia a una pequeña campana atada a la caña de pescar que suena cuando un pez muerde el anzuelo. Chéjov adoraba pescar, era una forma de abandonarse a la meditación. Daniele Finzi Pasca, fascinado por esta imagen, dio vida al presente poema visual.

Con música original de Maria Bonzanigo, escenografía de Hugo Gargiulo, vestuario de Giovanna Buzzi, video de Roberto Vitalini y un elenco internacional de hábiles intérpretes, clowns, músicos, bailarines y acróbatas, Donka – Una carta a Chéjov despliega una galería de doctores, eternos estudiantes, soñadores, solterones y doncellas de luto por la vida, que pueblan el universo chejoviano.

Reconocido como Mejor espectáculo en 2011 por el diario ABC (España) y al año siguiente con dos premios de la revista The Stage (Inglaterra), que fueron: Mejor espectáculo y Mejor momento del año, Donka – Una carta a Chéjov se ha presentado en Alemania, Australia, Bélgica, Bielorrusia, Brasil, Canadá, Chile, Dinamarca, España, Estados Unidos, Francia, Irlanda, Italia, Polonia, Rumania, Suiza, Uruguay y México, entre otros países.

La actual gira en México de la Compagnia Finzi Pasca cuenta con el apoyo de Arte & Cultura de Grupo Salinas.

Creador del concepto Teatro de la caricia, Daniele Finzi Pasca es el autor, director, diseñador de iluminación y coreógrafo de la propuesta, en la cual mezcla su singular y única forma de hacer teatro con elementos de Chéjov para hablar, de manera contundente y onírica, sobre el dramaturgo ruso, su obra y sus personajes.

Donka – Una carta a Chéjov se presentará del 12 al 22 de marzo, miércoles a viernes a las 20:30 horas, sábado 14 a las 19:00, domingo 15 a las 18:00 y el domingo 22 a las 13:00 y 18:00 horas, sábado 21 de marzo no hay función, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, colonia Centro Histórico, cerca del Metro Allende). Localidades: desde 350 a 750 pesos. Descuentos del 50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno y miembros del INAPAM con credencial vigente. Sujeto a disponibilidad y aplican restricciones.

Para consultar completa la programación de Teatros Ciudad de México visite: www.teatros.cultura.cdmx.gob.mx. Asimismo, descargue (en sistemas operativos Android e IOS) la aplicación TeatrosCDMX.

Una creación de Daniela Palao, Mara Ximena Espinosa de los Monteros e Ignacio
Ferreyra
con fragmentos de Arístides Vargas, Nahui Ollin, Jaime
Sabines y Patricia Cardona.

  C  oncerniente al albedrío es una puesta en escena que surge de querer explicar qué pasa en nuestros cuerpos, psique y emocionalidad frente a la violencia que se ejerce actualmente sobre las mujeres.

A partir de un caso real de un feminicidio, decidimos indagar no sólo en los factores sociales o culturales que rodean el fenómeno sistemático de la violencia de género, sino principalmente en cómo esta violencia trastoca la vida de manera irreversible para quienes viven el suceso, estableciendo un diálogo con la ausencia, la  desaparición, la impotencia y, en fin, con todas las emociones que la violencia genera.

Dos mujeres que se confrontan entre ellas y a sí mismas, recorren un laberinto formado por recuerdos, sueños, vacíos y conflictos, siempre acosadas por un miedo indecifrable que permea todas sus acciones.

Desde ahí, asumiendo la confusión inherente a un fenómeno que las sobrepasa, realizan una exploración profunda sobre el significado de ser mujer hoy, tratando de entender las causas y efectos de la violencia, pero sobretodo, tratando de apropiarse de sí mismas y de sus decisiones. El cuerpo se vuelve, en este sentido, el primer territorio reconquistado en esta lucha por romper con los estigmas y las expectativas impuestas y normalizadas por la sociedad.

Al final tal vez no podamos escapar de la tragedia. Pero sí queda siempre una decisión que tomar: se puede vivir sin miedo, vivir plenas, vivir coherentes. Se puede encontrar el cielo en nosotras mismas. Aunque el resto del mundo sea un infierno.

La primera temporada de Concerniente al albedrío se presentará a partir del viernes 20 de marzo y hasta el 5 de abril, en horario de viernes a las 20:00 hrs, sábados a las 19:00 hrs y domingos a las 18:00 hrs.

Información
Nombre de la obra: Concerniente al albedrío
Compañía: Realidades Asimétricas
Género: Teatro contemporáneo
Teatro: Foro Vicente Leñero de CasAzul, Mérida 5, Roma Norte, CDMX
Horario: Viernes 20:00 hrs, Sábados 19:00 hrs, Domingos 18:00 hrs
Temporada: Del 20 de marzo al 5 de abril de 2020
Clasificación: Mayores de 18 años
Autores: Daniela Palao, Mara Ximena Espinosa de los Monteros e Ignacio
Ferreyra, con fragmentos de Arístides Vargas, Nahui Ollin, Jaime
Sabines y Patricia Cardona
Elenco: Daniela Palao y Mara Ximena Espinosa de los Monteros
Actrices en video: Belén con Ene, Mariana Ramírez, María Cid, Nalleli Montero, Mariana Arenal, Ana Paula Goñi, Rossana Deneb García y Marycielo Vargas.
Dirección y multimedia: Ignacio Ferreyra
Asesoría corporal: Edson Martínez
Fotografía: Fernando Espinosa de los Monteros y Mariana Ramírez
Diseño gráfico: Ana Laura Salinas y Bernardo Vega
Producción: Realidades Asimétricas

pieza teatral sobre el amor,
el desamor y la catarsis en la pareja

El Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, presenta Stickiness, o la sinuosa tarea de desarraigar, obra interdisciplinaria de Constanza Amparán Hernández y Octavio Ahmic, la cual conjuga danza, teatro físico y de objetos para abordar el tema de las relaciones de pareja con una historia de amor, desamor y catarsis.

Producida por la compañía Pulmón Danza Teatro, bajo la dirección escénica de Amparán Hernández, la obra desarrolla como eje central una historia de amor y desamor mediante un lenguaje corporal que relata una relación de pareja a partir del enamoramiento y la transformación hacia la decadencia por el paso del tiempo.

Con escenas sin temporalidad clara, la obra muestra las distintas etapas por las que pasa una relación de pareja: el amor profundo inicial en el que todo parece ser sincronía, la indiferencia y el ensimismamiento de la rutina que provoca fracturas al mismo tiempo que dependencia y el quiebre final con el que termina por explotar la violencia acumulada, lo que hace inevitable la destrucción de la relación hasta llegar a una catarsis necesaria.

Ruptura amorosa, el detonante

“La idea de crear Stickiness, o la sinuosa tarea de desarraigar surge, como era de esperarse, a raíz de una ruptura amorosa. El desgaste de esa relación derivó en sueños recurrentes de imágenes escénicas que se convirtieron en un pequeño sketch, cuyo material aún permanece en la obra.

Tiempo después, la compañía obtuvo una beca artística que le permitió llevar a cabo el montaje completo y, curiosamente, coincidió con la ruptura de una nueva relación, así que la consolidación de la puesta en escena a lo largo de ese año se vio alimentada por un nuevo fracaso amoroso”, relató Amparán Hernández, autora e intérprete de la obra.

A partir de la fusión del teatro con la danza, las acciones físicas y la manipulación de objetos, los personajes construyen la narrativa y las imágenes que llevan al espectador por un viaje de emociones y sensaciones relacionadas con el amor, la ruptura, la dependencia, el apego y la violencia en las relaciones de pareja.

El concepto estético de la pieza tiene un interés evocador que está presente en el diseño de vestuario y en el espacio escénico. Un comedor austero compuesto por una mesa y dos sillas y los recuerdos en forma de jarrones suspendidos son el campo de acción para los encuentros y desencuentros de los intérpretes.
Fusión de danza y teatro, esencial en las artes

La compañía Pulmón Danza Teatro fue creada por Constanza Amparán y Octavio Ahmic. Ella tiene formación como bailarina y él como actor, pero ambos siempre estuvieron interesados en un punto medio entre las dos disciplinas.

Constanza Amparán comentó que cuando comenzaron a trabajar juntos decidieron fusionar sus intereses y habilidades para enriquecerse mutuamente. Consideraron que la combinación de estas artes permite un tipo de teatro que les parece más intuitivo, que está abierto a interpretaciones y, a la vez, se mantiene accesible.

Las actuaciones están a cargo de Luis Escárcega, Octavio Ahmic y Constanza Amparán. El diseño de iluminación es de Sebastián Santamaría y el proyecto gráfico de Jorge Alberto Gajón.
Stickiness, o la sinuosa tarea de desarraigar se presentará del 20 de febrero al 15 de marzo, los jueves y viernes a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 y los domingos a las 18:00 horas, Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque.

Para más información, consultar redes sociales de la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL: @teatroinbal en Facebook, Twitter e Instagram.

]]> https://www.cronopio.mx/noticiacultural/stickiness-o-la-sinuosa-tarea-de-desarraigar/feed/ 0 https://www.cronopio.mx/noticiacultural/el-pescador-y-la-petenera/ https://www.cronopio.mx/noticiacultural/el-pescador-y-la-petenera/#respond Sat, 15 Feb 2020 01:17:16 +0000 https://www.cronopio.mx/?p=6829

de Teatro de Quimeras, se presentará en la Sala Xavier Villaurrutia del CCB

Idea original de Sofía Beatriz López y Gabriel Rojas con dramaturgia de Martín López Brie; temporada del 20 de febrero al 15 de marzo

  E  l Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), a través de la Coordinación Nacional de Teatro, presentará El pescador y la petenera, obra creada por Sofía Beatriz López y Gabriel Rojas con dramaturgia e iluminación de Martín López Brie, los jueves y viernes a las 20:00 horas, los sábados a las 19:00 y los domingos a las 18:00, del 20 de febrero al 15 de marzo en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque.

Esta producción de la compañía Teatro de Quimeras gira en torno a la imagen poética de la petenera, personaje evocado constantemente en la música popular mexicana y que también nombra una forma musical específica, ejecutada tanto en sones jarochos como huastecos.

Con raíces andaluzas, afroamericanas e indígenas, los sones hablan en sus versos sobre una mujer que sufre de desamor. La petenera suele representarse como una sirena que seduce a los marineros con su dulce voz para después arrastrarlos al fondo del mar.

Una sirena y un pescador en el fondo del mar
Esta pieza teatral retrata un encuentro entre una sirena y un pescador que no son lo que uno esperaría de ellos: esta sirena no sabe cantar, por lo que no logrará seducir a alguien, y este pescador no es fuerte, ni aventurero y tampoco valiente.

A pesar de sus carencias, ambos ríen, bailan, cantan sus desamores y, a través del manto de la música tradicional, exponen los matices emocionales propios de los encuentros amorosos, como el mar que puede ser suave y furioso o las fiestas fandangueras que están llenas tanto de risa como de melancolía, de fuerza como de suavidad.

Sofía Beatriz López interpreta este unipersonal con música en vivo que se vale de la voz, tanto hablada como cantada; del vestuario como herramienta escénica; de la utilización de una máscara teatral y de la danza odissi (baile clásico de India) para crear un cuerpo ficticio femenino para la sirena y uno masculino para el pescador.

El montaje recibió el estímulo para Creadores Escénicos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en 2016. Gabriel Rojas llevó a cabo un trabajo de composición musical a partir de sones y versos de la tradición popular. El texto dramatúrgico, la atmósfera y el diseño de iluminación son de Martín López Brie. Además, la puesta en escena cuenta con la participación de músicos invitados: MonDeleón (música y voz), Ramsés Hernández (violín huasteco), Mariano Herrera (jarana leona) y Eleazar Aranda (flauta).

La importancia de la máscara

En el montaje, dos personajes comparten la misma máscara. Sobre la importancia y el peso de la utilización de este objeto expresivo en escena, la creadora y actriz Sofía Beatriz López afirma que “la máscara es el primer encuentro que tienen todas las civilizaciones con la representación escénica. Nos recuerda que podemos ser otros, vernos en otros.

“A su vez, la máscara nos permite crear con libertad y claridad un personaje, sin importar que no coincida el género del intérprete con el del personaje. Es un recurso teatral gracias al cual el público puede olvidarse de quién está detrás del mismo y disfrutar de la historia”.

Para más información consultar las redes sociales de la Coordinación Nacional de Teatro: @teatroinbal en Facebook, Twitter e Instagram.